tag:blogger.com,1999:blog-82090932244963407672024-03-07T23:27:29.626-08:00Personas FamosasUnknownnoreply@blogger.comBlogger103125tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-266399419689760062007-12-22T03:59:00.000-08:002007-12-22T04:00:12.586-08:00JESÚS NAVASTrayectoria <br /> UD Los Palacios La carrera futbolística de Jesús Navas comenzó en su pueblo, en el equipo local, la Unión Deportiva Los Palacios donde se curtió como jugador driblando charcos y regateando rivales que le superaban en tamaño y edad.<br /><br />Jesús consiguió llamar la atención de Pablo Blanco, técnico del Sevilla FC. Cuentan que los aficionados que rodeaban a Blanco al verle tan interesado por Jesús dijeron: "Si hoy se dribla hasta los charcos, en seco hasta le dribla a usted" [sin referencias]. Tanto es así que el técnico sevillista no dudó en contratarle para que se curtiera y se formara en la cantera sevillana.<br /><br /><br /> Sevilla Atlético Jesús Navas llegó al Sevilla Atlético con 16 años. Jugó 10 partidos con el filial sin marcar en la temporada 2002/03. Al año siguiente obtuvo la confianza del entrenador y llegó a disputar 22 partidos en liga, marcando en tres ocasiones. Navas prometía, y como resultado de su gran juego a tan joven edad llegó el ascenso al primer equipo, el Sevilla Fútbol Club, en el que jugó en 5 ocasiones antes de que terminara la temporada.<br /><br /><br /> Sevilla Fútbol Club [editar]En la temporada 2004/05, Jesús Navas continuó en el filial para ganar más experiencia. Pero tras 4 partidos el entrenador requirió sus servicios para el primer equipo. Jugó 23 partidos en liga y marcó en dos ocasiones.<br /><br />El 4 de mayo firmó una renovación de su contrato al alza motivada por su buen juego que le liga al club hasta el 2010.<br /><br />Jesús Navas debutó en la temporada 2003 en un partido con derrota frente al RCD Espanyol de Barcelona. A pesar del mal resultado, la afición empezó a apreciar a Jesús, no solo por ser de la cantera, si no por su arte driblador y su electricidad en el terreno de juego.<br /><br />Navas se consolidó como futbolista, en el partido que enfrentó al Athletic Club de Bilbao y al Sevilla FC en la temporada 2004 - 2005. El chaval encajó un partidazo, y cuando todo el mundo se recreaba con su juego y sus regates, hizo la jugada de su vida. Cogió el balón en el medio campo a pase de Júlio Baptista, con toda la fé del mundo se plantó delante de Asier Del Horno y le driblo como un auténtico profesional, sobrepasando a tres defensas más y colocandose en una perfecta posición al borde del area, para colocar una pelota imposible, pegado al palo, al que nada pudo hacer el portero del Bilbao. Una jornada más tarde Jesús encajó otro más que increible partidazo frente al Deportivo de la Coruña, marcando también en carrera desde su favorita banda derecha. Otro golazo que hizo corear su nombre a todo el Ramón Sánchez Pizjuán.<br /><br /><br /> Selección nacional [editar]Durante su etapa en el Sevilla FC el jugador ha sido requerido por Luis Aragonés para formar parte de la Selección española absoluta. La ansiedad le ha impedido incorporarse a algunas concentraciones pero gracias a la ayuda de los psicologos del club, parece que ya no vuelve a producirse [1] .<br /><br />Ha sido internacional sub-21 con la selección de fútbol de España.<br /><br /><br /> Selección Andaluza [editar]Ha sido convocado en numerosas ocasiones por la Selección de Andalucía, donde incluso llegó a marcar un gol desde el medio del campo ante la Selección China.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-41024327575539280982007-12-20T09:44:00.001-08:002007-12-20T09:44:10.424-08:00ZIDANEZinedine Yazid Zidane nació en Marsella, Francia el 23 de junio de 1972, sus padres son argelinos (Smail y Malika) y tiene cuatro hermanos, Djamel, Farid, Nourredine y Lila.<br />Desde muy pequeño sintió afición por el deporte, a los cuatro años ya montaba en bicicleta y a los seis empezó a practicar el judo. Pocos años después acudía al estadio de Marsella y se enamoró del que considera un jugador maravilloso, Enzo Francescoli, que por entonces jugaba en el Olympique y al que aún admira por su juego en el River Plate.<br /><br />Empezó su carrera futbolística en el equipo de La Castellane, del barrio marsellés del mismo nombre, donde nació. Jugó en modestos equipos de la periferia de Marsella, como el US Saint Henri y el Septemes. Cuando tenía 14 años fichó por las categorías inferiores del Cannes.<br /><br />A partir de entonces, su ascensión fue sistemática. Con 17 años debutó en la Primera división francesa frente al Nantes. Su siguiente equipo fue Burdeos, donde rindió considerablemente durante 4 años.<br /><br />En 1996, Zidane fichó por la Juventus de Turín, club con el que engrosó considerablemente sus palmarés, y a su vez jugó por la selección francesa. El equipo francés tuvo en Zidane a su eje principal para convertirse en la mejor selección francesa de la historia. Fue elegido como el mejor jugador del Campeonato Mundial de Fútbol de 1998, en el que ganó la final ante Brasil anotando dos goles de cabeza. También se coronó campeón en la Eurocopa Holanda 2000.<br /><br />A nivel de clubes ganó casi todos los títulos posibles (Liga, Copa, Supercopa de Italia, y la Copa Intercontinental). Sólo le faltaba un título la Copa de Europa (Liga de Campeones), pues había perdido dos finales, una de ellas contra el Real Madrid, el que sería su siguiente equipo, y con el que conseguiría el trofeo que le faltaba.<br /><br />El 9 de junio de 2001 fue presentado como jugador del equipoo español Real Madrid. El traspaso supuso unos 78 millones de euros, lo que le convirtió en el jugador más caro en la historia del fútbol. Aunque al principio le costó acomodarse a un equipo plagado de estrellas (los periodistas bautizaron al equipo como "Los Galácticos"), culminó la temporada anotando el gol que daba la victoria por 2-1 al Real Madrid ante el equipo alemán Bayer Leverkusen en la final de la Liga de Campeones de 2001-2002.<br /><br />Las lesiones impidieron que repitiese su actuación de 1998 con la selección de su país en el Mundial de 2002, donde, defendiendo el trofeo, su equipo tuvo una actuación mucho menor a la esperada y fue eliminado en la primera ronda sin anotar un solo gol.<br /><br />Zidane se retiró de la selección francesa tras culminar una mala Eurocopa de fútbol 2004, en la que Francia cayó derrotada en cuartos de final por 0-1 contra Grecia a pesar de que tuvo una buena actuación anotando 3 goles. En el año 2005 volvió a la selección con la meta de la Copa Mundial de Fútbol de 2006, siendo un jugador clave para su selección durante la fase de clasificación.<br /><br />Fue Balón de Oro en 1998, mejor jugador del mundo según la FIFA en 1998 y 2000, campeón del Mundo y de Europa con la selección francesa, pieza clave en la todopoderosa Juventus de los últimos años 90. Medio centro ofensivo a la antigua usanza, con gol, llegada, visión de juego, generoso con los delanteros y un enorme despliegue físico.<br /><br />Destaca principalmente en su manejo del balón, controles de todo tipo, regates, fintas, lanzamientos de falta y asistencias de gol. Su ídolo futbolístico fue el uruguayo Enzo Francescoli. En honor a él, bautizó a su primogénito con el nombre de Enzo.<br /><br />Además de su faceta futbolística Zidane es embajador de la ONU en la lucha contra el hambre.<br /><br />El 25 de abril de 2006 confirmó que se retirará del fútbol profesional al término del Mundial de Alemania en una entrevista televisada por la emisora francesa "Canal Plus". Según el diario deportivo español AS, "sus continuas lesiones y los problemas internos del Real Madrid le llevaron a adoptar la decisión". En una rueda de prensa ante 150 periodistas dejó en claro su interés de seguir vinculado al Real Madrid trabajando con niños. Destacó la gran satisfacción que le dieron sus logros como futbolista profesional, consiguiendo los máximos trofeos con su selección y con los grandes de Europa, Juventus y Real Madrid.<br /><br /><br /><br />Mundial Alemania 2006<br /><br />Elegido Mejor Jugador del Mundial (en votación realizada por la prensa a partir de una lista de nominados escogida por el Grupo de Estudios Técnicos de la FIFA) y a pesar de su anuncio de retirarse tras el campeonato, Zidane resultó un jugador clave en la trayectoria de su selección hasta la final.<br /><br />Con un gol suyo de penalti Francia venció a Portugal en las semifinales y se clasificó para disputar la final del campeonato frente a Italia.<br /><br />En la final marcó un gol de penalti en una ejecución al estilo panenka. . A los 5 minutos del segundo tiempo suplementario, tras ser insultado por el jugador italiano Marco Materazzi, Zidane le propinó un cabezazo en el pecho lo que le valió su expulsión por tarjeta roja directa.<br /><br />Selección nacional<br /><br />Ha sido internacional con la Selección nacional de fútbol de Francia: (agosto 1994 - agosto 2004, agosto 2005 - junio 2006)Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-15821519570503610162007-12-20T09:37:00.001-08:002007-12-20T09:37:49.120-08:00FLEMINGFleming nació en Ayrshire, Escocia y murió en Londres, Inglaterra. Trabajó como médico microbiólogo en el Hospital St. Mary de Londres hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial. En este hospital trabajó en el Departamento de Inoculaciones dedicado a la mejora y fabricación de vacunas y sueros. Almorth Edward Wright, director del Departamento, despertó el interés de Fleming por nuevos tratamientos para las infecciones. Durante la guerra fue médico militar en los frentes de Francia y quedó impresionado por la gran mortandad causada por las heridas de metralla infectadas (ej.: gangrena gaseosa) en los hospitales de campaña. Finalizada la guerra, regresó al Hospital St. Mary donde buscó intensamente un nuevo antiséptico que evitase la dura agonía provocada por las heridas infectadas.<br /><br />Los dos descubrimientos de Fleming ocurrieron en los años veinte y aunque fueron accidentales demuestran la gran capacidad de observación e intuición de este médico escocés. El descubrimiento de la lisozima ocurrió después de que moco de su nariz, procedente de un estornudo, cayese sobre una placa de Petri en la que crecía un cultivo bacteriano. Unos días más tarde notó que las bacterias habían sido destruidas en el lugar donde se había depositado el fluido nasal.<br /><br />El laboratorio de Fleming estaba habitualmente desordenado, lo que resultó una ventaja para su siguiente descubrimiento. En Septiembre de 1928, estaba realizando varios experimentos en su laboratorio y al inspeccionar sus cultivos antes de destruirlos notó que la colonia de un hongo había crecido espontáneamente, como un contaminante, en una de las placas Petri sembradas con Staphylococcus aureus. Fleming observó más tarde las placas y comprobó que las colonias bacterianas que se encontraban alrededor del hongo (más tarde identificado como Penicillium notatum) eran transparentes debido a una lisis bacteriana. La lisis significaba la muerte de las bacterias, y en su caso, la de las bacterias patógenas (Staphylococcus aureus) crecidas en la placa. Aunque él reconoció inmediatamente la trascendencia de este hallazgo sus colegas lo subestimaron. Fleming comunicó su descubrimiento sobre la penicilina en el British Journal of Experimental Pathology en 1929.<br /><br />Fleming trabajó con el hongo durante un tiempo pero la obtención y purificación de la penicilina a partir de los cultivos de Penicillium notatum resultaron difíciles y más apropiados para los químicos. La comunidad científica creyó que la penicilina sólo sería útil para tratar infecciones banales y por ello no le prestó atención. Sin embargo, el antibiótico despertó el interés de los investigadores norteamericanos durante la Segunda Guerra Mundial, quienes intentaban emular a la medicina militar alemana la cual disponía de las sulfamidas. Los químicos norteamericanos Ernst Boris Chain y Howard Walter Florey desarrollaron un método de purificación de la penicilina que permitió su síntesis y distribución comercial para el resto de la población.<br /><br />Fleming no patentó su descubrimiento creyendo que así sería más fácil la difusión de un antibiótico necesario para el tratamiento de las numerosas infecciones que azotaban a la población. Por sus descubrimientos, Fleming compartió el Premio Nobel de Fisiología y Medicina en 1945 junto a Ernst Boris Chain y Howard Walter Florey.<br /><br />Fleming fue miembro del Chelsea Arts Club, un club privado para artistas fundado en 1891 por sugerencia del pintor James McNeil Whistler. Se cuenta como anécdota que Femerling fue admitido en el club después de realizar "pinturas con gérmenes", estas pinturas consistían en pincelar el lienzo con bacterias pigmentadas, las cuales eran invisibles mientras pintaba pero surgían con intensos colores una vez crecidas después de incubar el lienzo. Las especies bacterianas que utilizaba eran:<br /><br />Serratia marcescens - rojo <br />Chromobacterium violaceum - púrpura <br />Micrococcus luteus - amarillo <br />Micrococcus varians - blanco <br />Micrococcus roseus - rosa <br />Bacillus sp. - naranja <br />Alexander Fleming murió en 1955 de un ataque cardíaco. Fue enterrado como héroe nacional en la cripta de la Catedral de San Pablo de Londres.<br /><br />Su descubrimiento de la penicilina significó un cambio drástico para la medicina moderna iniciando la llamada "Era de los antibióticos", otros investigadores posteriores aportaron nuevos antibióticos, como la estreptomicina utilizada para el tratamiento de la tuberculosis, salvando millones de vidas. La aportación científica de Fleming es doble pues además de descubrir una molécula química (penicilina) también encontró una molécula protéica (lisozima) con actividad antibiótica. Las proteínas (ej. lisozima) y los péptidos antibióticos son componentes naturales de la inmunidad innata de los animales que podrían ser utilizados con fines terapéuticos similares a la penicilina. Por esta razón Fleming puede ser considerado como el primero en descubrir una proteína antimicrobianaUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-39909658442068250132007-12-20T06:53:00.001-08:002007-12-20T06:53:57.327-08:00JOHANN SEBASTIAN BACHJohann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor de música clásica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).<br /><br />Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca, una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental[1] , epicentro de la musica occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal[2] , no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto[3] ,y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.<br /><br />Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Toccata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Overtura francesa, las Suites para violonchello solo, las partitas y sonatas para violin solo y las suites orquestales[4] .<br /><br />Tabla de contenidos [ocultar]<br />1 Biografía <br />1.1 Primeros años (1685-1703) <br />1.2 Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708) <br />1.3 Período en Weimar (1708–1717) <br />1.4 Köthen (1717–1723) <br />1.5 Leipzig (1723–1750) <br />1.6 Su muerte <br />1.7 Familia e hijos <br />2 Legado <br />3 Obra <br />3.1 Los tres periodos estilísticos de su música <br />3.2 La música vocal <br />3.3 La música instrumental <br />4 Instrumentación de sus obras <br />4.1 Teclado <br />4.1.1 Órgano <br />4.1.2 Clavecín <br />4.2 Cuerda <br />4.2.1 Violín <br />4.2.2 Violoncelo <br />5 Influencias <br />6 El catálogo BWV de su obra <br />7 Cronología de su resurgimiento póstumo <br />8 Citas sobre su figura <br />9 Bibliografía recomendada <br />10 Discografía recomendada[12] <br />11 Referencias <br />12 Véase también <br />13 Enlaces externos <br /> <br /><br /><br />Biografía<br />«El único propósito y razón final de toda la música debería ser la gloria de dios y el alivio del espíritu»<br /><br /><br /><br />Bach.Hacia 1714-1716[5]Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Por más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia) en que la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban un significativo aporte para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6 000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música secular y la participación en la música eclesial. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de la corte hasta compositores. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de "músico". La familia Bach era consciente de sus logros musicales, y alrededor de 1735 Bach esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.<br /><br /><br />Primeros años (1685-1703)<br /> <br />Registro escolar del Liceo de Ohrdruf. J. S. Bach es el 4to. alumno de la segunda lista.Johann Sebastian nació el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Domenico Scarlatti y George Frideric Haendel). La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano, pues los alemanes aún no habían adaptado el calendario gregoriano, para el que la fecha era el 31 de marzo. Su madre, Maria Elisabetha Lämmerhirt, murió cuando él tenía 9 años de edad, y su padre —que ya le había dados las primeras lecciones de música— murió al año siguiente. El pequeño huérfano fue a vivir y estudiar con su hermano 16 años mayor, Johann Christoph Bach, organista en Ohrdruf, una ciudad cercana. Allí, aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano, y aparentemente recibió valiosas enseñanzas de su hermano. Conoció las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania como Johann Pachelbel, y de los franceses como Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand y Marin Marais. El niño probablemente presenció y asistió en el mantenimiento del órgano; éste sería el precedente de su futura actividad profesional en la construcción y restauración de órganos. El obituario de Bach indica que copiaba la música de las partituras de su hermano, pero aparentemente su hermano se lo prohibió, posiblemente debido a que las partituras eran valiosas y productos privados de la época.<br /><br />A los 14 años, fue premiado con una escolaridad coral, con su amigo mayor de la escuela, Georg Erdmann, para estudiar en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg, no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo. Esto lo involucró en una larga jornada de viaje con su amigo, probablemente a pie o en parte en carroza. No hay referencias escritas de este período de su vida, pero los dos años de estadía en la Escuela aparecen como críticos en su carrera, al exponerlo a una paleta más amplia de la cultura europea, de la que pudo experimentar en Turingia. Además de cantar en el coro a capella, es probable que haya tocado el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente aprendió francés e inglés, recibiendo un bagaje en teología, latín, geografía y física. Quizás entró en contacto con los hijos de los nobles del norte de Alemania que eran enviados a esta escuela altamente selecta, para prepararse en sus carreras diplomáticas, gubernamentales y militares. Es muy probable también que tuviese un significativo contacto con los organistas en Lüneburg, en particular con Georg Böhm, y visitara varios de ellos, como a Johann Adam Reincken y a Nicolaus Bruhns. Probablemente gracias a estos músicos tuvo acceso a instrumentos más grandes para tocar. También es posible que durante su estadía se familiarizase con la música de la tradición del Norte de Alemania, especialmente con la obra de Dieterich Buxtehude, y con manuscritos musicales y tratados de teoría musical que estaban en posesión de aquellos músicos.<br /><br /><br />Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)<br />En enero de 1703, después de su graduación, Bach logró un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. No está muy definido cual fue su función allí, pero parece haber incluído labores no musicales. Durante sus 17 meses de servicio, su reputación como tecladista se extendió y fue invitado a inspeccionar y dar el concierto inagural en el flamante órgano de la Iglesia de San Bonifacio en la cercana ciudad de Arnstadt, donde su familia formaba además una extensa red social.<br /><br />En agosto de 1703 tomó el puesto de organista en dicha iglesia, relativamente bien remunerado y con el nuevo organo a su disposición, el cual, debido a su sistema más moderno, tenía un teclado más amplio. Para ese entonces, el joven organista estaba desarrollando composiciones más complejas de preludios, en la tradición musical del Norte de Alemania, que incluía el virtuosismo, la improvisación y la exploración musical. Bach desarrolló en estas composiciones, su talento en el campo de las escalas y en la técnica del contrapunto, donde dos o más melodías interactuaban simultáneamente. Se estima que fue entonces cuando compuso su conocida obra Toccata y fuga en re menor.<br /><br />Sin embargo, las relaciones familiares y laborales se fueron deteriorando con los años, y durante algunos meses entre 1705 y 1706, abandonó Arnstadt para viajar a Lubeck y visitar al destacado organista Dietrich Buxtehude, considerado la principal figura de los organistas alemanes de su época. El encuentro tuvo gran impacto en la obra de Bach. De regreso en Arnstadt, decidió que su futuro debería estar fuera del ambiente familiar y comenzó a buscar otro puesto de trabajo. Una oferta con mejores perspectivas económicas le fue hecha desde la ciudad de Mühlhausen, Turingia, para ocupar el puesto de organista en la Iglesia de san Blas (Divi Vlasi). Antes de tomar el puesto, se casó el 17 de octbre de 1707 con Maria Barbara Bach, una prima suya en segundo grado, con quien tendría siete hijos, de los cuales cuatro llegaron a la edad adulta.<br /><br />El concejo de la ciudad y la iglesia aceptaron los requerimientos de Bach, e invirtieron una gran suma en la renovación del órgano de la iglesia. Para la inaguración de nuevo concejo de la ciudad en 1708, el organista interpretó su obra Gott ist mein König BWV 71, escrita para tal ocasión, la cual fue muy apreciada por sus empleadores. Su estadía en la ciudad terminaría el mismo año, cuando le fue ofrecido un mejor puesto en la ciudad de Weimar.<br /><br /><br />Período en Weimar (1708–1717)<br />Transcurrido apenas un año, una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en Weimar. El retorno al lugar de su primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. El puesto de concertino, un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su puesto en Mühlhausen. En los siguientes años nacieron su primeros hijos, de los cuales destacan Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach.<br /><br />A la muerte del principe Johann Ernst en 1707, su hermano Wilhelm Ernst había asumido el poder de facto. Por su anterior cercanía con el duque Johann Ernst, que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la música italiana, Bach había estudiado las obras de Antonio Vivaldi y Arcángelo Corelli, entre otros autores italianos, asimilando el dinamismo y la emocionalidad armónica de ellos, transcribiendo sus obras y aplicando éstas cualidades a sus propias composiciones, las que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del duque Wilhem Ernst.<br /><br />Este período en la vida de Bach fue fructífero. Sus obras de este período son conocidas como fugas, de las cuales El clave bien temperado es el mayor ejemplo. En el ambiente familiar comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein para su hijo mayor Wilhelm Friedemann, obra didáctica que dejó inconclusa.<br /><br />En 1717 con motivo del fallecimiento del maestro de capilla de la corte, Bach solicitó el puesto vacante, pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido maestro de capilla. Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia, lo que disgustó al duque Wilhem Ernst, que ordenó su arresto por algunas semanas en el castillo antes de aceptarla.<br /><br /><br />Köthen (1717–1723)<br /> <br />El palacio y los jardines de Cöthen en un grabado del Topographia (1650) de Matthäus Merian.Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus intereses musicales. El príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla o Kapellmeister. El príncipe Leopold, que también era músico, apreciaba su talento, le pagaba bien, y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en sus misas; por esa razón, la mayoría de obras de Bach de este período fueron seculares. Como ejemplo están las Suites orquestales, las seis suites para violonchelo solo y las Sonatas y partitas para violín solo.<br /><br />La fotografía de la página inicial de la Sonata para violín nº 1 en sol menor muestra la escritura del compositor —rápida y eficiente—, pero tan adornada visualmente como la música que contiene. Los muy conocidos Conciertos de Brandeburgo datan de este período.<br /><br /> <br />Sonata para violín nº 1 en sol menor (BWV 1001), primera página del autógrafoEn 1717 en Dresde, ocurre el anecdótico intento de duelo musical contra Louis Marchand (Se dice que Marchand abandonó la ciudad luego de que a escondidas, previamente, había escuchado a Bach).<br /><br />El 7 de julio de 1720 mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold, la tragedia llegó a su vida: su esposa, Maria Barbara Bach, murió repentinamente. Algunos especialistas señalan que en memoria de su esposa compuso la partita para violín solo nº 2, BWV 1004, en especial, su última sección.<br /><br />Al año siguiente, el viudo conoció a Anna Magdalena Wilcke (una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de Köthen). Se casaron el 3 de diciembre de 1721. Pese a la diferencia de edad —ella tenía 17 años menos— tuvieron un matrimonio estable. Juntos tuvieron 13 hijos.<br /><br /><br />Leipzig (1723–1750)<br />En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás (Thomaskirche ) en Leipzig, un prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt y Mühlhausen, éste fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado estrechamente ligada al servicio a la aristocracia.<br /><br />Este puesto final, que mantuvo por 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su empleador: El Ayuntamiento de Leipzig. En el Ayuntamiento habían dos facciones: los absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde, Augusto II de Polonia llamado el Fuerte, y la facción de la ciudad-estado, que representaba los intereses de la clase mercantil, los gremios y los aristócratas menores.<br /><br />Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el alcalde de aquella época, Gottlieb Lange, un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Coincidiendo con el nombramiento de Bach, a la facción de la ciudad-estado se le otorgó el control de la Escuela de Santo Tomás, siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a sus condiciones de trabajo.<br /><br />Si bien está claro que nadie en el Ayuntamiento dudaba del genio de Bach, hubo una constante tensión entre el Cantor, que se consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad, y la facción de la ciudad-estado, que lo veía como un maestro de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de música tanto para la Iglesia como para la Escuela.<br /><br />El Ayuntamiento nunca cumplió la promesa de Lange en la entrevista inicial, de ofrecer un salario de 1.000 táleros anuales, si bien se ofreció a Bach y a su familia, una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la escuela, el que fue renovado con gran gasto en 1732.<br /><br /> <br />Estatua de Bach en LeipzigEl trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de Santo Tomás, y proveer de música semanalmente a las dos iglesias de Leipzig, Santo Tomás y San Nicolás. En un sorprendente arranque de creatividad, escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente se han perdido). Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano; muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, tales como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como inspiración.<br /><br />Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de Santo Tomás, Bach probablemente se sentaba al clave o se paraba en frente del coro en la baja galería en la parte izquierda del fondo, de espaldas a la congregación y el altar al lado derecho de la salida. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían los maderas, metales y timbales; a la izquierda estaban los instrumentos de cuerda pulsada.<br /><br />El Ayuntamiento solo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, fuente de constante fricción con el Cantor, que tuvo que reclutar el resto de los 20 o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes, de la Universidad, la Escuela y el público. El órgano o el clave fue probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus hijos, Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel.<br /><br />Bach seleccionaba los coristas, sopranos y contraltos y los tenores y bajos de la Escuela y de cualquier lugar de Leipzig. Las presentaciones en bodas y funerales daban un ingreso extra a estos grupos; es probable que para este propósito, y para el entrenamiento escolar, escribiese al menos seis motetes, la mayoría para doble coro. Como parte de su trabajo regular en la Iglesia, dirigía motetes de la Escuela Veneciana y de alemanes como Heinrich Schütz, que servirían como modelos formales para sus propios motetes.<br /><br />En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci, donde uno de de sus hijos, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del monarca como clavecinista de la corte.<br /><br />Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, siendo conocido con el sobrenombre "príncipe del teclado", con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.<br /><br /><br />Su muerte<br />Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado Taylor, que años después operaría a Haendel, con resultados iguales. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.<br /><br /><br />Familia e hijos<br />Bach encabezó una familia numerosa con un total de 20 hijos. Tuvo 7 hijos de su primer matrimonio, de los cuales sobrevivieron 4, y 13 del segundo, de los cuales sobrevivieron solo 5.<br /><br />Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron : <br />Catharina Dorothea (*1708 † 1774), Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle (*1710 † 1784), Johann Christoph (*1713 † 1713), Maria Sophia (*1713 † 1713), Carl Philipp Emanuel, el Bach de Berlín y Hamburgo (*1714 † 1788), Johann Gottfried Bernhard (*1715 † 1739) y Leopold Augustus (*1718 † 1719).<br /><br />Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron : <br />Christiana Sophia Henrietta (*1723 † 1726), Gottfried Heinrich Bach (*1724 † 1763), Christian Gottlieb Bach (*1725 † 1728), Elisabeth Juliana Friederica Bach, llamada «Liesgen» (*1726 † 1781), Ernestus Andreas Bach (*1727 † 1727), Regina Johanna Bach (*1728 † 1733), Christiana Benedicta Bach (*1729 † 1730), Christiana Dorothea Bach (*1731 † 1732), Johann Christoph Friedrich Bach, llamado el Bach de Bückeburgo (*1732 † 1795), Johann August Abraham Bach (*1733 † 1733), Johann Christian Bach, llamado el Bach de Milán y Bach de Londres (*1735 † 1782), Johanna Carolina Bach (*1737 † 1781) y Regina Susanna Bach (*1742 † 1809).<br /><br />Cuatro de los hijos se convirtieron en compositores e intérpretes respetados por derecho propio, Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quien Wolfgang Amadeus Mozart tenía una muy buena opinión, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782).<br /><br />Sin embargo, la confianza que Bach puso en su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, tuvo tristes consecuencias después de su fallecimiento. El hijo perdió para siempre varias Pasiones compuestas por su padre (que quizá ahora serían tan apreciadas como la Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan). Si no hubiese sido por el cuidado que tuvo su otro hijo, Carl Phillip Emanuel, en conservar los manuscritos del padre, el mundo podría haberse visto privado de una buena parte de las obras maestras de Bach.<br /><br /><br />Wilhelm Friedemann Bach (1710 - 1784)<br /> <br />Carl Philipp Emanuel Bach (1714 - 1788)<br /> <br />Johann Christoph Friedrich Bach (1732 - 1795)<br /> <br />Johann Christian Bach (1735 - 1782)<br /> <br /><br /><br />Legado<br />Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida: según el estudioso Hans Löffler, más de ochenta. Entre ellos se cuenta a Johann Friedrich Agricola, yerno suyo, que en los últimos años del maestro fue copista de sus obras, además de ayudarle en la redacción de sus últimas composiciones, como en el caso de una de sus últimas corales para órgano, el BWV 668, la última coral del ciclo de Leipzig BWV 651-668.<br /><br />Ya en su vejez, cuando la gente se refería al nombre Bach lo hacía pensando en su famoso hijo Carl Phillip. En las generaciones posteriores a Bach, sólo algunos compositores y músicos conocían su obra. Básicamente eran sus hijos y sus alumnos, gracias a ellos se conservó y no se perdió en el olvido la producción del Cantor de Santo Tomás, mientras que el resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarle después de su muerte, en plena mitad del siglo XVIII.<br /><br />Músicos célebres como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Frédéric Chopin, tuvieron un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach, generalmente obras para teclado, pues el resto de su producción estuvo sumida en el olvido. Beethoven, sin conocer la totalidad de su obra, lo definió con un hermoso juego de palabras en alemán: "Nicht Bach, sondern Meer sollte er heissen", cuya traducción es "No debiera llamarse "Bach" ('arroyo', en alemán), sino "Meer" ('mar')".<br /><br /><br />Obra<br />Género Ejemplos <br />Concierto Concierto para clavecín BWV 1052 <br />Preludio/fantasía/toccata y fuga Preludio y fuga BWV 894 <br />Toccata Toccata BWV 916 <br />Pasacalle Passacaglia y fuga BWV 582 <br />Sonata Sonata BWV 527 <br />Suite Suite inglesa BWV 806 <br />Fantasía Fantasía BWV 542 <br />Preludio Preludio BWV 846 <br />Fuga Fuga BWV 1025 <br />Canon Canon BWV 1074 <br />Coral Coral BWV 688 <br />Cantata Cantata sacra BWV 122 <br />Oratorio Oratorio de navidad BWV 248 <br />Misa Misa luterana BWV 234 <br />Magnificat Magnificat BWV 243 <br />Pasión Pasión de san Mateo BWV 244 <br />Partita Partita BWV 828 <br />Sinfonía Sinfonía de la cantata BWV 35 <br />Lied Lied BWV 508 <br />Aria Aria de la cantata BWV 3 <br />Recitativo Recitativo de Fantasía cromática y fuga BWV 903 <br />Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: uno es la música vocal, que comprende cantatas, pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es la música instrumental, desde conciertos (varios para un único solista y otros con hasta incluso cuatro solistas), sonatas, suites, oberturas, preludios, fugas, fantasías, cánones, ricercares, variaciones, pasacalles, etc. para una amplísima gama de instrumentos (prácticamente todos los de la orquesta) de su época (la primera mitad del siglo XVIII), desde los más modernos, flauta traversa, hasta los que estaban en su cenit (laúd, viola da gamba, clavecín...), incluso con instrumentos que quedaron como una curiosidad y nada más, como el clavecín-laúd, un híbrido de clavecín y laúd.<br /><br />En su música se sintetiza toda la tradición de la música occidental precedente (la polifonía que iniciaron Perotin y Leonin, el Ars nova, la música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1524-1594), Girolamo Frescobaldi (1585-1645), Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Antonio Vivaldi (1675-1741), que aprendió, copió y adoptó desde su juventud, como lo hizo en Weimar (1708-1717), cuando, por gracia del duque, pudo mejorar algunas de sus obras y adaptarlas en sus Conciertos BWV 592-597 y BWV 972-987,conociendo perfectamente todos los estilos de su época.<br /><br />Durante los últimos años de su vida su obra fue considerada anticuada, árida, difícil, rebuscada y muy llena de adornos, incluso para sus contemporáneos. Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, las nuevas generaciones de músicos componían de forma muy diferente a Bach, era el llamado estilo pre-clásico o galante, en el que la música era más bien homofónica, y el cargado contrapunto que Bach usó apenas asomaba.<br /><br />Por esa razón, en 1737 Johann Adolph Scheibe (crítico musical de la nueva mentalidad Ilustrada) criticó muy duramente la música de Bach, comentando: "Espera que instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín".<br /><br />Por ello, después de su muerte, la música tomará una dirección en la que su obra no tendrá cabida; él es el punto final respecto a entender la música que se remontaba a la Edad Media, cuando tenían más importancia las voces que el timbre, la codificación, etc.<br /><br />Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del futuro. Él creó el concierto para teclado en el 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050 (1719), en el cual el teclado adquiere un papel solista que hasta entonces nunca había tenido.<br /><br />Después, G. F. Haendel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus Conciertos para órgano. opus 4 (1735) y Concierto para clavecín. RTV 780 respectivamente, fundándose así un nuevo género que adquiriría bastante importancia en los siglos posteriores, como los conciertos para piano de Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin y Liszt testifican.<br /><br />Bach fue el primer gran maestro del "concierto para teclado", siendo la serie de conciertos BWV 1052-1065 (1735) su máximo logro en el género, naciente entonces.<br /><br />Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite francesa, donde el contrapunto alemán del norte, muy complejo y rebuscado, tiene un papel muy importante, y todo lo junta haciendo un estilo moderno-arcaico, a la vez que es inconfundible y fácilmente reconocible.<br /><br />Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano (toccatas, preludios, fugas, corales), franceses del clave (suites, oberturas) y los italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías). Su estilo es fácilmente adaptable en todos los géneros de su época, quizás excepto la ópera, género en el cuál no escribió ni una sola nota, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal.<br /><br />Especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios, se plasma notablemente la influencia de la ópera, donde la Cantata del Café BWV 211 (1735) es prácticamente como una pequeña ópera sin representación escénica, y la Pasión según san Mateo BWV 244 (1727), una gran ópera religiosa sin representación. Aquí Bach muestra interés en un género que nunca le tentó ni siquiera a componer, aunque sí a escuchar, como en 1735 cuando acompañado de uno de sus hijos vio una ópera de Jean Christophe Geiser.<br /><br />Bach prácticamente compuso para todos los géneros, en multitud de combinaciones instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos los géneros[6] , abarcando todos los aspectos, aparte de mejorar el género, elevarlo a un nivel superior e incluso crear géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento.<br /><br />En algunos géneros es el gran maestro de todos los tiempos. Sus Pasiones son las mejores obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras[7] , las tocatas y fugas, los preludios y fugas, pasacalles, y otros géneros, donde sus obras son el apogeo y máximo esplendor del mismo.<br /><br />Después de Bach, algunos géneros (que él tanto cultivó y elevó a su máximo esplendor) fueron cayendo en el olvido para los grandes compositores.<br /><br /><br />Los tres periodos estilísticos de su música<br />La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcado por las influencias y asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740 son capitales para la evolución de su estilo.[8]<br /><br />El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas sacras; asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII.<br /><br />El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y se influencia con la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII, en que, cogiendo y sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán(sobriedad, contrapunto complejo y textura interna) logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera. En Leipzig y Kothen, ya forjado su estilo personal, adquiere un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.<br /><br />El último período de su música, va desde la publicación del Clavier-Uburg III, en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante Beethoven, en que su estilo personal se vuelve mas contraputístico, con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos.<br /><br /><br />La música vocal<br />La música vocal de Bach que ha llegado intacta, se manifiesta en 525 obras, aunque solo se han conservado 482 completas. La componen:<br /><br /> <br />Cafetería Zimermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741. Aquí compuso y interpretó la famosa Cantata del café BWV 211 (1735).224 cantatas <br />10 misas <br />7 motetes <br />2 Pasiones completas (de la BWV 247, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la BWV 246, la de San Lucas, es apócrifa) <br />3 oratorios <br />188 corales <br />4 lieder <br />1 quodlibet <br />58 cantos espirituales <br />Toda su música vocal es semireligiosa —sólo 24 cantatas, 4 lieds y 1 quod líbet son profanos— y está compuesta en el seno de la Iglesia luterana alemana, donde era una tradición muy fuerte.<br /><br />La gran mayoría de su música vocal está compuesta en Leipzig, entre los años 1723 y 1741, siendo Bach, Cantor, y teniendo entre otras obligaciones, el componer cantatas, Pasiones y motetes para las cinco iglesias más grandes de la ciudad, además de los actos civiles y religiosos, como por ejemplo funerales.<br /><br />Entre la música coral de Bach hay que destacar también sus preludios corales, unos 170 aproximadamente, que compuso para órgano. La antología Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano), que el mismo recopiló en Weimar y en Cöthen, comprende breves preludios corales, que muchas veces destinaba a fines educativos. Esto queda reflejado tras el título de la Orgelbüchlein, donde dice que este “pequeño libro para órgano, en el que se imparte al organista principalmente enseñanza sobre toda suerte de maneras de desarrollar una coral y también para mejorar su técnica del pedal, puesto que en estos corales el pedal está tratado por completo en obbligato (es decir, esencial, no optativo)”.<br /><br />Además escribió y recopiló libros de pequeñas piezas para clave que sirven, además, de enseñanza para técnica y música al mismo tiempo. Un ejemplo de estas obras didácticas son las Invenciones a dos voces y las Sinfonías a tres voces, al igual que el primer libro de El clave bien temperado.<br /><br />Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ya que según él, ambos estaban dirigidos a ensalzar “la gloria de Dios”. Un ejemplo de ello es la utilización de los mismos textos para la música sacra y la profana, como sucede con la música del Hosanna de la Misa en si menor, que antes había utilizado en una cantata en homenaje a Augusto II el Grande, rey de Polonia, con motivo de una de sus visitas oficiales a Leipzig. Durante su estancia en esta ciudad, compiló tres antologías corales para órgano: las seis corales Schüber, que son transcripciones de movimientos de cantata, dieciocho corales, que revisó entre 1747 y 1749 y que fueron compuestas en épocas anteriores. Todos ellas incluyen composiciones para órgano como variaciones, fugas, fantasías, tríos y diversos preludios corales. Todos los corales que son posteriores a Bach están concebidos con proporciones mayores que los del Orgelbüchlein y son menos íntimos y subjetivos.<br /><br /><br />La música instrumental<br />De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavicémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especulativas. En total son 494 las obras instrumentales completas, que se reparten en:<br /><br /> <br />Ciudades donde Bach habitó.7 cánon para diversos instrumentos <br />2 sinfonías orquestales <br />4 suites orquestales <br />24 conciertos para teclado, violín, flauta solistas y orquesta <br />16 sonatas para violín, flauta y viola da gamba solistas y teclado o bajo continuo <br />17 suites y partitas para violín, laúd, violoncello y flauta a solo <br />1 fuga para laúd <br />2 obras teóricas especulativas para diversos instrumentos (El arte de la fuga (BWV 1080) y la Ofrenda musical (BWV 1079)) <br />9 sonatas en trío para órgano <br />26 preludios, toccatas, fantasías y fugas para órgano <br />10 fugas, fantasías y preludios sueltos para órgano <br />1 ejercicio para pedal para órgano <br />1 pasacalle y fuga para órgano <br />1 canzone, allabreve, aria y pastoral para órgano <br />6 conciertos para órgano solo <br />corales para órgano <br />3 partitas-corales para órgano <br />1 variación canónica para órgano <br />30 invenciones y sinfonías para clavecín <br />4 dúos para clavecín <br />27 suites y partita para clavecín <br />3 minuetti para clavecín <br />56 preludios, fantasías y fuga o fughettas para clavecín <br />34 tocatta, preludios y fugas sueltas para clavecín <br />4 sonatas para clavecín <br />18 conciertos para clavecín solo <br />3 arias con variaciones <br />2 caprichos para clavecín <br />1 applicatio para clavecín <br />Su música instrumental, a la vez, se divide en tres grandes familias según las formaciones de los instrumentos que intervengan, en el puesto profesional que ocupaba en aquel momento y las características musicales de cada genero y/o obra.<br /><br />La música para órgano, en su gran mayoría, fue compuesta entre 1700 y 1717, cuando trabajaba como organista en Mühlhausen y Weimar. La música de cámara y orquestal, mayormente entre 1717 y 1723 cuando residía en Kothen, y después entre 1735 y 1747 cuando era director de música del Café Zimmerman en Leipzig. La música para clave y clavicordio, entre 1722 y 1744, cuando era Cantor en Leipzig.<br /><br />Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana, y mucha de ella, especialmente la destinada al teclado, de carácter didáctico, como El clave bien temperado BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas-partitas de dicha serie que fue compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.<br /><br /><br />Instrumentación de sus obras<br />La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII, incluyendo instrumentos modernos para su época, o antiguos, que después de 1750 caerían en desuso.<br /><br />Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas, violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instrumentos que tienen menor importancia en aparición, como la trompeta, el laúd, el fagot, el corno, el timbal o el oboe y otros, son testimoniales, estando destinados únicamente a un número muy reducido de obras.<br /><br /><br />Teclado<br />El órgano ocupa, junto con el clavecín, el primer puesto en las obras de un instrumento solista y un papel central en la obra bachiana con las más de 400 obras destinadas a ellos, aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras orquestales, las cantatas, las misas, las pasiones y algunas obras de cámara. También estos dos instrumentos adquieren un papel importante como solistas o acompañantes en las sinfonías y arias de las cantatas, las sonatas para teclado y un instrumento solista monódico, y los conciertos para cuerdas y uno, dos, tres o cuatro teclados.<br /><br />Como todo compositor del barroco, dirigía sus obras desde el clavecín u órgano cuando interpretaban sus piezas más de un instrumento solista, y componía basado en ellos todas sus obras, de manera que la importancia de estos dos instrumentos se acentuó todavía más en la producción bachiana. También solía dirigir la orquesta tocando simultáneamente la viola.<br /><br />Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos dos instrumentos fue capital, explotando al límite sus capacidades, haciendo sonidos y efectos nunca vistos, investigando y mejorando los recursos, la ejecución, haciendo una demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado 846-893, llevando al cenit las posibilidades que podían ofrecer estos dos instrumentos hasta entonces.<br /><br /><br />Órgano<br /> <br />órgano de Weimar en 1660. En este instrumento, Bach compuso entre 1708 y 1717 gran parte de su obra organísticaDesde sus primeros años hasta su muerte destinó un gran número de obras a este instrumento y quizá sea el más ligado y el más representativo de la figura del genio.<br /><br />Su estilo procede de la escuela alemana, en la que de su maestro Dietrich Buxtehude coge los rasgos de la escuela del norte de Alemania, y de Johann Pachelbel los de la del sur, que él fusiona sacando la máxima expresión, siendo la cumbre de la escuela. Él es el último representante importante.<br /><br />Su aportación al órgano fue tan numerosa y capital en calidad y cantidad que se considera que es el mejor compositor de música organística de todos los tiempos. Anton Bruckner (1824-1896) y Cesar Franck, grandes organistas y compositores del instrumento, lo afirmaron al oír sus obras para órgano.<br /><br />Órgano como solista a solo: El órgano tiene su papel principal en el corpus de obras BWV 525-771, donde tiene pasajes bastante memorables. Se divide en dos grandes bloques, la de temática libre, que incluye las toccatas, preludios, fugas y sonatas, y la de la temática religiosa, que incluye los corales instrumentales y las variaciones-partitas y los preludios corales.<br /><br />Aquí desde sus primeros años hay obras que ya denotan la madurez del autor como la Toccata y fuga (BWV 565), 1708, y la Toccata, adagio y fuga (BWV 564), llegando hasta sublimes obras que explotaban todos los recursos con una maestría y calidad sobresalientes en la etapa de Leipzig, como las Variaciones canónicas (BWV 769), 1746.<br /><br />Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista con más de un instrumento, el papel de éste instrumento se encuentra en las cantatas sacras, generalmente en las correspondientes a los años 1726-1727.<br /><br />En esas cantatas, el órgano tiene su papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías, como si fuera un concierto para órgano y orquesta, como en los conciertos para órgano de su contemporáneo G.F. Haendel. Esos movimientos abrían la cantata y servían como introducción de la obra y como lucimiento del autor sobre el instrumento. Todas las cantatas sólo tienen una pieza de introducción que Bach llamó sinfonía, menos la BWV 35, que tiene dos. De esas sinfonías después saldrían algunos conciertos para clavecín y cuerda de la serie BWV 1052-1065 del año 1735.<br /><br />Después del papel de solista en las sinfonías, el órgano acompaña a la voz en arias de algunas cantatas solo o con cuerda o bajo continuo. Aquí generalmente acompaña y juega a la voz de manera bastante notable, como el aria de la BWV 35.<br /><br /><br />Clavecín<br />En su época era el instrumento de teclado por excelencia, con mucho prestigio en Alemania y en Francia.[9] Sus obras destinadas al instrumento así lo testifican[9] , formando el corpus BWV 772-994, con más de 245 obras en su haber.<br /><br />Clavecín solo: Destinó para el clavecín solo, una gran cantidad de obras, entre las cuales hay algunas de gran importancia en la historia del instrumento y de su autor. Es obligatorio citar las Variaciones Goldberg (BWV 988), que el autor lleva a la cima el antiguo arte de las variaciones[9] y es la obra de clave mas difícil de interpretar del barroco, El clave bien temperado (BWV 846-893), las partitas BWV 825-830 y el Concierto italiano (BWV 971), obras de máxima madurez y cumbre de la literatura tecladística desde el nacimiento de los instrumentos de teclado hasta entonces.<br /><br />Clavecín como solista y acompañante obligado: El clavecín, como acompañante y solista, tiene bastante importancia en las sonatas y los conciertos de Bach, que le dio un papel novedoso como nunca antes se había hecho.<br /><br />En los conciertos, el clavecín adquiere la función de solista y adquiere un rol que nunca había tenido antes. En el famoso 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050, por primera vez, el clavecín alterna el papel de bajo continuo con el de solista, uniéndose a los dos solistas restantes para acabar en una genial y virtuosísima cadencia que explota todas las posibilidades del instrumento. Lo mismo ocurre en la BWV 1044, aunque éste es una transcripción del Preludio y fuga BWV 944. La BWV 1050 trazó un camino, que desembocaría en 1735 en la serie de conciertos BWV 1052-1065, donde el clave juega el papel de solista.<br /><br />En las trío-sonatas, el clave tiene una función novedosa que anticipa la sonata de finales del siglo XVIII, aparte de la función tradicional de bajo continuo. Esta novedad se advierte en tres series de sonatas que superan el modelo tradicional de la sonata en trío para formar un dúo de instrumentos solistas más clave solo. Hay en estas piezas trozos en los que el clave acompaña a los solistas realizando el bajo continuo con la ayuda en la mano izquierda de la viola de gamba o el violoncello. Las sonatas que tienen ese papel tan novedoso son las BWV 1014-1019, 1027-1029 y 1030-1035, para violín, flauta y viola da gamba respectivamente.<br /><br /><br />Cuerda<br />La familia de las cuerdas, compuesta en la primera mitad del siglo XVIII por el violín, violín 'piccolo', viola, viola da gamba, viola d'amore, violoncello y contrabajo, son el sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Los instrumentos más graves cumplen la función de bajo continuo junto con el omnipresente teclado.<br /><br />Bach, como todo músico del Barroco usaba cuerdas en toda su obra, siempre violoncellos y violones (el miembro más grave de la viola de gamba) o contrabajos, el miembro más grave de la familia de los violines, con la función de interpretar el bajo.<br /><br />Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista, y violista. No tocó la viola de gamba, pero era amigo de factores de esos instrumentos, por lo que conocía con exactitud las caraterísticas, las virtudes, los defectos y las limitaciones de esta familia, sacando el máximo rendimiento y explotación en sus obras, donde la dificultad técnica y la belleza brillan en todo su esplendor.<br /><br />Como en la música para teclado, su aportación en este campo supuso un antes y un después en la historia de esta familia, especialmente para el violín y el cello.<br /><br /><br />Violín<br />Uno de los instrumentos nacidos en el Barroco, tuvo ya en la segunda mitad del siglo XVII italiano, geniales obras de manos de Corelli y Torelli, los primeros maestros de este recién nacido instrumento. Después vendría Vivaldi, que lo elevaría y mejoraría a otro nivel, haciendo del instrumento el rey de la época barroca.<br /><br />Violín solo: Las obras son las tres Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006. Escritas en Köthen en 1720, estas obras son uno de las ejemplos cumbres de este instrumento, donde una polifonía muy refinada, técnica y virtuosismo componen pasajes muy memorables, como la célebre chacona de la partita 2.<br /><br />Violín solista y obligado: El violín como solista está presente en muchos conciertos, donde se le confiere un papel muy virtuoso al estilo italiano cogiendo el ejemplo de Vivaldi. Los conciertos que tiene como solista son los dos Conciertos para un violín y cuerda BWV 1041 y BWV 1042, y para 2 violines y cuerda BWV 1043, todos escritos en Kothen hacia 1720, superando el modelo vivaldiano del concierto. Además, el violín tiene una función como solista junto con otros instrumentos solistas en el Concierto BWV 1044, junto con el clave y la flauta, y en los Conciertos de Branderburgo BWV 1047, BWV 1048, BWV 1049 y BWV 1050, donde juega y complementa con la trompeta, el oboe, la flauta dulce, el clave y la cuerda entera. En algunas sinfonías de las cantatas, como ejemplo el BWV 1045, también otorga al violín el rango de solista, aunque no tiene el protagonismo ni la importancia del órgano.<br /><br />El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara, en la especulativa, en la vocal religiosa y en la vocal profana. En la música de cámara, el violín, al igual que en el caso del clave, hace un papel novedoso en las 6 Sonatas para clave y violín BWV 1014-1019, una de las cimas de la música de cámara del siglo XVIII y una de las obras más queridas, e interpretada por su propio autor e hijos.<br /><br /><br />Violoncelo<br />El instrumento más grave antes del contrabajo de la familia de las cuerdas, que nació hacia 1530 en Italia, en la segunda mitad del siglo XVII sufrirá un gran auge entre los compositores, como faceta de acompañante de bajo continuo junto al clave y órgano, relegando a principios del siguiente a la obsoleta Viola da gamba. Gran parte del éxito en aquella época se debe a compositores como Vivaldi, y Bach, que quedaron entusiasmados por las nuevas características técnicas y el potente sonido que superaba los límites de la viola da gamba, de ejecución más difícil que el violoncello.<br /><br /> <br />La primera pagina del manuscrito de Anna Magdalena Bach de la Suite No. 1 para violonchelo solo,BWV 1007<br />Bach fue uno de los primeros compositores que compusieron para el nuevo instrumento, con apenas precedentes que las obras de Vivaldi, entre otros, incluso investigó a fondo las características sonoras y técnicas e hizo fabricar especialmente para sus obras, tipos de violoncellos especiales como el "de amore", cuyo ejemplar está conservado en el Museo de Leipzig.<br /><br />El violoncello abarca muchas facetas de la su obra, como solista y acompañante, cuya única aportación a solo, y la más destacada, son las seis Suites para violonchelo solo BWV 1007-BWV 1012, la más sobresaliente de Bach para este instrumento y una de las cumbres de la composición para cello, escritas en Köthen en 1722.<br /><br />Como el órgano, el violoncello como función de solista está fundamentalmente en las cantatas, especialmente en las arias, donde es notable su participación en la aria para bajo de la BWV 132, además de la Pasión de San Juan y Pasión de San Mateo.<br /><br />Como acompañante, su presencia es junto al órgano y el clave, un miembro básico para ejecutar el bajo continuo, omnipresente prácticamente en la música vocal y la música orquestal y de cámara.<br /><br />En gran parte de las 200 cantatas, misas y Pasiones, un violoncelo hace de acompañante junto al clave/órgano en las arias que solo requieren bajo continuo y el interprete cantor, como ejemplo la primera aria de la Cantata BWV 149.<br /><br />Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e ingeniosos contrapuntos. Llevó a su culminación el género de la fuga en su obra El clave bien temperado, que consiste en 48 preludios y fugas, un preludio y una fuga para cada tonalidad mayor y menor. Otro trabajo importante es El arte de la fuga, que quedó inconcluso, al morir mientras lo componía. Compuesto con la idea de que fuese un conjunto de ejemplos de las técnicas del contrapunto, El arte de la fuga consta de 14 fugas con diferentes formas, pero todas con el mismo tema básico.<br /><br />También revisten gran interés sus conciertos, que compuso basándose en la forma de los conciertos de Antonio Vivaldi. Así, por ejemplo, los Conciertos de Brandeburgo se caracterizan por estar dedicados cada uno de ellos a un grupo diferente de instrumentos solistas.<br /><br />Bach escribió mucha de su música para la Iglesia luterana. En particular sus cantatas fueron compuestas para las misas dominicales, y sus Pasiones para las ceremonias de Viernes Santo.<br /><br />Además de las ya citadas, otras de sus obras célebres son las Suites para orquesta, las Suites para violonchelo, los Conciertos para violín y la Misa in si menor.<br /><br />El reestreno de la Pasión según san Mateo el 11 de marzo de 1829 por Felix Mendelssohn dio un gran impulso a la divulgación de la música de Johann Sebastian Bach. Este hecho destaca de sobremanera, ya que se trataba de música muy antigua para su época. En la actualidad se acostumbra a interpretar obras de otros siglos, en el período romántico no era así.<br /><br /><br />Influencias<br />La música del Cantor tiene múltiples influencias, directas e importantes, que proceden de compositores alemanes, franceses e italianos del siglo XVII y principios del XVIII. Los compositores que son influencia central en la música del Cantor, se pueden dividir en 5 grandes bloques y regiones nacionales. Estos son:<br /><br /> <br />Buxtehude,una de los compositores que mas influyeron en la música de Bach,especialmente en la de órgano.Músicos de Alemania central: <br />Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel, Johann Kuhnau, Johann Ludwig Bach, Johann Gottfried Walther, Johann Georg Pisendel, Silvius Leopold Weiss, Johann Friedrich Fasch <br />Músicos de Alemania del norte: <br />Johann Adam Reincken, Dietrich Buxtehude, Nicolaus Bruhns, Georg Böhm <br />Músicos de Alemania del sur: <br />Johann Jakob Froberger, Johann Caspar Kerll, Johann Caspar Ferdinand Fischer, Johann Joseph Fux <br />Músicos italianos: <br />Giovanni Pierluigi da Palestrina, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Giovanni Legrenzi, Giovanni Bassani, Giuseppe Torelli, Alessandro Marcello, Tomaso Giovanni Albinoni, Antonio Vivaldi, Benedetto Marcello, Nicola Antonio Porpora, Francesco Durante, Giovanni Alberto Ristori, Giovanni Battista Pergolesi <br />Músicos franceses: <br />André Raison, François Dieupart, François Couperin, Louis Marchand, Nicolas de Grigny <br />Bach se interesaba, estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos, teniendo con muchos de ellos relación personal directa. Entre ellos, cabe mencionar a Jan Dismas Zelenka, Johann Mattheson, Georg Philipp Telemann, Reinhard Keiser y Georg Friedrich Händel.<br /><br /><br />El catálogo BWV de su obra<br />Artículo principal: Anexo:Catalogo BWV de Johann Sebastian Bach<br />Artículo principal: BWV<br />El registro o catálogo de sus obras, que abarca en total 1 127 obras, fue elaborado por Wolfgang Schmieder en 1950, después de la Segunda Guerra Mundial. Se conoce por las siglas "BWV", que significan Bach Werke Verzeichnis, o 'Catálogo de obras de Bach'.<br /><br />El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann Sebastian Bach. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el de Schmieder está clasificado por tipo de obra de la siguiente forma:<br /><br />1-200: Cantatas religiosas <br />201-215: Cantatas profanas <br />216-224: Otras cantatas <br />225-231: Motetes <br />232-242: Misas <br />243: El Magnificat <br />244-247: Pasiones <br />248-249: Oratorios <br />250-438: Composiciones corales <br />439-524: Lieder y arias <br />525-771: Obras para órgano <br />772-994: Obras para clavecín <br />995-1000: Obras para laúd <br />1001-1013: Obras para solistas instrumentales <br />1014-1040: Música de cámara <br />1041-1071: Conciertos <br />1072-1080: Obras de contrapunto (es decir, cánones y otros) <br />1081-1127: Obras encontradas después de 1950 <br />Por esta razón un número BWV menor no indica una obra cronológicamente temprana.<br /><br />También existe el catálogo elaborado por Christoff Wolff, de menor difusiónUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-70763215573410903822007-12-20T06:48:00.000-08:002007-12-20T06:49:53.868-08:00JOSÉ SANTIAGO CAÑIZARES RUIZJosé Santiago Cañizares Ruiz es un futbolista español nacido el 18 de diciembre de 1969 en Madrid por consejos de los médicos que preveían un parto más seguro en dicha ciudad pero toda su vida hasta los 16 años la pasó en [Puertollano (Ciudad Real)]. Ha jugado en el Valencia la mayor parte de su carrera, pero ahora junto al cápitan del equipo ché, ha sido apartado del equipo, por decisión del entrenador Ronald Koeman. Ha sido internacional con la Selección de fútbol de España en numerosas ocasiones.<br /><br />Tabla de contenidos [ocultar]<br />1 Biografía <br />2 Selección nacional <br />3 Parapenaltis <br />4 Clubes <br />5 Títulos <br />5.1 Nacionales <br />5.2 Internacionales <br />5.3 Distinciones individuales <br />6 Enlaces externos <br /> <br /><br /><br /> Biografía [editar]Santiago Cañizares nació el 18 de diciembre de 1969 en Madrid, pero desde pequeño residió en Puertollano. Desde muy pequeño comenzó jugando en el Severo Ochoa, aunque jugaba en todas las posiciones, donde mejor se sentía era bajo los palos. Su entrenador Eduardo Caturla fue el que le animó para que ingresara en las categorías inferiores del Real Madrid con 16 años.<br /><br />Más tarde fue pasando por diversos equipos: Elche (1990), Mérida (1991) y Celta de Vigo (1992); este último fue el equipo que le impulsó en su carrera profesional. El 6 de septiembre de 1992 debutaba en primera división, y en ese verano se casaba con su mujer Marina con la que tiene tres hijos: Carlota, Lucas y Olivia<br /><br />En la temporada 1994-95 fue comprado por el equipo merengue, donde primero fue suplente de Francisco Buyo y después en la temporada 1996-1997 la llegada de Capello e Illgner le cerraron la puerta a la titularidad. Aún así logró la Liga de Campeones en el año 1998. Cuando llegó la oferta del Valencia CF en el verano del mismo año 1998, no supo rechazarla. Con el equipo "ché" ganó en el año 1999 la Copa del Rey, Cañizares ya era titular, y con él llegaron los triunfos. En la temporada 2001-2002, la Liga, al igual que en la temporada 2003-2004 y en esa misma temporada logra ganar una Supercopa de España, una Copa de la UEFA y una Supercopa de Europa. En diciembre de 2007 el entrenador Ronald Koeman lo aparta del equipo junto al capitán David Albelda.<br /><br /><br /> Selección nacional [editar]Ha sido internacional con la selección española un total de 44 ocasiones. Su debut se produjo el 17 de noviembre de 1993 en un decisivo partido en Sevilla ante la selección de Dinamarca en el cual España se jugaba su clasificación para el Mundial de Estados Unidos 1994. El portero titular fue Andoni Zubizarreta pero debido a su expulsión, Cañizares tuvo que ingresar en el campo, siendo uno de los jugadores determinantes del partido, parando el penalti que supondria la clasificación de España para el Mundial de EE.UU.<br /><br />Ha sido convocado para los mundiales de 1994, 1998 (en los que sólo disputó el primer partido del mundial de 1994 debido a la sanción de Zubizarreta) y para el de 2002 en el que se perfilaba como titular pero del que un extraño accidente doméstico con un frasco de colonia le apartó. También ha sido convocado para el reciente Mundial de Futbol de Alemania 2006, jugando el último partido de la liguilla . También ha sido convocado para las eurocopas de 1996, 2000 y 2004<br /><br /><br /> Parapenaltis [editar]A nivel individual ha ganado 4 trofeos Zamoras lo que le coloca como segundo mejor portero de la historia de la liga española sólo por detras de Ramallets al que estuvo a punto de igualar en la temporada 2005/2006 pero perdió el Zamora en el último partido contra el portero del Celta, Pinto.<br /><br />Santiago Cañizares además de ser el autor de algunas de las paradas mas espectaculares de la historia del fútbol se destaca por una especialidad muy particular, parar penaltis. De momento ha parado 14 penaltis en partidos oficiales, todo un récord. Entre ellos Riquelme, Urzaiz o Ronaldo.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-22757428869262463162007-12-20T06:46:00.000-08:002007-12-20T06:48:14.057-08:00MARICARMEN CAÑIZARESMaricarmen Cañizares [editar]Es una persona de treinta y tantos años, rara y divertida a la vez. Es ingenua y la más peculiar de la serie. Vive sola con su gato negro Calcetines.<br /><br />Su prototipo de hombre es uno muy extraño para las demás mujeres de la serie (Sofía, Mónica, Nacha, Frida, Asun y Victoria..., y para Lorenzo, que es homosexual). Ese prototipo es Bernardo. Un hombre de más de cuarenta años de edad que vive con su madre y le hace mucho caso, pues son inseparables. Ambos no han perdido la virginidad, ninguno se atreve a dar el primer paso.<br /><br />Maricarmen es la secretaria de Victoria de la Vega, Directora de marketing, una mujer de gran carácter.<br /><br />En la versión italiana Maricarmen Cañizares se llama Patti, (Patrizia D'Imporzano) El gato de Cañizares, Calcetines, en la versión italiana se llama MarilynUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-35989572867436143052007-12-20T06:45:00.000-08:002007-12-20T06:46:04.061-08:00MANOLO ESCOBARManolo Escobar<br /><br />Manuel García Escobar (Manolo Escobar) es un cantante y actor español, nacido en Las Norias De Daza El Ejido (Almería) el 19 de octubre de 1932.<br /><br />Tabla de contenido<br />1 Historia <br />2 Comienzos <br />3 Éxito <br />4 La pequeña flor <br />5 Discografía <br /><br /> <br /><br /><br /> Historia <br /><br />Es el quinto de una familia de diez hermanos. Su padre, Antonio García, provenía del campo, aunque tuvo que dedicarse a numerosos menesteres para sacar adelante a su numerosa familia. Tenía una casa de huéspedes; también fue comerciante, e incluso empresario cinematógrafo: montó el primer cine del pueblo. La madre, la entrañable "madrecita María del Carmen", era junto con su esposo el alma de la familia, y se dedicaba en cuerpo y alma a cuidarlos a todos.<br /><br />Con grandes inquietudes culturales, Antonio García insistía siempre en que sus hijos tuvieran una formación. Su otra gran pasión era la música. Y también les facilitó a sus hijos el cultivo de este arte. Desde muy pequeños, aprendieron a tocar la guitarra o el laúd. Su hermano Baldomero se erigió en jefe de la compañía, y junto a Salvador y Manolo comenzaron a actuar en fiestas y bodas bajo el nombre artístico de "Los Niños de Antonio García". Ya entonces, el niño Manolo soñaba con ser cantante.<br /><br />En estos duros años de posguerra, Antonio García conoció a un maestro de escuela que había perdido a su esposa y a su hijo durante la guerra civil. Antonio lo alojó en su casa y se convirtió en el profesor particular de toda la chiquillería. El nuevo miembro de la familia, Antonio Manzano, resultó ser también un consumado profesor de música. Así que los hermanos García, desde el mayor al más pequeño, pudieron aprender música en casa y organizar una rondalla.<br /><br />Los Niños de García actuaban en el cine de su padre, en los entreactos obligados del cambio de rollo de película. Dirigidos por su maestro, hacían las delicias del público.<br /><br />Pero ni el cine ni todos los recursos que el padre se esforzaba en discurrir, eran suficientes para cubrir las necesidades básicas de la numerosa familia. Los años cuarenta habían traído una sequía pertinaz a toda España, incluída la provincia de Almería, y el campo no daba para más. Los hermanos mayores, Antonio y María, ya se habían casado, pero también iban malviviendo. Así que Antonio, tras muchas peticiones de su hijo Baldomero, aceptó que diera el salto de la emigración a Barcelona, a probar fortuna. Con él irían también Salvador y Manolo, y luego ya se vería.<br /><br />Con apenas 15 años, casi un niño, Manolo y sus dos hermanos se lanzan a la gran aventura en un tren que les llevará a más de 800 kilómetros de su casa y su gente. En Barcelona se instalan en una habitación alquilada en el Barrio Chino. Salvador encontró un empleo, y Baldomero no encontró otra cosa que dedicarse al estraperlo. Manolo hacía lo que podía, además de ser el cocinero del grupo. Varios meses más tarde, consiguieron un piso en Badalona, y al poco tiempo el resto de la familia, incluídos los hermanos mayores y sus consortes, emprendieron el viaje de reencuentro. Toda la familia (salvo los pequeños, que seguían en el colegio, por supuesto) se afanó por trabajar. Manolo encontró un empleo en la industria metalúrgica, pero tuvo que dejarlo por motivos de salud. Después de ser aprendiz de ebanista, se decidió por la construcción, porque el sueldo era más alto. Por último, encontraría otro empleo en la industria química, donde trabajó durante cinco años.<br /><br />En aquellos tiempos, proliferaban en los barrios las verbenas callejeras, donde jóvenes y mayores se divertían tanto con los preparativos de colocar el tablado para la orquesta o colocar farolillos y bombillas, como con los bailes y los cantes de las actuaciones. En las verbenas se organizaban concursos de baile y de cante. Y Manolo no se perdía ni uno: se presentaba a todos los que podía, porque su ilusión seguía siendo cantar. Canciones de moda de aquella época, de muchos cantantes famosos, que Manolo interpretaba con un estilo propio y con una voz clara que entusiasmaba al público.<br /><br />La fama en los concursos de las verbenas le facilitó a Manolo el poder introducirse en otro espectáculo de la época: el cine-variedades: dos películas y un espectáculo de variedades. En una ocasión participó en un programa que encabezaba Raquel Meller. Cuando la diva se encontró con él de camino al camerino, le dijo: "Muchacho, tú llegarás... Yo sé de esto lo suficiente y he visto mucho. Llegarás, te lo aseguro".<br /><br /><br /> Comienzos [editar]A principios de los 50, Manolo tuvo que cumplir el servicio militar. Fue en Larache (Marruecos), donde gracias a su carácter y sus canciones se granjeó cientos de amigos. Uno de ellos, Eusebio, sobrino de una personalidad en el mundo de la radio, le brindó a Manolo la oportunidad que lo introdujo en este medio. En cuanto Don José María Nadal lo escuchó, lo invitó a actuar a Radio Barcelona, en un programa donde se promocionaba a artistas noveles. En estas actuaciones, fue acompañado a la guitarra por su hermano Juan Gabriel. Y con el nombre de "Manolo Escobar y su guitarrista Juanito García", llegó el examen para obtener el carné profesional, que por supuesto aprobaron.<br /><br />Mientras tanto, y porque el mundo de la música no era nada seguro, los hermanos García estudiaban el bachillerato y, una vez conseguido el título, realizaron oposiciones a auxiliar de correos. La estafeta de Badalona contaba con cinco miembros de su plantilla con los apellidos García Escobar. Los cinco hermanos, siguiendo las instrucciones de Nadal, que se había convertido en su padrino artístico, llegaron a formar el grupo "Manolo Escobar y sus guitarras". Un nuevo estilo personal de música española, con un ritmo moderno. Aunque José María y Gabriel abandonaron pronto el grupo, quedando definitivamente Manolo como cantante y Baldomero, Salvador y Juan Gabriel como guitarristas.<br /><br />Con el "sonido Escobar" ya elaborado, el grupo grabó su primer disco, y su fama fue en aumento. Las galas se hacían cada vez más frecuentes, y la estafeta de correos se quedaba medio vacía con demasiada frecuencia. Así que la familia se vio en la tesitura de escoger: o el trabajo seguro de ser funcionario, o la aventura de la música. Y se optó por pedir una excedencia de dos años, con lo que se cubrían las espaldas.<br /><br />El año 1.958, les llegó un contrato en una sala de categoría de Playa de Aro, en la Costa Brava. Después de renovar para la temporada siguiente, consiguieron otro contrato para hacer una gira de tres meses por el sur de Francia. Una vez terminada con gran éxito, se lanzaron a la aventura de conocer París, y allí transcurrieron varios meses sin parar de trabajar y realizar actuaciones.<br /><br />De vuelta a España, consiguieron otro contrato en el mismo local de Playa de Aro. Allí conoció Manolo a una alemana que se encontraba con sus padres de veraneo, y entre ellos surgió un auténtico flechazo. Ana Marx volvió a su tierra, pero consiguió a su enamorado un contrato para actuar en Alemania. Y a los pocos meses de haberse conocido, Manolo y Anita contraían matrimonio, el 10 de diciembre de 1.959, en Colonia.<br /><br />Tras una breve luna de miel en Alemania, los nuevos esposos pasaron las navidades con la familia de Manolo. Más adelante, pusieron rumbo a Almería, y a pesar del refrán, Manolo sí fue profeta en su tierra, consiguiendo un éxito clamoroso en todos los lugares donde actuaba.<br /><br />Al año siguiente, el inefable Juanito Valderrama llamó a Manolo para llevarlo en su espectáculo. Gracias a ello, Manolo recorrió toda España durante dos meses, en plazas de toros donde actuaba ante miles de personas. Su sueño comenzaba a hacerse realidad. Tan seguro de sí mismo se vio, que cuando Valderrama le propuso renovar el contrato, y aunque las relaciones entre ambos eran excelentes, Manolo rehusó la oferta y decidió montar su propio espectáculo.<br /><br /><br /> Éxito [editar]En 1.961, Manolo debuta en Córdoba, en el teatro Duque de Rivas, con su propio espectáculo: "Canta Manolo Escobar". A partir de entonces, Manolo se convierte en pocos años en un ídolo de multitudes, paseándose triunfalmente por toda España con sus diversos espectáculos, y grabando decenas de discos que en seguida saltan a la fama.<br /><br />En 1.963 se inicia su carrera cinematográfica, con la película "Los guerrilleros", carrera que continuaría hasta los años 80, a razón de una película por año. Manolo actúa con naturalidad ante las cámaras. Los personajes que interpreta son simpáticos y del pueblo llano, como él mismo, y se mueven en torno de bellas y atractivas mujeres. Y siempre hay un final feliz.<br /><br />Actuaciones en el cine, espectáculos de masas, televisión, discos con ventas millonarias, jalonan la rutilante carrera de este hombre sencillo que llega al corazón del público no sólo con su forma de cantar, sino también con su carácter amable, su alegría y su hombría de bien.<br /><br />Canciones como "el porompompero", "mi carro", "la minifalda", "madrecita María del Carmen" o "mujeres y vino", forman parte de la cultura popular española de los años 60 y 70.<br /><br />En junio de 1.975, en un Homenaje Nacional que tuvo lugar en el Palacio de los Deportes de Barcelona, Manolo recibió 19 discos de oro cosechados hasta entonces. Concha Velasco, su inefable compañera en cinco películas, fue la encargada de presentar el homenaje, al que acudieron 10.000 personas. Su disco "Y viva España" superó los 6 millones de discos vendidos en nuestro país. También recibió la medalla de oro de la ciudad de Almería y el nombramiento de hijo adoptivo de la misma; distinciones de la Sociedad General de Autores de España, Diputación Provincial de Barcelona, Ayuntamiento de Badalona y un largo etcétera. Además, la Dirección General de Correos y Teleco--municaciones le impuso la insignia de oro de la corporación y la "capa de postas", que sólo se otorga en casos excepcionales. También Correos creó un matasellos conmemorativo del homenaje, para una sola estampación, que se realizó en el propio escenario sobre una foto gigante del cantante. Pero sin duda, el momento más emotivo fue cuando se abrazó a su madre en el escenario.<br /><br />El 6 de agosto de 2007 actuó en la fiesta de la Carballeira de San jorge de Sacos en Pontevedra.<br /><br /><br /><br /><br /><br /> La pequeña flor [editar]En 1978 llegó a las vidas de Manolo y Anita un nuevo ser: su hija Vanessa. Esto colmó de felicidad a la pareja, y todos sus admiradores se sintieron felices por tan grato acontecimiento. Era lo único que le faltaba a Manolo para la alegría completa.<br /><br />A Vanesa, la hija adoptada de Manolo Escobar, le escribió un bolero su tío Juan Gabriel, compositor de muchas de las canciones de Manolo: Mi pequeña flor. La canción se hizo muy popular, y Manolo la cantaba mientras Anita sostenía en brazos a la pequeña (que llegó incluso a cantar con su padre, algún tiempo después, una canción que decía... "Papá, papá, te quiero mucho"). Tal era la popularidad de Manolo entonces que hasta se puso de moda el nombre de Vanessa por aquella época.<br /><br />Después del éxito millonario de "Y viva España" (interpretada originalmente por la belga Christiane Bervoets, más conocida como "Samantha"), que superó las expectativas del propio Manolo y de su casa discográfica, Manolo se embarcó en una tarea que quizás no haya sido suficientemente apreciada: grabó la selección antológica del cancionero español. Decenas de canciones inmortales de monstruos de la copla, pero con el sello particular de su voz y su particular forma de interpretar. "Antonio Vargas Heredia", "Suspiros de España", "Malvaloca", y un sinfín de canciones con las que también obtuvo un gran éxito.<br /><br />Y no deja de renovarse. Su estilo se ha ido haciendo más moderno con los tiempos, hasta el punto de haber grabado un disco donde versiona canciones de otros cantantes y grupos de estilo bastante distinto, pero que en su boca suenan igual de frescos que cualquiera otra de sus canciones. Sigue siendo fiel a sus raíces, y siempre lleva en su repertorio pasodobles y rumbas; pero también hay lugar para baladas y rancheras.<br /><br />En los años 80, Manolo abandonó su carrera cinematográfica. Pero a principios de los noventa, probó suerte como presentador de televisión, en dos programas que tuvieron gran éxito de audiencia: "Goles son amores" y "Mañana serán estrellas".<br /><br />En los últimos años, Manolo ha continuado incansable con sus actuaciones y las grabaciones de sus discos. Continúa recorriendo España con sus diversos espectáculos, y de vez en cuando podemos verlo en las distintas cadenas de televisión. Su público sigue estando ahí, demostrándole su afecto y su complicidad allá donde vaya. El matrimonio García-Marx lleva una vida algo más tranquila, y su hija Vanessa ya es toda una mujer que ha estudiado periodismo y ha empezado a hacer sus pinitos en la prensa.<br /><br />En 2007 recibió el Premio Familia como reconocimiento a su carrera en el marco de la III Mostra Internacional de Cinema sobre la Família, que otorga anualmente la Associació CinemaNet. El acto de entrega tuvo lugar en Badalona, ciudad en la que el artista pasó varios años de sus vida.<br /><br /><br /> Discografía [editar]Espigas y Amapolas <br />El ángel de la guarda <br />Aquel hijo <br />Mi novia <br />Canciones de sus películas <br />Mi carro <br />Sevillanas de Oro <br />Brindis <br />Grandes Éxitos (1971) <br />Entre dos amores <br />Me has hecho perder el juicio <br />Y viva España <br />¡Ay, caridad! <br />Cada lágrima tuya <br />Cuando los niños vienen de Marsella <br />Madrecita Maria del Carmen <br />Por los caminos de España <br />Eva que hace ese hombre en tu cama <br />Qué guapa estás <br />La mujer es un buen negocio <br />Niña Bonita <br />Calor <br />Mis mejores canciones <br />Selección Antológica del cancionero Español <br />De las películas Préstemela esta noche y Donde hay patrón <br />Labrador <br />Alejandra Mon Amour <br />Mi pequeña flor <br />Amores <br />Manolo, siempre Manolo <br />Mi pequeña flor, Vanessa (Especial Rack) <br />Donde estará mi niño <br />Los grandes pasodobles cantados <br />Papá te quiero mucho <br />Coraje <br />Sevilla casi ná <br />Miel de Amores <br />Vive la vida <br />Suspiros de España <br />30 aniversario <br />Por pasodobles, por sevillanas <br />Rumba pa ti <br />Que bonita eres <br />Tango tango <br />Tiempo al tiempo <br />Con mi acento <br />Aromas <br />Contemporáneo <br />De puerto en puerto <br />Manolo EscobarUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-66854599600617338462007-12-20T06:43:00.002-08:002007-12-20T06:44:16.919-08:00PERETBiografía <br /><br />Peret nació en Mataró (Barcelona) en 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios.<br /><br />Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce año formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil.<br /><br />En 1947, de manera casual, grabó un disco que pasó desapercibido por el mercado, así que sobrevivía como vendedor ambulante. Incluso viajó a Argentina, pero no para cantar, sino para negociar con sábanas. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: "Mi Santa".<br /><br />A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus canciones, como "El muerto vivo", empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo, que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: "En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret".<br /><br />En 1967 grabó "Una lágrima", versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En esta época la música de Peret —potente y vertiginosa, con influencias del mambo y del rock and roll— sonaba constantemente en emisoras de radio, máquinas de discos, tabernas, casinos, discotecas, guateques, fiestas mayores...<br /><br />En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como "El gitano Antón", "Don Toribio Carambola", "Saboreando", "¡Lo mato!", "Si fulano fuese mengano", "Chaví", "Canta y sé feliz" (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1974), "Qué cosas tiene el amor", "A mí las mujeres ni fu ni fa", "Castigadora", "Tracatrá"...<br /><br />El bombazo internacional lo dio con "Borriquito" en 1971,con letra y música del propio cantante, que coincidió con el boom del turismo en España, lo que contribuyó a que la canción se popularizara en todo el mundo y en especial Holanda (7 semanas Nº1),y Alemania (dos semanas Nº1).<br /><br />En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, reaparece en los escenarios de forma esporádica. En 1992 participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona interpretando la canción Gitana hechicera dedicada a la ciudad de Barcelona con motivo de los Juegos Olímpicos y fue uno de los éxitos de ese verano.<br /><br />En 1998 fue galardonado con la Cruz de Sant Jordi.<br /><br />En 2000 graba un nuevo disco Peret: Rey de la rumba, al lado de solistas y grupos de pop como Jarabe de Palo, Carlos Jean, Jabier Muguruza y David Byrne (de Talking Heads).<br /><br />En 2006 participa en el disco homenaje a Joan Manuel Serrat, de título Per al meu amic Serrat (Discmedi, 2006) en el que interpreta el tema a ritmo de rumba Me´n vaig a peu.<br /><br />En 2007 presenta un nuevo disco con canciones inéditas, de título Que levante el dedo y prepara el libro La Biblia de la Rumba de próxima edición. También en 2007, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina homenajean a Peret incorporando al repertorio de su gira conjunta Dos pájaros de un tiro el tema El muerto vivo. En el primer concierto de Barcelona en el Palau Sant Jordi, Peret acompaña en el escenario a los dos cantautores. Peret participa en el disco colectivo de La Marató de TV3 en su edición de 2007 con una versión en catalán del tema Live is life (Vine amb mi) del grupo austriaco Opus.<br /><br /><br /> Peret y el cine [editar]Peret se dejó tentar por el cine. De pequeño, veía películas de Imperio Argentina, artista a la que admiraba y cuyas canciones interpretaba. En 1963 representó un pequeño papel en Los Tarantos de Francisco Rovira-Beleta, donde también intervenía la gran bailaora Carmen Amaya. Él mismo fue protagonista de vaios filmes bastante endebles, pero que colaboraron eficazmente a la expansión de sus canciones. Casi todos los títulos cinematográficos de Peret habían sido previamente grandes éxitos discográficos: Amor a todo gas, El mesón del gitano, Qué cosas tiene el amor, A mí las mujeres ni fu ni fa, Si fulano fuese mengano... En 1996 participa como actor en la película Alma gitana y en 2001 en Marujas Asesinas<br /><br /><br /> Discografía en CD [editar]Estos son algunos de los discos de Peret aparecidos en CD<br /><br />No se pué aguantar (PDI, 1991). <br />Gitana Hechicera (PDI, 1992). <br />Cómo me gusta (PDI, 1993). <br />Que disparen flores (PDI, 1995). <br />Jesús de Nazareth (PDI, 1996). <br />Rey de la Rumba (Virgin, 2000). <br />Que levante el dedo(K Industria Cultural, 2007). <br /><br />Recopilatorios<br /><br />Rumbas de oro (Divucsa, 1989). <br />La vida por delante (Sony/BMG, 1994). <br />Siempre Peret (PDI, 1996). <br />Sus grabaciones en Discophon (Blanco y Negro, 1998). <br />Don Toribio Carambola (Arcade, 2000). <br />Chica Vaiven (Sony/BMG, 2000). <br />Numero 1 en rumba (PDI, 2000). <br />La Salsa de la rumba (Sony/BMG, 2001). <br />Singles Collection (Divucsa, 2004). <br />Mano a Mano (Divucsa, 2006).Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-84929927673125083242007-12-20T06:43:00.001-08:002007-12-20T06:43:19.111-08:00MARIA FACTOR XBiografía [editar]Empezó a cantar a los 3 años, y a lo largo de su vida se ha ido presentando a concursos, como en “Bienvenidos” de Canal Sur, el verano pasado, y al cual llegó hasta semifinales. También estuvo en los castings de OT pero en la última ocasión estuvo a las puertas de entrar.<br /><br />María toca el violonchelo, y de hecho en Factor le pudimos ver tocarlo cuando cantó la canción Cançao do Mar. Le encanta el chocolate y escuchar música a todas horas del día. Se define como una chica nerviosa y charlatana, y le encantaría dedicarse plenamente a la música. Quiere muchísimo a su abuela, y lo pudimos comprobar en la 3ª gala cuando vio un video que le tenían preparado en el que salía su abuela y María no pudo contener las lágrimas. Tiene una especial fobia a los payasos y le gustaría tocar la guitarra eléctrica y la batería.<br /><br />Posee 4 discos, 2 anteriores a su participación en Factor X, el CD recopilatorio de las canciones que cantó en el programa y “Te Espero Aquí”, el fruto de su victoria en Factor X que salió al mercado el pasado martes 13 de noviembre. “Entre sueños” es su primer disco. El segundo, “Rompe”, está formado por 12 canciones,en la que una de ellas está compuesta por la propia María.<br /><br /><br /> Paso por Factor X [editar]María se presentó en el casting de Sevilla, cantando un fragmento de la canción “Cançao do mar” y una nana y consiguiendo el voto unánime de Jorge Flo, Eva Perales y Miqui Puig. Tras la ronda final de los castings se convertiría en una de los miembros del grupo de Flo, de 16 a 24 años, junto a Angy, Ailyn y Walter.<br /><br />Las canciones intrepretadas en las galas fueron:<br /><br />1ª gala---> "Tu recuerdo" <br />2ª gala--->"Que bonito" <br />3ª gala--->"No me crees" <br />4ª gala--->"Cançao do mar" <br />5ª gala---> "Enamorada" y "Can't buy my love"(junto a Angy y Walter) <br />6ª gala--->"Eras tu" y "Otro día mas sin verte" <br />7ª gala(semifinal)--->"No te olvides de mí" e "Hijo de la luna" <br />8ª gala(final)---> 1ronda:"María se bebe las calles"---2ronda:"All Good Things"-----3ronda:"Cançao do mar" <br /><br /> Te Espero Aquí: su álbum-debut [editar]"Te Espero Aquí" es el álbum-debut de la cantante María Villalón. A pesar de haber grabado dos discos anteriormente, nunca fueron publicados a nivel nacional o, simplemente, nunca vieron la luz, siendo este su primer disco en solitario. El disco fue publicado por la compañía SonyBMG en España el 13 de noviembre de 2007.<br /><br />El primer single del álbum es el tema "Agüita de Abril", que fue publicado dos semanas antes que el disco. Debido a la nula promoción en radios y a muy pocas intervenciones en programas de televisión, el single no entró en el Top 40 Singles de España, y el disco, sólo alcanzó el #39 en las Listas de PROMUSICAE de España, descendiendo hasta el #42 en su segunda semana, siendo un fracaso para la joven cantante andaluza.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-35263511471273525212007-12-20T05:42:00.001-08:002007-12-20T05:42:33.244-08:00DAVID BRAVODavid Bravo Bueno (20 de febrero de 1978, Sevilla), abogado especializado en derecho informático y especialmente en propiedad intelectual. Conocido por su participación en debates o tertulias para defender el derecho a compartir cultura y conocimiento, divulgando en qué consiste el derecho a la copia privada o el término copyleft, gracias a Internet y las redes de pares (P2P) entre otras herramientas.<br /><br />En marzo de 2005 publica una carta[1] al presidente del Gobierno de España, José Luis Rodríguez Zapatero, en relación a Ley sobre propiedad intelectual, a favor de compartir el conocimiento y no restringir aún más, en su opinión, los derechos de autor.<br /><br />En junio del mismo año presentó Copia este libro[2] , publicado bajo Creative Commons que, como él mismo escribió, trata de...<br /><br />..las redes P2P, los medios de comunicación y su creación de una moral artificial, el canon y la cultura del miedo.<br /><br />En octubre de 2006 comenzó a colaborar en el programa "Noche sin Tregua" de Paramount Comedy.<br /><br />Es creador de la asociación O.S.R. junto a Alfonso Grueso y el rapero ToteKing, del que es abogado.<br /><br /><br /> Véase también [editar]Lawrence Lessig, profesor de Derecho de Estados Unidos, autor de Cultura libre. <br />Tote King, MC amigo de David Bravo y del cual es abogado. <br />SGAEUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-38386885722149921832007-12-20T05:34:00.000-08:002007-12-20T05:37:03.375-08:00TOTE KINGBiografía <br /> <br />La alta escuela <br />Artículo principal: La Alta Escuela<br />Los inicios musicales de ToteKing están estrechamente relacionados al de La Alta Escuela, grupo que fundó junto con Juaninacka, Juanma y Dj Randy y el Tralla que formo parte de la formación, pero salio de ella antes de la salida del disco.. Con esta formación editó su primera referencia profesional en 1999, en un disco novedoso y fresco titulado "En pie de vuelo", con colaboraciones de Zatu, La Mala Rodríguez, La Gota que Colma<br /><br />En este disco utiliza el alias de El rey del desfase', si bien ya no se siente identificado con él y lo considera una etapa pasada. El grupo se disolvió tras editar el disco porque a sus integrantes les resultaba difícil organizarse. Han existido numerosos rumores sobre una vuelta del grupo, pero es algo que a priori parece bastante difícil, pues los integrantes tienen unas consistentes carreras en solitario.<br /><br /><br /> ToteKing & Shotta <br />ToteKing en concierto con ShottaLa carrera en solitario de ToteKing se inició con una maqueta titulada "Big King XXL", con colaboraciones de Shotta, Jefe de la M, Keyo o Zatu, de SFDK. Pronto fichó por el sello "Yo gano" para editar su primer disco en solitario. Este disco estaba planteado para tener muchas colaboraciones vocales, pero debido a la apretada agenda no pudo realizarse así y tuvo que apoyarse en su hermano Shotta, por lo que el disco salió con el nombre artístico de "Toteking y Shotta" titulándose "Tu madre es una foca".<br /><br />Previo a la salida del disco se publicó un maxi adelanto titulado "Nada pa mi", con el tema que da título al maxi además de "Sé", incluido también en su LP. El estilo fresco, directo e innovador que demuestra ToteKing en este disco le sirvió para alzarse como ganador del premio Hip-hop Nation al mejor Mc revelación de 2002.<br /><br /><br /> Carrera en solitario [editar]Como adelanto de su primer disco en solitario se publicó el maxi "Matemáticas" que incluía el tema del mismo nombre además de "Cheik... cheik". La portada de este maxi es una parodia del disco "No es lo mismo" de Alejandro Sanz, donde aparece ToteKing sujetando una caña de cerveza mientras mira a través de ella.<br /><br />En 2004 lanzó su primer larga duración, esta vez en solitario, titulado "Música para enfermos", con colaboraciones de Falsalarma, Shotta, Solo los solo, Xhelazz, Spanish Fly (de Triple XXX) y Karvoh. Destaca el tema "Devotos" por criticar duramente la Semana Santa en Sevilla.<br /><br />A comienzos de 2006, BoaCor (sello discográfico donde figuran otros MC's nacionales tan importantes como Violadores del verso, SFDK, Falsalarma o Nach) anuncia el acuerdo con Tote King para la publicación de su segundo disco en solitario, de título "Un tipo cualquiera". Este disco esta totalmente producido por Big Hozone a excepcion de dos temas producidos por Neo y Nerko respectivamente. Cuenta con la colaboración de Vast Aire, miembro del grupo Cannibal Ox.<br /><br />Recientemente Tote King ha sacado un videoclip de la canción "Mentiras" de este disco en el que aparece como presentador de un telediario. Esta canción está sampleada del tema Rock & roll de Ronnie James Dio del disco "Killing the dragon".<br /><br />Estuvo de gira con Solo los solo y La Mala Rodríguez en Holanda.<br /><br />Por parte de críticos, su dominio del rapeo rebosa de una rima estilizada practicamente métrica, y en general sin escatimar de palabras soeces con fuerte crítica social en casi todas sus canciones.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-78280404964452628622007-12-20T05:32:00.000-08:002007-12-20T05:33:51.446-08:00MARC ANTHONYMarc Anthony<br /><br />Marc Anthony en los Premios Lo Nuestro, Febrero 2007 <br />Información general <br />Nombre Marco Antonio Muñiz Ruiz Rivera <br />Alias Marc Anthony <br />Nació Septiembre 16 de 1968 en Estados Unidos, New York City, New York <br />Origen Puerto Rico <br />Género(s) Música Latina, Salsa, Pop, Pop Latino <br />Ocupación(es) Cantante, Actor <br />Tiempo 1988 - Actualidad <br />Discográfica(s) RMM Records & Video, Sony BMG <br />Sitio web www.marcanthonyonline.com <br />Marc Anthony, nacido como Marco Antonio Muñiz el 16 de septiembre de 1969 en Manhattan, Nueva York (Estados Unidos), es un cantante y compositor estadounidense de ascendencia puertorriqueña de música salsa y más recientemente también de baladas románticas, pop y hasta tango. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor, que lo eligió entre miles de candidatos para ser el protagonista de su obra "The Capeman".<br /><br />Su verdadero nombre fue elegido por sus padres, Felipe Muñiz y Guillermina, por el cantante mexicano del mismo nombre, aunque hubo de cambiárselo para que no se les confundiera profesionalmente.<br /><br />En su vida privada ha habido muchos episodios, todos fruto de la pasión que destila en sus canciones: tras una relación con Debbie Rosado (una policía neoyorquina) nació su hija Arianna, un elemento fundamental en la vida de Marc y a la que le compuso una canción, My Baby You.<br /><br />Después llegaría Jennifer López a su vida: en 1999 mantuvieron un tórrido romance e hicieron una colaboración en el primer disco de Jennifer Lopez, On the 6, que los marcaría para siempre: No me ames, que es la versión en español de una canción italiana de 1992.<br /><br />Después se casó con la Miss Universo 1993, la puertorriqueña Dayanara Torres, con la que tuvo dos hijos: Ryan y Cristian (este segundo recibe su nombre en honor a la admiración que su padre profesa por Cristian Castro, un cantante mexicano). Entre el nacimiento de ambos hijos hubo crisis, llegándose a separar y casándose de nuevo. En el 2004 terminaron la relación.<br /><br />Y llegó Jennifer: el 5 de junio de 2004 se casaron en la casa que tiene la popular artista del Bronx en Miami, confirmando así los rumores que los relacionaban de nuevo. Así, tras comprobar que Marc Anthony ha estado siempre enamorado de J. Lo, se descubre que ella es la misteriosa Lola a la que dedica varios de sus discos y canciones. En el 2006 están terminaron de rodar juntos la película sobre la vida del salsero puertorriqueño Héctor Lavoe, El Cantante.<br /><br />A fecha de hoy, Marc Anthony ha participado activamente en la composición, producción y coros del primer disco de su esposa Jennifer en español, "Como Ama Una Mujer", mientras que prepara nuevo disco.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-2977834435401860792007-12-20T05:29:00.000-08:002007-12-20T05:30:46.470-08:00ITZAK RABINMilitar y político israelí (Jerusalén, 1922 - Tel Aviv, 1995). Identificado con el ideal sionista desde su juventud, estudió en una escuela agrícola de Galilea y entró a formar parte de la Hagana (ejército clandestino formado por los judíos durante los últimos años de dominación colonial británica en Palestina). Ascendido rápidamente, mandó un regimiento durante la Guerra de Independencia de 1948-49. Al terminar la guerra se dedicó a la carrera militar y participó en la segunda guerra contra los árabes de 1956. <br /><br />En 1964 fue nombrado jefe de Estado Mayor, puesto desde el cual reorganizó el ejército israelí (Tsahal); a sus esfuerzos se debió -tanto como a los de su ministro de Defensa, Moshé Dayán- la victoria en la Guerra de los Seis Días (1967), que proporcionó a Israel la ocupación de los territorios de Cisjordania y Gaza, además de la península del Sinaí y los altos del Golán. <br /><br />Después de esta tercera guerra, Rabin cambió la carrera militar por la política, ligado al hegemónico Partido Laborista de Israel. Desempeñó la embajada de su país en Washington de 1968 a 1973, tiempo durante el cual adquirió una visión amplia de las relaciones internacionales. Desde aquel puesto se ganó la confianza de la primera ministra Golda Meir, que le nombró ministro de Trabajo. <br /><br />La cuarta guerra árabe-israelí (Guerra del Yom Kippur, 1973) hizo caer a Golda Meir, momento en que fue sustituida por Rabin, tanto al frente del partido laborista como del gobierno israelí (1974-77). Un escándalo político montado en torno a una compra de dólares realizada por su esposa Lea, le obligó a dimitir en favor de su rival dentro del partido, Shimon Peres. Aunque la victoria electoral del Likud en 1977 terminó con 29 años de poder laborista, Rabin siguió siendo diputado (reelegido en 1981). <br /><br />Las luchas internas entre Peres y Rabin marcaron los años siguientes en la oposición. Reconciliado con Peres, aceptó formar parte como ministro de Defensa de los gobiernos de coalición presididos por Peres y Shamir a partir de 1984; y consiguió la unificación del partido que le proporcionó una nueva victoria electoral en 1992.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-57957411913123977982007-12-20T05:25:00.000-08:002007-12-20T05:26:05.857-08:00DAVID DE MARIABiografía <br /><br />Hijo de Fernando Jiménez y Pepi Pinteño, nació en Jerez de la Frontera aunque en la actualidad reside en Madrid. Su poco interés por el estudio hizo que después de sacarse el graduado escolar, se sacara el título de auxiliar en Formación Profesional de Electricidad. Poco más tarde, se empezó a interesar por la literatura, la poesía y la música. Sus influencias musicales se encuentran entre el flamenco puro, y grupos y artistas españoles como Mecano, El Último de la Fila, Nacha Pop o Alejandro Sanz.<br /><br />A los 14 años empezó como cantante y músico en el grupo "Kelliam 71", en el que permació seis años. El grupo se dedicaba a tocar versiones de canciones de El Último de la Fila, The Beatles, entre otros. También grabaron un disco que no se llegó a publicar. Durante estos años, DeMaría aprendió a tocar la guitarra y adquirió experiencia sobre el escenario.<br /><br />A los 19 años emprendió su carrera en solitario y en 1997 sacó su primer disco homónino, David DeMaría. Con este disco no obtuvo el éxito esperado, a pesar de que canciones como Amor multiplicado por dos fueran de las más escuchadas.<br /><br />Después de un cambio de discográfica, en 1999 lanzó su segundo trabajo Soñar despierto, en el que se incluían temas como Sed de ti, tratando que se valorase y reconociese su esfuerzo.<br /><br />Tras un segundo cambio de discográfica, en 2001 publicó su tercer álbum El color del destino, con el que se consolidó como compositor ya que once de los doce temas del disco son propios. Este mismo año alcanzó su primer éxito multiplatino de la mano del grupo gaditano Los Caños quienes interpretaron un tema suyo, Niña, piensa en ti. A éste se siguieron otros éxitos como Sin decirnos nada y Agua de Luna. David descubrió en la composición una salida a su creatividad por lo que en 2002 y 2003 se dedicó a escribir temas para artistas como David Bustamante, Alejandro Parreño, Chonchi Heredia, Malú, Tamara, e incluso compuso varios temas para Peter Pan, el musical.<br /><br />En 2003, con el lanzamiento de su cuarto disco Sin miedo a perder, vendió más de 90.000 copias con las que obtuvo el disco de oro. Este disco refleja su evolución personal y profesional. En él se encuentran doce temas que muestran la sencillez, el romanticismo y la sensibilidad de David DeMaría, y también cuenta con la colaboración de Antonio Orozco con quien canta Pétalos marchitos. Con la publicación de este álbum encontró en Warner Music la discográfica que editaría sus posteriores trabajos.<br /><br />Con su quinto álbum, Barcos de papel, publicado en 2004, alcanzó el triple de disco de platino (con más de 300.000 copias vendidas). Producido por él mismo junto con su productor habitual Pablo Pinilla. Con este disco se ha confirmado definitivamente como uno de los cantautores españoles más importantes. El primer single extraído, Precisamente ahora, fue galardonado con el Premio Ondas a la mejor canción del año 2004. La exitosa gira que realizó con este disco dio como fruto la grabación de David DeMaría en concierto. Gira Barcos de papel.<br /><br />En 2005 le otorgan el galardón Jerezanísimos, reconocimiento de los oyentes de Radio Jerez Cadena SER. Un David muy emocionado, recogió este galardon en un acto organizado en las Bodegas Williams Humbert. En sus palabras de agradecimiento, no quiso olvidarse de Radio Jerez, que le apoyó desde los inicios de su carrera artística, y del que se siente un miembro más. También en 2005 participa en un disco de homenaje a Joan Manuel Serrat cantando el tema Cantares (Serrat, eres único. Volumen 2).<br /><br />Tras haber recibido durante estos dos últimos años un gran reconocimiento por su carrera musical, el 3 de octubre de 2006 lanza su sexto trabajo de estudio Caminos de ida y vuelta. Este disco refleja el momento de plenitud y reafirmación que vive en la actualidad.<br /><br />Recibe el Premio Ondas 2006 al mejor álbum, por Caminos de ida y vuelta<br /><br />En 2006 el Ayuntamiento de Jerez lo nombra Rey Mago, David vuelve a su infancia desde la carroza de reyes magos, en una de las mejores cabalgatas que recuerda la ciudad de Jerez de la Frontera.<br /><br />El 30 de octubre de 2007 publica su álbum "La fuerza de la voluntad", en el que recoge sus 10 años de carrera además de 3 temas inéditos: Perfume de la soledad, Dueña de este mar y La fuerza de la voluntad. El álbum se presenta en varias ediciones, entre las que destaca el cd acompañado del video de un concierto de su gira "Caminos de Ida y Vuelta".<br /><br /><br /> Discografía [editar]1997: David DeMaría <br />1999: Soñar despierto <br />2001: El color del destino <br />2003: Sin miedo a perder <br />2004: Barcos de papel <br />2005: David DeMaría en concierto. Gira Barcos de papel <br />2006: Discografía completa 1999-2005 <br />2006: Caminos de ida y vuelta <br />2007: La fuerza de la voluntad (CD recopilatorio + 3 temas inéditos)Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-10712326606808973172007-12-20T05:23:00.000-08:002007-12-20T05:24:33.044-08:00JULIETA VENEGASBiografía <br /><br />Hija de fotógrafos, a los ocho años de edad comienza a estudiar piano clásico como un pasatiempo. Tras demostrar un gran interés por la música y con el sueño de convertirse en directora de orquesta, continúa con estudios de teoría musical, practicando piano y violoncello (Escuela de Música del Noroeste, Tijuana; Southwestern College, San Diego).<br /> <br />Julieta Venegas en 2000Combinando sus estudios de preparatoria con su formación musical, es invitada a unirse al grupo de reggae/ska Chantaje, el cual posteriormente se convertiría en Tijuana No. Durante su participación en la banda, y en colaboración con Alex Zúñiga, compone la canción "Pobre de ti", que se convertiría en la más popular de la agrupación.<br /><br />"Sirenas del corazón", de Edward Coward sería la primer obra teatral que Julieta Venegas musicalizaría. Después de colaborar con diferentes grupos, Julieta se instala en la Ciudad de México. En 1995 es invitada a componer la música de la obra teatral "Calígula probablemente" de Francisco Franco.<br /><br />Tras formar otro grupo llamado "Lula", Julieta aprende a tocar el acordeón y empieza a componer en él las que se convertirían después en canciones de su primer disco, Aquí. Poco después de desintegrarse el grupo, Julieta comienza a presentarse en vivo como solista. En este periodo, comienza (con la participación de Fratta y Rafa González) un nuevo proyecto más personal llamado "La Milagrosa" (tomado de un libro del mismo nombre por Carmen Boullosa), un seudónimo con el que la gente comenzaría a reconocer a Julieta. Esta confusión semántica llevó a Julieta a lanzar Aquí simplemente como un álbum de “Julieta Venegas”. Durante el desarrollo de este proyecto, Julieta tiene una participación vocal en el disco "Acústico desliz" de Fratta, en el cual también toman parte Ely Guerra y Rita Guerrero.<br /><br />Con el apoyo de BMG, Julieta finalmente graba su primer disco solista bajo la producción de Gustavo Santaolalla. Editado en 1997, "Aquí" coloca a Julieta Venegas como una propuesta inédita en el ámbito de la música popular en México.<br /><br />Tras darse a conocer a nivel internacional, Julieta recibe un gran número de invitaciones a colaborar con diferentes músicos e intérpretes latinoamericanos. Como ejemplos de estos podemos citar a Sasha Sökol, Enanitos Verdes, Sr González, Los Tres, Liquits, Cartel de Santa, Eugenia León y Enrique Bunbury.<br /><br />En 1998, participa en la gira “De diva voz” junto a Ely Guerra y Aurora y la Academia, presentándose en diferentes localidades de México y Estados Unidos. Poco después, se presenta en la gira “Calaveras y diablitos” al lado de Aterciopelados y Los Fabulosos Cadillacs en España. A la vez que colabora en el disco "Tributo a José José" en donde interpreta la canción "El Triste". La participación en festivales internacionales aumentaría el año siguiente, al presentarse Julieta en el Festival “Midem Américas” (en Miami), “Generación Ñ” (en España), “Rock Al Parque de Bogotá” (en Colombia) y Festival “El Hatillo” (en Venezuela).<br /><br />En 1999, aparece en la versión para México del video “Infinito” de Bunbury.<br /><br />En el año 2000, Nacho Mastretta la invita a participar en su disco “Luna de miel”, que consiste en doce canciones interpretadas por doce vocalistas femeninas de diferentes países. Posteriormente, también contribuye con tres canciones a la banda sonora de ‘‘En el país de No Pasa Nada’’.<br /><br />Poco después, Julieta Venegas escribe y graba para la cinta Amores perros el tema “Amores perros me van a matar”. La producción de esta canción corrió a cargo de Emmanuel del Real y Quique Rángel (de Café Tacuba), quienes también participarían en su próximo álbum, Bueninvento.<br /><br />‘’Bueninvento’’, producido también por Gustavo Santaolalla y Joe Chicarelli, es lanzado en septiembre del 2000. Trece de los catorce temas son de la autoría de Julieta Venegas.<br /><br />En este mismo año, participa en el “Arezzo Wave Love” en Italia, donde cantó una versión de la canción “Amores perros...” en italiano.<br /><br />En 2002, el cantautor Víctor Manuel la llama ofreciéndole participar en un disco homenaje a Joaquín Sabina junto con otras mujeres. Canta "Corre dijo la tortuga".<br /><br /> <br />La cantante Julieta Venegas, participó en 2006 en el evento "“Mujeres sin miedo, Todas somos Atenco” en el Salón Los Ángeles, al que también asistió el Subcomandante Marcos para reclamar justicia en el caso de las mujeres violadas en San Salvador Atenco.A finales del 2003, lanza el álbum Sí, que hasta la fecha es el de mayor éxito comercial, permitiéndole abarcar un mercado más amplio. Ha vendido más de medio millón de copias.<br /><br />En 2004 colabora en el disco "Neruda en el corazón" junto con artistas de la talla de Serrat, Pablo Milanés o Ana Belén. Se encarga de poner música al poema "A callarse".<br /><br />Julieta participó, junto con Paulina Rubio, en la canción "Nada fue un error" del argentino Coti. En 2006 viaja hacia Buenos Aires donde realiza durante aproximadamente 3 meses la grabación del álbum Limón y Sal; su primer single fue Me voy.<br /><br />En junio de 2006 participa en España en el festival MTV Day junto a Amaral y Keane, entre otros, y dos días más tarde el de la celebración del cuarenta aniversario de la radiofórmula Los 40 Principales, donde cantó Me voy y Nada fue un error junto a Coti. Ha participado en la serie Yo soy Bea. También participó en la serie Sos mi vida en la televisión argentina.<br /><br /><br /> Controversia en sus declaraciones [editar]En mayo de 2007 se declaró a favor de la ley en México, D.F. que despenalizó el aborto antes de las 12 semanas de embarazo lo cual originó controvesia entre ambos bandos de la sociedad mexicana: “Estoy totalmente de acuerdo en que se haya despenalizado el aborto, porque es un tema de salud. Las mujeres tienen derecho a elegir para sus vidas... es un gran paso”. Esta declaración se sumó a otros músicos de opinión semejante.<br /><br /><br /> Premios [editar]Premios Nuestro Rock<br /><br />Mejor Disco Revelación 1997 Nominada <br /><br /> 1998 [editar]Premios MTV 1998<br /><br />Mejor Interprete Femenina por "Cómo Sé" Nominada <br /><br /> 2001 [editar]Grammy Latino 2001<br /><br />Mejor Album Rock Vocal Solista Nominada <br />Mejor Canción Rock con "Hoy No Quiero" Nominada <br /><br /> 2004 [editar]MTV Video Musc Awards Latinoamerica '04<br /><br />Mejor Solista ó Interprete Ganadora <br />Mejor Artista Pop Nominada <br />Mejor Artista Norte Ganadora <br />Video Del Año con "Andar Conmigo" Nominada <br />Artista Del Año Ganadora <br />Grammy Latino<br /><br />Mejor Album Rock Vocal Ganadora <br />Premios OYE!<br /><br />Canción del Año por "Andar Conmigo" Ganadora <br />Album del Año Ganadora <br />Rock en Español Ganadora <br />Premios Lo Nuestro<br /><br />Artista del Año Nominada <br />Album del Año Nominada <br />Premios Lunas Del Auditorio<br /><br />Artista Pop En Español Nominada <br /><br /> 2005 [editar]MTV Video Music Awards Latinoamerica'05<br /><br />Mejor Artista Pop Nominada <br />Grammy Latino<br /><br />Mejor Album Latino Rock/Alternativo Nominada <br /><br /> 2006 [editar]Los Premios MTV<br /><br />Mejor Solista ó Interprete Ganadora <br />Mejor Artista Pop Nominada <br />Mejor Artista Norte Nominada <br />Canción Del Año con "Me Voy" Nominada <br />Video Del Año con "Me Voy" Nominada <br />Artista Del Año Nominada <br />Billboard<br /><br />Tema Latino Pop que más sonó en la radio del Año por "Algo Esta Cambiando" Nominada <br />Grammy Latino<br /><br />Mejor Album Alternativo Ganadora <br />Productor del Año (Cachorro López) Ganadora <br />Mejor Video Musical versión corta por "Me Voy" Nominada <br />Grabación del Año por "Me Voy" Nominada <br />Album del Año Nominada <br />Premios OYE!<br /><br />Álbum del Año Nominada <br />Canción del Año por "Me Voy" Nominada <br />Video del Año por "Me Voy" Nominada <br />Rock en Español Nominada <br /><br /> 2007 [editar]Grammy<br /><br />Mejor Album Pop Latino Ganadora <br />Premios Lo Nuestro<br /><br />Artista Femenina del Año Nominada <br />Video del Año por "Me Voy" Nominada <br />Orgullosamente Latino<br /><br />Solista latina del año Nominada <br />Video latino del año por "Me Voy" Nominada <br />Canción latina del año por "Me Voy" Nominada <br />Disco del Año Nominada <br />Lunas Del Auditorio<br /><br />Artista Pop en Español Nominada <br />Los Premios MTV 2007<br /><br />Mejor Artista Pop Ganadora <br />Mejor Aritsta Norte Nominada <br />Canción del Año con "Eres Para Mì" con Anitta Tijoux Nominada <br /><br /> Discografía [editar]Este artículo o sección necesita ser wikificado con un formato adecuado a las convenciones de estilo de Wikipedia.<br />Por favor, edítalo para cumplir con ellas. No elimines este aviso hasta que lo hayas hecho. ¡Colabora wikificando!<br /><br /><br /><br /><br /><br /> Álbumes [editar]Aquí 1997 (BMG Ariola) <br />Bueninvento 2000 (BMG) <br />Sí 2003 (BMG) <br />Limón y Sal 2006 (Sony BMG) (+ 800.000 copias vendidas) <br />Realmente Lo Mejor 2007 (Sony BMG) <br /><br /> Singles [editar]del álbum Aquí: <br />1997: "De mis pasos" <br />1997: "Cómo sé" <br />del álbum Bueninvento: <br />2000: "Sería feliz" <br />2000: "Hoy no quiero" <br />del álbum Sí: <br />2003: "Andar conmigo" <br />2004: "Lento" <br />2004: "Algo está cambiando" <br />2004: "Oleada" <br />del álbum Limón y Sal: <br />2006: "Me voy" <br />2006: "Limón y sal" <br />2007: "Eres para mí" <br />2007: "Primer día" <br />BANDAS SONORAS Y COLABORACIONES<br /><br />Enanitos Verdes : Tracción Acústica <br />Voz y Música: Enanitos Verdes Acordeón: Julieta Venegas Polygram 1998 Canción: "El Guerrero"<br /><br />Un Tributo (a José José) <br />BMG México 1998 Producido por: BMG Entertainment México Canción: "El Triste"<br /><br />Todo el Poder (Soundtrack) <br />Canta: Julieta Venegas Música: Liquits Virgin Records 1999. Canción: "Chikero Bombay"<br /><br />Amores Perros (Soundtrack) <br />Universal Music 2000 Producido por: Lynn Fanchtein, Gustavo Santaolalla, Alejándro González Iñárritu, y Anibal Kerpel. Canción: "Me van a matar"<br /><br />Mastretta : Luna de Miel <br />Subterfuge Records España 2000 Producido por: Mastretta Canción: "Luna de Miel"<br /><br />En el país de No pasa Nada (Soundtrack) <br />México 2000 Letra y Música: Julieta Venegas y Francisco Franco Canciones: "Ay" "Lo Que Pedi"<br /><br />En el país de No pasa Nada (Soundtrack) <br />Canta: Julieta Venegas Letra: Liliana Felipe y Jesusa Rodríguez Música: Jacobo Lieberman México 2000 Canción "Mala Leche"<br /><br />El sueño del caimán <br />Director: Beto Gomez 2000 Canción: Mastretta y Julieta Venegas: "El sueño del caimán"<br /><br />Demasiado Amor (Soundtrack) <br />Artecife producciones/BMG Entertainment 2001 Producido por: Artecife producciones/BMG Entertainment, Ariane Films, TVE, Canal +, CONACULTA, FOPROCINE, IMCINE, Hubert Bals Fund, Canela Films, Albares Productions, Fundación Toscano, Sundance Institute. Canción: "Acariciame"<br /><br />Perfume de Violetas (Soundtrack) <br />Opción Sónica México 2001 Producido por: Opción Sónica y Next Millenium Music Canción: Sr.González/Julieta Venegas: "La espera"<br /><br />Mastretta : El Sueño del Caimán (Soundtrack) <br />Subterfuge Records (España) 2001 Canción: Mastretta/Julieta Venegas: "El sueño del caimán"<br /><br />El más grande homenaje a Los Tigres del Norte <br />Fonovisa México 2001 Canción: "La Jaula de Oro"<br /><br />Tributo Soda Stereo <br />BMG Entertainment 2001 Canción: "Disco Eterno"<br /><br />Pedro Guerra : Ofrenda <br />BMG Entertainment 2001 Canción: Pedro Guerra/Julieta Venegas: "Niños"<br /><br />Mexica Divas Vol.3 <br />Opción Sónica México 2001 Producido por: Opción Sónica y Next Millenium Music Canción: "Sería Felíz" (Bostich-Nortec Remix)<br /><br />Mastretta : Música de Automóvil <br />Subterfuge Records (España) 2001 Canción: Mastretta/Julieta Venegas "Música de Atomóvil"<br /><br />Celso Piña y su Ronda Bogotá: Mundo Colombia <br />Peerless MCM México 2002 Producido por: Peerless MCM S.A. de C.V. Canciones: Celso Piña/Julieta Venegas: "Oye" Celso Piña/Julieta Venegas: "La Piragua"<br /><br />Subterra (Soundtrack) <br />Director: Marcelo Ferrari 2003 Canción: Julieta Venegas & Anita Tijoux "Lo Que tú me das"<br /><br />Asesino en Serio (Soundtrack) <br />SUAVERECORDS, S.A. de C.V., México 2003 Producido por: SUAVERECORDS, S.A. de C.V. Canción: Julieta Venegas/Pau Dones(Jarabe de Palo)/El Sonidero Nacional: "El Liston de tu pelo" (Cover de los Ángeles Azules)<br /><br />Maria llena eres de gracia (Soundtrack) <br />Escrita por: Julieta Venegas Producida por: Paco Huidobro, Julieta Venegas, Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman BMG Entertainment México S.A. de C.V. 2004 Canción: "Lo Que Venga Después"<br /><br />Neruda en el corazón (Tributo) <br />2004 Canción: "A callarse"<br /><br />Papito <br />2007 Canción: "Morena mía" con Miguel Bosé<br /><br />Gatos y Palomas <br />2007 Canción: “Suéltame”, co-escrita con Coti<br /><br />Malamarismo <br />2007 Canción: “Tiempo Pa Pensá”, dueto con Mala Rodriguez<br /><br />El Disco de tu Corazón <br />2007 Canción: "Perfecta" dueto con Ale Sergi (voz del grupo argentino, Miranda) Colaboracion de Julieta Venegas<br /><br />El Señor Gonzalez (Retrato Hablado: Canciones Pop 88/07, Vol. 1) <br />2007 Canción: "Postizos"<br /><br />El Apagón <br />2007 Canción:“Olvidalo", voz con Dante Spinetta<br /><br />Kaos <br />2007 Canción: "Gol", voz con Anita Tijoux<br /><br />El Extraño Viaje Revisitado <br />2007 Canción: "Todo Es Mentira" a dueto con Alaska (voz del grupo español, Fangoria)<br /><br />Julieta también ha participado en:<br /><br />"Pobre de Ti" Canta: Cecilia Bastida (Tijuana No) Letra y Música: Julieta Venegas y Alex Guereña Del Álbum: Tijuana No BMG México 1993<br /><br />"Algo Que es Mio" Canta: Ziggy Fratta Coros y Piano: Julieta Venegas Del álbum: Fratta : Romántico Desliz Culebra / B.M.G. México 1993<br /><br />"Búscame un Tiempo" Canta: Ziggy Fratta Acordeón: Julieta Venegas Del álbum: Fratta : Romántico Desliz Culebra / B.M.G. México 1993<br /><br />"Intento respirar" Canta: Ziggy Frattay Julieta Venegas Del álbum: Fratta : Romántico Desliz Culebra / B.M.G. México 1993<br /><br />"Alma Húmeda" Canta: Sasha Sokol Letra y Música (Piano): Julieta Venegas Del álbum: Sasha Sökol 11:11 Sony Music 1997<br /><br />"Postizos" Canta: El Sr. Gonzalez Canta: Sr. Gonzalez Acordeón: Julieta Venegas Del álbum: Sr. Gonzaléz y Los Cuates de La Chamba: Sr. Gonzaléz Opción Sónica. Mulata México 1998<br /><br />"El Final" Canta: El Sr. Gonzalez Voz en Inglés: Julieta Venegas Armonica: Eduardo Dyer Bajo: Ziggy Fratta Guitarra: Fernando Andrade Batería: Alejandro Campero Del álbum: Sr. Gonzaléz y Los Cuates de La Chamba: Sr. Gonzaléz Opción Sónica. Mulata México 1998<br /><br />"No Me Gusta El Sol" Canta: Alvaro Henriquez (Los Tres) Letra y Música: Los Tres Piano Electrico: Julieta Venegas Del álbum: Los Tres : La sangre en el cuerpo Columbia/Sony Music Chile 1999<br /><br />"Infinito" (Video) Canta: Enrique Bunbury Acordeon: Julieta Venegas Del álbum: Enrique Bunbury Pequeño BMG 1999<br /><br />"Voy a perder la cabeza por tu amor Canta: Enrique Bunbury/ Julieta Venegas Del álbum: Enrique Bunbury Pequeño (edición española) BMG España 1999<br /><br />"La Distancia" Canta: Ildia, Julieta Venegas y Francesca Ancarola Letra y Música: Ildia, Julieta Venegas y Francesca Ancarola<br /><br />"Lo Que Mas Quisiera" Canta: Eugenia Leon y Julieta Venegas En vivo en "Al fin de semana"(TV).<br /><br />"Tus Ojos" Canta: Julieta Venegas y Francesca Ancarola Letra y Música: Julieta Venegas y Francesca Ancarola<br /><br /><br /> Homenajes [editar]Neruda en el corazón, <br />Track: "A callarse"<br /><br />XXX: Tributo a José Alfredo Jiménez, <br />Track: "Serenata sin luna"<br /><br />Entre todas las mujeres: voces de mujer cantan a Joaquín Sabina, <br />Track: "Corre, dijo la tortuga"<br /><br />Volcán: Un tributo a José José, <br />Track: "El Triste"<br /><br />Soda Stereo: Tributo, <br />Track: "Disco eterno" Track: "Té Para Tres"<br /><br />Queridos Reyes Magos, <br />Track: "Ya vienen Los Reyes"<br /><br />El más grande homenaje a Los Tigres del Norte, <br />Track: "La jaula de oro"<br /><br />Calamaro querido: cantando al Salmón (Parte 2), <br />Track: "Sin documentos" (track también incluido en el álbum "Limón y sal")<br /><br /><br /> Videclips <br />De Mis pasos <br />Cómo Sé <br />Sería Feliz <br />Hoy No Quiero <br />Me Van A Matar <br />Andar Conmigo <br />Lento <br />Algo Está Cambiando <br />Oleada <br />Me Voy <br />Limón y sal <br />Eres Para Mi <br />Primer DíaUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-26501536846767049362007-12-20T05:20:00.001-08:002007-12-20T05:22:03.310-08:00JUAN CARLOS 1biografía<br /><br />Previa al reinado<br /> <br />Nacido Juan Carlos Alfonso Víctor María de Borbón y Borbón-Dos Sicilias, Juan Carlos I es nieto de Alfonso XIII e hijo del matrimonio habido entre Don Juan de Borbón, conde de Barcelona y de María de las Mercedes de Borbón y Orleans, Princesa de las Dos Sicilias. El Rey nació en Roma (Italia) durante el exilio de la Familia Real, ausente de España desde la proclamación de la República en 1931. Fue bautizado en la capilla de la Orden de Malta por el cardenal secretario de Estado de la Santa Sede, Monseñor Eugenio Pacelli, futuro papa Pío XII. Su abuela paterna, la reina Victoria Eugenia fue la madrina y su abuelo materno, Carlos de Borbón y Borbón, príncipe de las Dos Sicilias e Infante de España, el padrino.<br /><br />En una entrevista celebrada el 25 de agosto de 1948 entre Franco y el Conde de Barcelona, se acordó que el príncipe se trasladaría a España para cursar allí sus estudios. A los diez años de edad Juan Carlos pisó por primera vez el suelo español.<br /><br />Según lo acordado, cursó en Madrid el Bachillerato. Posteriormente realizó su instrucción militar en la Academia General Militar de Zaragoza (1955-1957), en la Escuela Naval Militar de Marín en Pontevedra (1957-1958) y finalmente en la Academia General del Aire de San Javier (Murcia) (1958-1959). Durante las vacaciones de Semana Santa de 1956, en la residencia familiar de Estoril, Juan Carlos, que ya tenía 18 años cumplidos, mataría accidentalmente a su hermano menor, Alfonso, de un disparo en la cabeza mientras jugaban con un revólver (según algunos, regalo de Franco[sin referencias]). El hermano mayor de don Juan y tío de Juan Carlos, Jaime de Borbón, arrepentido de haber renunciado a sus derechos sucesorios, solicitaría más tarde una investigación en profundidad, al considerar que tal suceso podía afectar a la línea sucesoria.<br /><br />En 1962 se casó con la princesa Sofia de Grecia y Dinamarca. Fruto de este matrimonio nacieron tres hijos: la infanta Elena (Duquesa de Lugo), la infanta Cristina (Duquesa de Palma de Mallorca) y el infante Felipe. Al ser proclamados Juan Carlos y Sofía Reyes de España, Felipe se convirtió en Heredero de la Corona y asumió el título de Príncipe de Asturias, dado que los derechos de sucesión en el Trono se transmitieron con preferencia del varón sobre sus hermanas aun siendo estas mayores en edad (Pragmática Sanción de 1830).<br /><br />En virtud de la Ley de Sucesión en la Jefatura del Estado del 26 de julio de 1947, fue propuesto como su sucesor a título de Rey, propuesta ratificada por las Cortes Españolas en julio de 1969, ante las que prestó juramento de guardar y hacer guardar las Leyes Fundamentales del Reino y los principios que informan el Movimiento Nacional. La sucesión debía recaer en su padre, Don Juan de Borbón y Battenberg, tercer hijo y heredero del rey Alfonso XIII; sin embargo, la existencia de un movimiento favorable al fin del franquismo y a la restauración de la monarquía liberal en la persona de Don Juan de Borbón (que debería haber reinado con el nombre de Juan III) y las no muy cordiales relaciones de éste con Franco determinaron el salto en la línea de sucesión, y el nombramiento de Juan Carlos como "Príncipe de España", título de nuevo cuño con el que Franco pretendía salvar distancias con respecto a la monarquía liberal. Dicho salto fue aceptado por el príncipe Juan Carlos, creando un conflicto interno en la Casa Real de Borbón. El Conde de Barcelona no renunció oficialmente a sus derechos sucesorios hasta 1977, cuando el reinado de su hijo y el fin del régimen franquista eran ya hechos consumados.<br /><br /><br />Reinado<br /> <br />El rey Juan Carlos I en 2007Juan Carlos I fue el sucesor designado por Franco para la Jefatura del Estado y asumió interinamente este cargo del (19 de julio a 2 de septiembre de 1974 y 30 de octubre a 20 de noviembre de 1975), por enfermedades de Franco; al anunciarse la muerte de éste (20 de noviembre de 1975) juró acatar los Principios del Movimiento Nacional, destinados a perpetuar el Franquismo, no obstante, se basó en ellos para promover el Referéndum para la Reforma Política, con un abrumador apoyo del 94% a favor de la reforma que inició la Transición Española hacia la democracia. Es proclamado Rey de España por las Cortes Españolas como Juan Carlos I de España el 22 de noviembre de 1975 y exaltado al trono el 27 de noviembre con una ceremonia de unción llamada: "Misa de Espíritu Santo" (el equivalente a una coronación) celebrada en la histórica Iglesia de San Jerónimo el Real de Madrid.<br /><br />El 14 de mayo de 1977, su padre, el Conde de Barcelona renunció a sus derechos dinásticos históricos y la jefatura de la Casa Real en la persona de Juan Carlos, una vez que hubo constatado la imposibilidad de acceder personalmente al trono. Con esta renuncia se reanudaba la dinastía histórica.<br /><br /> <br />Estandarte del Rey de EspañaDurante su reinado se aprobó la Constitución Española (27 de diciembre 1978) que define las funciones del Rey, suprimiendo toda participación política de la Corona y convirtiendo España en una Monarquía Parlamentaria de corte europeo occidental.<br /><br />Para información detallada sobre la posición constitucional y funciones del Rey de España, véase el artículo Rey de España.<br /><br />Uno de los momentos más graves a los que ha tenido que hacer frente el rey Juan Carlos I fue el intento de golpe de estado de 23 de febrero de 1981, el conocido como "23-F". Ese día, durante la investidura del candidato a la Presidencia del Gobierno Leopoldo Calvo Sotelo, se produjo la toma del Congreso de los Diputados por parte de fuerzas de la Guardia Civil al mando del teniente coronel Antonio Tejero. Simultáneamente en la Capitanía General de la VI Región Militar (Valencia) el teniente general Jaime Milans del Bosch ocupó las calles de la ciudad con tanques y hubo diversos conatos en otros puntos, tales como la toma de los estudios de Televisión Española en Prado del Rey (Madrid).<br /><br />La intervención televisiva de Juan Carlos I desautorizando el golpe acabó con la insurrección que pensaba contar con el apoyo de la Corona y contribuyó a aumentar su carisma entre sectores políticos que hasta entonces no eran muy afines a la forma de gobierno monárquica. Santiago Carrillo, en aquel momento secretario general del Partido Comunista de España, y quien en 1975 había popularizado refiriéndose al nuevo rey el sobrenombre de "Juan Carlos I, 'el Breve'", declaró al día siguiente del golpe: "Hoy todos somos monárquicos". Después de este conflicto la monarquía quedó definitivamente consolidada.<br /><br /><br />Los gobiernos de España durante su reinado<br /> <br />Juan Carlos I durante una visita oficial a Francia; 7 de octubre de 1993.Carlos Arias Navarro (1974-1976): Presidió las primeras reformas democráticas. Sus continuas desafecciones al ritmo e intensidad de los cambios impulsados por el monarca y su insistencia en preservar el legado del dictador propiciaron finalmente su cese. El 1 de julio de 1976, tras una tensa reunión con el rey, Arias Navarro presentó finalmente su dimisión. <br />Adolfo Suárez González (1976-1981): Apoyado por un grupo de políticos de su generación que habían llegado a las convicciones democráticas por diversos caminos, entre 1976 y 1979, desmontó el régimen franquista mediante la estrategia de las sucesivas y profundas reformas internas estrictamente acordes con la letra de las Leyes del Movimiento. Hitos claves en su periodo fueron la aprobación del Proyecto de Reforma Política y las primeras elecciones generales libres (1977), de las que emergieron unas Cortes constituyentes que redactaron y aprobaron la Constitución Española (1978) aún vigente. Dimitió en 1981 cansado de la creciente presión de los partidos de izquierda y de las tensiones en su propio partido UCD. <br />Leopoldo Calvo-Sotelo y Bustelo (UCD) (1981-1982): Durante su mandato, la decisión más relevante fue la adhesión de España a la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), que fue muy disputada por la oposición dirigida por el Partido Socialista Obrero Español. En su corto periodo se abortaron las últimas intentonas golpistas. <br />Felipe González Márquez (PSOE) (1982-1996): Los hechos más destacables de su larga presidencia fueron el cambio de opinión en lo referente a la permanencia en la OTAN, revalidada por un referéndum en 1986, el ingreso en la Unión Europea y la celebración de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Su profunda modernización económica y social apoyada por sucesivas mayorías absolutas se vio empañada en sus últimos años por una profunda crisis económica, un estado de corrupción generalizado y su posible, aunque no demostrada, implicación en el GAL, una trama de terrorismo de estado contra ETA. En lo referente a sus relaciones con el monarca la percepción externa es que fueron bastante cordiales, aunque ocurrieron hechos puntuales como un escándalo de espionaje ilegal a diversas figuras entre las que se encontraba el Rey. <br />José María Aznar López (PP) (1996-2004): Su política se caracterizó por éxitos económicos: déficit cero, fuerte creación de empleo privatizaciones y crecimiento sostenido por encima de todos los países de su entorno, lo que le permitió cumplir los criterios de convergencia con el euro. Los principales hitos de su presidencia fueron la plena integración de España en la estructura militar de la OTAN, la entrada en vigor del euro como moneda oficial (2002) y el apoyo diplomático a la ocupación de Iraq por EE.UU.. En líneas generales, tanto con Felipe González como con José María Aznar, a medida que la Transición a la democracia iba dejando paso a varias décadas de normalidad democrática, se observaba que el papel político del Rey disminuía. Tres días antes las elecciones de 2004, a las que Aznar había decidido no presentarse, ocurrieron los atentados del 11-M. En esta jornada de luto, el Rey dirigió un discurso a la Nación[1] . <br />José Luis Rodríguez Zapatero (PSOE) (2004-Actualidad) <br /><br />Casa Real<br /><br />Miembros de la Familia Real<br />Artículo principal: Familia Real Española<br />Titular de la Corona: S.M. el Rey Don Juan Carlos I <br />Reina Consorte: S.M. la Reina Doña Sofía <br />Heredero de la Corona: S.A.R. el Príncipe de Asturias Don Felipe de Borbón y Grecia <br />Princesa Consorte: S.A.R. la Princesa de Asturias Doña Letizia Ortiz Rocasolano <br />Infantes de España: <br />S.A.R. la Infanta Doña Leonor <br />S.A.R. la Infanta Doña Sofía <br />S.A.R. la Infanta Doña Elena, Duquesa de Lugo <br />S.A.R. la Infanta Doña Cristina, Duquesa de Palma <br />Consortes Reales: <br />Excmo. Sr. Don Jaime de Marichalar, Duque de Lugo consorte <br />Excmo. Sr. Don Iñaki Urdangarin, Duque de Palma consorte <br /><br />Presupuesto de la Casa Real<br />Artículo principal: Familia Real Española#Presupuesto de la Casa Real Española<br />Los presupuestos generales del Estado contemplan una partida específica para hacer frente a los gastos de la Casa Real. Para el año 2007 se han presupuestado 8,28 millones de euros, a los que se suman otros 5,82 millones por "apoyo a la gestión administrativa de la Jefatura del Estado"[2] . Dicho presupuesto no necesita ser justificado y, por disposición constitucional, es de libre disposición del monarca. Los gastos de la Monarquía, incluyendo la asignación oficial de 8 millones de euros, en la práctica se elevan a casi 25 millones [sin referencias], incluyendo los gastos de desplazamientos, el mantenimiento de bienes muebles e inmuebles de Patrimonio Nacional y el salario de los 130 funcionarios al servicio de la Jefatura de Estado.<br /><br />La cuantía de estos gastos ha sido criticada desde distintos sectores de la izquierda, habiéndose denunciado su presunta opacidad y elevado importe. ERC ha presentado diversas iniciativas y preguntas, que han sido rechazadas por el Parlamento[3] . Se aduce contra estas opiniones que la opacidad es inexistente, ya que los gastos de la Casa Real son aprobados por el Congreso y quedan consignados en los Presupuestos Generales del Estado[4] . Asimismo, la cuantía de los gastos de la Casa Real se encuentra en el mismo rango que el de otras jefaturas de Estado en monarquías constitucionales europeas. La Casa Real Británica tuvo unos gastos (2005-6) de 37'4 millones de libras (55'4 millones de euros)[5] , en tanto que la la asignación anual del Rey de Suecia asciende a 100 millones de coronas (11 millones de euros), y el coste total de la jefatura de estado 20,5 millones de euros, el estado italiano por su parte genera un gasto de 235 millones de euros de sus presupuestos en relación a la presidencia de República. [6] .<br /><br />A finales de agosto de 2007 el Rey decidió nombrar a Óscar Moreno Gil Interventor General de la Casa del Rey. El interventor, que dependerá del Jefe de la Casa, tendrá como función principal el control del gasto en la misma. El nuevo cargo, presente en el resto de instituciones del Estado, es sin embargo inexistente en el resto de monarquías europeas [7] .<br /><br /><br />Títulos<br /> <br />Escudo de Armas del Rey de EspañaJuan Carlos I es:<br /><br />Rey de España, de Castilla, de León, de Aragón, de las Dos Sicilias (referido al Nápoles y Sicilia), de Jerusalén, de Navarra, de Granada, de Toledo, de Valencia, de Galicia, de Mallorca, de Sevilla, de Cerdeña, de Córdoba, de Córcega, de Murcia, de Menorca, de Jaén, de los Algarves, de Algeciras, de Gibraltar, de las Islas Canarias, de las Indias Orientales y Occidentales y de las Islas y Tierra Firme del Mar Océano; <br />Archiduque de Austria; <br />Duque de Borgoña, Brabante, Milán, Atenas y Neopatria; <br />Conde de Habsburgo, Flandes, el Tirol, el Rosellón, y Barcelona; <br />Señor de Vizcaya, y Molina; <br />Etc.[8] <br />Capitán General de las Reales Fuerzas Armadas y su Comandante Supremo; <br />Soberano Gran Maestre de la Insigne Orden del Toisón de Oro; <br />Gran Maestre de la Real y Distinguida Orden de Carlos III <br />Gran Maestre de la Orden de Isabel la Católica <br />Gran Maestre de la Orden de las Damas Nobles de María-Luisa <br />Gran Maestre de la Orden de Alfonso X el Sabio <br />Gran Maestre de las órdenes militares de Montesa, Alcántara, Calatrava y Santiago, así como de otras órdenes militares menores o Condecoraciones Españolas <br />Caballero de la Orden de Javier, la Orden de la Anunciada, la Orden de la Jarretera y Orden del Imperio Británico (desde 1988) <br />Bailío Gran Cruz de Justicia con Collar de la Orden de Constantino y Jorge de Grecia, y Honor y Devoción de la Soberana Orden Militar de Malta; <br />Gran Collar de la Reina de Saba, y la Dinastía de Reza de Irán; <br />Gran Cordón de la Orden Suprema del Crisantemo de Japón; <br />Gran Cruz de la Legión de Honor y de la Orden Nacional de Mérito; <br />Premio Félix Houphouet-Boigny Para la Búsqueda de la Paz de la UNESCO. <br /><br />Notas<br />↑ Discurso del Rey sobre los atentados del 11 de marzo de 2004 alojado en Wikisource <br />↑ Presupuestos Generales del Estado aprobados para 2007. Anexo I. Distribución de los créditos por programas <br />↑ [1], [2] <br />↑ Presupuestos Generales del Estado aprobados para 2007. Anexo I. Distribución de los créditos por programas <br />↑ [3] <br />↑ El Rey, el más barato de los Jefes de Estado europeos <br />↑ La vanguardia El Rey crea la figura de interventor de su casa, que ocupará un experto en derecho administrativo <br />↑ Debido a la gran cantidad de títulos asociados a la Monarquía Hispánica, sólo se escribían los más importantes, terminando la lista con un "etc." o "&c.". Refiriéndose así a títulos secundarios y en desuso. Estos son:<br />Rey de Hungría, Dalmacia y Croacia<br />Duque de Limburgo, Lotaringia, Luxemburgo, Güeldres, Estiria, Carniola, Carintia y Wurtemberg<br />Langrave de Alsacia<br />Príncipe de Suabia<br />Conde de Artois, Borgoña Palatinado, Hainaut, Namur, Gorizia, Ferrete y Kyburgo<br />Marqués de Oristán y Gociano<br />Margrave del Sacro Imperio Romano y Burgau<br />Señor de Salins, Malinas, la Marca Eslovena, Pordenone y Trípoli. <br /><br />Bibliografía<br />Eyre, Pilar. Dos Borbones en la corte de Franco, La Esfera de los Libros, 2005. ISBN 849734393X [4] <br />Preston, Paul. Juan Carlos: A People's King, HarperCollins Publishers Ltd, London, 2004, ISBN :0002556324 (Considerada la biografía fundamental) <br />Tusell, Javier. Juan Carlos I: la restauración de la monarquía. Temas de Hoy, Madrid, 1995. ISBN 8478805893 <br />Zavala, José María. La maldición de los Borbones, Plaza & Janes, 2007. ISBN 8401379695Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-6036879304056726592007-12-20T05:18:00.001-08:002007-12-20T05:18:56.964-08:00JULIÁN MUÑOZBiografía [editar]Cursó estudios de Derecho y Medicina pero se dedicó a la hostelería. Estuvo afiliado al PSOE antes de 1991, cuando entró en política de la mano de Jesús Gil. Fue concejal de Fiestas, primer teniente de alcalde de San Pedro de Alcántara y regidor en funciones tras la dimisión de Jesús Gil por su condena por el Caso Camisetas.<br /><br />El 2 de mayo de 2002 se sienta en el sillón de alcalde con la mayoría absoluta del Grupo Independiente Liberal (GIL). Revalida su cargo en las elecciones municipales de mayo de 2003, conservando el GIL la mayoría absoluta. Sin embargo, en julio de ese mismo año, le embargan temporalmente el sueldo y a finales de ese mismo mes decide cesar de su cargo al gerente de Urbanismo durante toda la época gilista, Juan Antonio Roca.<br /><br />El 13 de agosto de 2003, sale del Ayuntamiento tras prosperar una moción de censura presentada por 8 ex ediles del GIL (ya en el Grupo Mixto), tres ex ediles del PSOE y otros tres del PA[1] .<br /><br />Julián Muñoz ha acumulado, sólo en la Audiencia Provincial de Málaga, en torno a un centenar de causas pendientes relacionadas con el ordenamiento urbanístico y el medio ambiente. Se enfrenta a penas que oscilan entre los 18 meses y los dos años de cárcel por cada asunto. Ya ha sido condenado en dos ocasiones por hechos de este tipo.<br /><br />El 19 de julio de 2006 fue detenido como consecuencia del Caso Malaya en su casa de Marbella, donde convivía con su compañera Isabel Pantoja, e ingresó en prisión a espera de juicio y pendiente de declaración en la Audiencia de Málaga. [2] No solo es sospechoso de cohecho sino de varios delitos mas.<br /><br />El 1 de marzo de 2007, ingresó en un Hospital de Jaén a consecuencia de una crisis coronaria.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-63467395621509852792007-12-20T05:14:00.000-08:002007-12-20T05:15:54.262-08:00ISABEL PANTOJASus comienzos<br />Isabel Pantoja nació el 2 de agosto de 1956 en el barrio sevillano de Triana, en Andalucía (España). Hija de Juan Pantoja, letrista de fandangos perteneciente al grupo Los Gaditanos y de Ana Martín heredera de la pasión del baile. Isabel comenzó su carrera musical a la temprana edad de 6 años en el cuadro flamenco de su primo Chiquetete. De niña recibía el nombre de Maribel. Un año después de comenzar a bailar con Chiquetete es contratada en el tablao flamenco sevillano de El embrujo donde llegaría, en poco tiempo, a ser la primera figura.<br /><br />Con 17 años acude a la capital de España y conoce al que con el tiempo sería su gran maestro y uno de los máximos exponentes de la copla española, el Maestro Solano, quien junto al poeta y letrista Rafael de León componen sus primeros trabajos discográficos. León y Solano encontraron en ella a la heredera de figuras como Imperio Argentina, Juanita Reina o Concha Piquer y decidieron apostar por unas facultades que se encargaron de pulir hasta convertirla en una primera figura. Sus discos más representativos en esta primera etapa son "22 abriles tengo", "Al alimón" y uno compuesto íntegramente por sevillanas titulado "¡Viva Triana!" en el que demuestra su versatilidad en el género.<br /><br /><br />Primeros éxitos. "Marinero de luces"<br />Isabel no tarda en formar compañía propia y durante años cultiva con gran éxito la copla, género en decadencia en aquel momento y cuyo interés en el público consigue resucitar gracias no sólo a su talento sino también a su frescura y a una elegancia inusual a la hora de abordarlo. En esta época alcanza el éxito con temas como "El pájaro verde", "Garlochí" o "El señorito".<br /><br />En 1983 sale a la luz su primer álbum pop: "Cambiar por ti", compuesto por Paco Cepero y que con temas como "En la niebla" o "Nada", además del que daba título al disco, alcanza un éxito formidable logrando diversificar su público. Desde ese momento ha alternado baladas y canciones románticas con la copla, género que jamás ha abandonado y donde demuestra todo su potencial artístico.<br /><br />Uno de sus mayores éxitos discográficos lo alcanza en 1985 con el disco "Marinero de luces" compuesto íntegramente por José Luis Perales y que la convierte en la primera figura de la canción española. En esta época el nombre de Isabel Pantoja comienza a ser sinónimo de éxito y triunfo consiguiendo llenar cualquier aforo y logrando una cantidad de admiradores sencillamente impresionante.<br /><br />Su segundo gran éxito musical lo consigue con el disco "Se me enamora el alma" (1989), también compuesto por Perales y que sirve como confirmación tanto de su categoría como cantante como de su tirón popular´.<br /><br /><br />"Yo soy ésa" (1990)<br />En vistas del éxito, en 1990 protagoniza la película Yo soy ésa, dirigida por Luis Sanz, gran conocedor del mundo del espectáculo en general y de la copla en particular y que había influido decisivamente en la carrera artística de figuras como Rocío Dúrcal o Rocío Jurado. El éxito del film, lo coloca entre las películas más taquilleras de toda la historia del cine español. Todas las canciones, grandes éxitos de la copla de sus antecesoras, fueron recogidas junto a algunas otras en un doble álbum titulado "La Canción Española" que Isabel grabó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres dirigida por Luis Cobos. Es éste sin duda uno de sus mejores trabajos discográficos y sirvió para consagrarla como la tonadillera moderna por antonomasia.<br /><br />Un año después repite en el cine con El día que nací yo dirigida esta vez por Pedro Olea en una película de mayor calidad y gran aceptación también, aunque no logra alcanzar el éxito de la anterior.<br /><br />Con una producción discográfica muy amplia realiza numerosas galas por España y Latinoamérica siendo siempre muy bien recibida por el publico. En abril de 2005, el dúo Pumpin' Dolls produce un disco que consiste en remezclas de baile de los temas más famosos de la cantante.<br /><br />Canciones como "Marinero de luces", "Caballo de rejoneo", "Así fue" o "Veneno" forman parte de la reciente historia de la copla española.<br /><br /><br />Caso Malaya<br />Este artículo o sección se refiere a un acontecimiento en desarrollo.<br />La información suministrada aquí puede cambiar en cualquier momento.<br /><br />Isabel Pantoja fue detenida el 2 de mayo de 2007 a las 23:00 horas, en el marco del Caso Malaya, acusada de varios delitos contra la hacienda pública y de blanqueo de capitales. La gran mayoría de medios se hicieron eco de la noticia nada más conocerse, ofreciendo incluso avances informativos.<br /><br />A las 9:50 del día siguiente, Isabel Pantoja fue conducida a los juzgados de Marbella, donde 3 horas más tarde empezó a prestar declaración delante del juez Torres. Es la detenida número 98 en relación al citado Caso Malaya, a la que se vincula por su relación sentimental con el ex alcalde de Marbella, Julián Muñoz. Quedó libre el 3 de mayo de 2007 tras pagar una fianza de 90.000 euros.[1]Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-85695381134070259182007-12-19T12:28:00.000-08:002007-12-19T12:30:34.308-08:00MARÍA ISABELMaría Isabel López Rodríguez (4 de enero de 1995) es una niña de Ayamonte (Huelva), en España, que ganó en el Festival de Eurovisión Infantil 2004 con la canción Antes muerta que sencilla. Después de su victoria sacó un disco a la venta, con la canción ganadora y otras como No me toques las palmas que me conozco. Sus canciones tienen ritmo flamenco. Tras su éxito sacó una edición especial de su álbum "No me toques las palmas que me conozco" y una conocida editorial le propuso sacar un álbum de cromos con fotos de los mejores momentos pasados por ésta.<br /><br />En su pueblo natal, Ayamonte, la nombraron hija predilecta e hicieron un parque infantil con una escultura en él.<br /><br />Fue la encargada de entregar el trofeo del Festival de Eurovisión Infantil 2005 a la ganadora, Ksenia Sitnik, la participante bielorrusa. En el año 2006 sacó a la venta el disco capricornio y en el año 2007 realizará en Julio, a partir del 16, el rodaje de una película (Ángeles S.A.) en Madrid durante 7 semanas aproximadamente, más tarde trabajará en su 4º disco, el que se piensa que se llamará "boom-boom".<br /><br />Tabla de contenidos <br />1 Discografía <br />1.1 ¡No me toques las palmas que me conozco! <br />1.2 Número 2 <br />1.3 Capricornio <br />1.4 Ángeles S.A <br />2 Enlaces externos <br /> <br /><br /><br /> Discografía <br /> ¡No me toques las palmas que me conozco! [editar]Su gran single fue 'Antes muerta que sencilla', al que le siguieron 'No me toques las palmas que me conozco' y 'La vida es bella'. Llegó al número uno de 15 países como: China, Japón, Alemania, Suecia, Grecia o Francia. Tuvo tanto éxito que crearon una línea de ropa con tejidos como los que nos presenta la pequeña cantante en la portada del CD. Vendió más de 500.000 copias (5 discos de platino).<br /><br /><br /> Número 2 Volvió a llegar al número 1 en España con el single 'Pues va a ser que no' y 'En mi jardín'. El CD incluía una muestra de su colonia, María Isabel Número 2, que se vende en todas las perfumerias del país. Sus más de 200.000 copias vendidas (2 discos de platino) le hicieron consagrarse como una de las artistas infantiles con más ventas en toda la historia de España.<br /><br /><br /> Capricornio El volumen de ventas de su tercér album de estudio bajó hasta las 80.000 copias (1 disco de platino), pero conisguió también el éxito gracias a su single 'De qué vas'.<br /><br /><br /> Ángeles S.A El último CD de Maria Isabel hasta el momento salió el 27 de Noviembre 2007 y en tan sólo dos semanas alcanzó la certificación de disco de oro (40.000 copias vendidas). Su single es 'Cuando no estás', tema principal de la película Ángeles S.A que se estrena el 21 de diciembre y que supondrá el debut de María Isabel en el mundo del cine.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-82448219388640852782007-12-19T12:11:00.000-08:002007-12-19T12:18:43.200-08:00LUDWIG VAN BEETHOVENLudwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770 - Viena, 26 de marzo de 1827), compositor alemán de música académica (o música clásica). Se le considera como el principal precursor de la transición del clasicismo al romanticismo. Su producción incluye los géneros pianístico (32 sonatas), de cámara (16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio) y orquestal (5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta, oberturas...) Parte única de su repertorio lo constituye el genial ciclo de las Nueve Sinfonías, entre ellas: Tercera Sinfonía, también llamada Heroica, en mi bemol mayor, Quinta Sinfonía en do menor, y la Novena Sinfonía, en re menor, cuya música del cuarto movimiento, basado en la Oda a la Alegría de Friedrich von Schiller, ha sido elegida como Himno de la Unión Europea (UE).<br /><br /><br /><br /><br />Tabla de contenidos <br />1 Biografia <br />1.1 Familia <br />1.2 Primeros años de vida (1770-1792) <br />1.2.1 El primer viaje a Viena (1787-1792) <br />1.3 De aprendiz a maestro (1792-1802) <br />1.4 Éxito y sufrimiento (1802-1824) <br />1.4.1 El incidente de Teplitz (1812) <br />1.5 Últimos años en Viena (1824-1827) <br />2 Obra <br />2.1 Sinfonías <br />2.1.1 Primera y Segunda sinfonías <br />2.1.2 Eroica (Tercera) y cuarta sinfonías <br />2.1.3 Quinta y Sexta sinfonías <br />2.1.4 Séptima y Octava sinfonías <br />2.1.5 Novena sinfonía "Coral" <br />2.2 Oberturas <br />2.3 Conciertos <br />2.4 Sonatas para piano <br />2.5 Sonatas para piano y violín <br />2.6 Ópera y música vocal <br />2.7 Cuartetos de cuerda <br />2.7.1 Cuartetos del primer período <br />2.7.2 Cuartetos del período intermedio <br />2.7.3 Cuartetos tardíos <br />3 Algunos comentarios a Beethoven <br />4 Véase también <br />5 Bibliografía <br />6 Películas sobre Beethoven <br />7 Enlaces externos <br /> <br /><br /><br /> Biografia <br /> Familia <br /><br /> Ludwig van Beethoven es hijo y nieto de músicos. Su abuelo paterno, también llamado Ludwig, emigró del país flamenco —al ser su propio padre perseguido por deudas— a temprana edad. El "van" de su nombre no señala nobleza, pues es meramente indicativo del origen geográfico de la familia, supuestamente un pequeño pueblo llamado Betuwe. El abuelo fue director de la orquesta (Kapellmeister) de Bonn, puesto que heredó el padre. Éste, Johann van Beethoven, nacido en 1740, fue también tenor en la Bonner Hofkapelle. Johann se casó con la renata Maria Magdalena Keverich (1746), viuda a los 18 años (se había casado a los 16 y tuvo un hijo que murió tempranamente). El 12 de noviembre de 1767 se casa con Johann van Beethoven. El 2 de abril de 1769 nace el primer hijo, Ludwig María von Beethoven, que moriría seis días después. El 17 de diciembre del año siguiente es bautizado un nuevo hijo de la pareja, el futuro compositor, con el nombre de "Ludwig van Beethoven". María Magdalena tendrá aún cinco hijos más, de los que sólo sobrevivirán dos: Kaspar Anton Karl van Beethoven, bautizado el 8 de abril de 1774, y Nikolaus Johann van Beethoven, bautizado el 2 de octubre de 1776.<br /><br />Los biógrafos no tienen claras las fechas de nacimiento exactas de ninguno de los hijos de María Magdalena Keverich.<br /><br /><br /> Primeros años de vida (1770-1792) [editar]El padre de Beethoven, muy impresionado por Wolfgang Amadeus Mozart quién a los siete años daba conciertos, queria que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comienza a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad. El estudio, sin embargo, coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara piano a los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; ésto causaba que estuviera frecuentemente cansado en la escuela, y a los once años ya era frecuente que la abandonara para practicar.<br /><br />Éstos no eran los únicos problemas. El padre era alcohólico, lo que ocasionaría que perdiera el puesto de director de la orquesta de Bonn —puesto heredado del abuelo Ludwig—, y la madre estaba frecuentemente enferma. Aunque la relación con Johann fuera más bien distante, Ludwig amaba mucho a su madre. Cuando, posiblemente a la edad de cinco años, enfermó de una infección al oído medio, los padres no lo notaron; es posible que nunca curara del todo y la falta de tratamiento ocasionara su posterior sordera [sin referencias].<br /><br /><br /> El primer viaje a Viena (1787-1792) [editar]Beethoven encuentra una vía de escape de la presión familiar en 1787 cuando, con 17 años de edad, marcha a la capital austriaca apoyado por su mecenas, el conde Waldstein, quien sufraga los gastos que demanda el viaje y, lo más importante, le convence de sus posibilidades de éxito. Parece que durante este viaje a Viena, la capital europea de la Música, tuvo lugar un fugaz encuentro con Mozart, sobre el que mucho se ha dicho: al parecer, Mozart no se impresionó al comienzo, pero cuando Beethoven empezó a tocar piano, se acercó sigilosamente a la gente que esperaba y dijo "Recuerden su nombre, ¡éste joven hará hablar al mundo!".<br /><br />Sus ilusiones sufren un duro golpe cuando a las pocas semanas fallece su madre. Entonces se ve obligado a regresar a Bonn. En esta ciudad Beethoven encuentra un cuadro desolador: su padre se haya detenido por su alcoholismo y es incapaz de cuidar a sus hermanos menores. El joven Ludwig asume la responsabilidad y se ve obligado a mantener a sus hermanos y a él mismo tocando el violín con una orquesta y dando clases de piano durante cinco años, mientras que su padre seguía apresado.<br /><br />Ya en esta época le embargan altos ideales. Escribe, en una hoja de album de 1792:<br /><br />"Wohltuhen, wo man kann, (hacer el bien, donde se pueda) <br />Freiheit über alles lieben (amar la libertad sobre todas las cosas) <br />die Wahrheit nie, auch sogar am (la verdad nunca, ni siquiera) <br />Throne,verleugnen" (por un trono, traicionar) <br /><br /> De aprendiz a maestro (1792-1802) [editar]En 1792 el elector de Bonn vuelve a financiar un viaje a Viena, ciudad en la que permanecerá el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la joven Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco es vencido, adquiere notoriedad Napoleón Bonaparte, que se va convirtiendo en un ídolo entre los sectores progresistas. En Viena recibe clases del célebre compositor Haydn (autor de 104 sinfonías) y de Salieri, operista italiano.<br /><br />Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792 durante un viaje con la orquesta de la corte, en éste tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, ocurre el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) donde Daniel Steibelt lo reta a que tocasen juntos. En dicha ocasión Beethoven tomó partituras de una obra de éste modificándolas (al mismo tiempo que las iba tocando) con tanta gracia, que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en Paris.<br /><br />Con 25 años de edad da a conocer sus primeras obras importantes: tres tríos para piano (Opus 1) y tres sonatas para piano, entre éstas, la op. 13, “Patética”, y la op. 27 Nº 2, “Claro de Luna”; además de lo anterior, ofrece su primer concierto público como compositor profesional. Viena acoge su música, en especial la corte, la nobleza y la iglesia. Por esa época se desliga de Haydn, con el que no concuerda musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedica los tres tríos. Secuencialmente recibe clases secretas de Schenk y del organista de la corte Albrechtsberger; deja de escribir para la nobleza y para la iglesia y se establece como compositor independiente. Su música inicial, fresca y ligera, cambia para convertirse en épica y turbulenta, muy acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa.<br /><br />Escribe, en 1819, en una carta al municipio de Viena: "Quiero demostrar que todo el que obra bondadosa y noblemente puede, por lo mismo, sobrellevar el infortunio"<br /><br /><br /> Éxito y sufrimiento (1802-1824) [editar] <br />Beethoven hacia 1804, en la época de la Sonata Appassionata y de Fidelio. Decidido a « agarrar el destino por el cuello », compuso en el periode de 1802 a 1812 una serie de obras brillantes y enérgicas características de su estilo « heroico ».Muy pronto Beethoven dejó de necesitar de los conciertos y recitales de los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Mientras, por un lado, había resuelto sus necesidades económicas, por otro lado vivía asustado por la pérdida de sus capacidades auditivas; debido a ello se entregó a una febril actividad creadora, a la par de sus penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos.<br /><br />Beethoven no llegó a casarse nunca. Se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. Quizá el gran amor de su vida fue Antonie von Birkenstock, casada con Franz Brentano y sobrina del poeta alemán Thomas Von Bullemore quien más tarde le acompañaría con la lírica de su única ópera, Fidelio. Luego todo terminaría mal, rompería con Antonie y por consiguiente su amistad con Thomas. Ya a los 26 años empezó a notar los síntomas de una sordera que más adelante sería total. A pesar de ello siguió componiendo, y las últimas obras fueron terminadas cuando ya se había quedado completamente sordo. Cuando Viena se enteró de su mal, el compositor recibió un golpe en su orgullo y en su situación financiera: los aristócratas no confiarían sus hijas a un sujeto huraño y, además, sordo.<br /><br />La tragedia de su prematura sordera le causó un enorme desánimo (“qué gran humillación experimentaba cuando alguien estaba a mi lado oyendo desde lejos la flauta mientras yo, por el contrario, no podía oír nada… tales situaciones me llevaron al borde de la desesperación y faltó muy poco para que acabara con mi vida. Sólo la fuerza del arte me retuvo") agravado por la muerte de su hermano y su decisión de acoger a su sobrino en contra de la voluntad de su cuñada. En los años comprendidos entre 1810 y 1820 dedicó gran parte de sus energías y su tiempo a la batalla legal para ganar la custodia de su sobrino Karl; esfuerzo que le supuso dejar prácticamente de componer (a pesar de lo cuál cosechó sus dos mayores "éxitos" en esta época). En el testamento del hermano se le establecía a él como tutor de Karl, pero en el lecho de muerte a petición de la cuñada, se estableció una tutoría conjunta. Ludwig, quién aborrecía a su cuñada, tuvo que llevar su causa ante la justicia. Los tribunales ordinarios (recuérdese que su van no era indicativo de nobleza) no le conocían y le costaba hacer valer sus influencias. Además, la relación con su hijo adoptivo no era excelente: constantemente tenía que encontrarle nuevos tutores, ya que tenía conflictos con ellos; y éste escapaba con su madre y peleaba constantemente con el tío.<br /><br />El 22 de diciembre de 1808 Beethoven dio su último concierto en vivo, una maratónica jornada que incluyó el estreno de la Fantasía para piano, orquesta y coro Op. 80, la Quinta y la Sexta sinfonías, el Concierto para piano nº 4 Op. 58, el aria Ah, perfido! y tres movimientos de la Misa latina en sol bemol Op. 86.<br /><br />La preocupación por el dinero, que acompañó a Beethoven desde los días de la infancia en que tuvo que proveer para la familia, le ocupa en este periodo como nunca. Los editores no pueden confiar en él, pues no cumple sus promesas de exclusividad y quiere constantemente más dinero por sus obras. Según su biógrafo, Emil Ludwig, de este periodo no hay ni una sola carta en la que no se trate, al menos tangencialmente, de problemas de dinero.<br /><br />Al vencer en los tribunales con el caso de la custodia, se dedicó a su formación musical de Karl con falsas esperanzas.<br /><br />En 1813 compuso su obra orquestal La Batalla de Vitoria o Sinfonía de la batalla en homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en Vitoria. Esta obra alcanzó gran popularidad y, además de volver verdaderamente famoso al compositor, le procuró grandes ingresos. Sin embargo, él mismo la calificó como "basura" (no diría algo así de ninguna otra obra suya) y hoy está completamente olvidada.<br /><br />Después de 1815, Bonaparte es definitivamente derrotado y el canciller austríaco Metternich instaura un régimen policíaco para impedir rebrotes revolucionarios. Beethoven fue una voz crítica del régimen. En esta época su nombre era muy respetado en el Imperio y en Europa Occidental, sobre todo en Inglaterra, en parte gracias al éxito de La victoria de Wellington. Pero el ascenso de Rossini y la ópera italiana lo colocó en segundo plano.<br /><br /><br /> El incidente de Teplitz (1812) [editar]Elisabeth von Armin (de soltera Brentano), que publicó su correspondencia con Goethe, cuenta en una carta al conde Hermann von Pückler-Muskau cierto suceso que al parecer habría ocurrido en el balneario de Teplitz el verano de 1812, cuando Beethoven y Goethe se encontraban por primera vez. Ambos paseaban por la alameda del balneario y de pronto apareció frente a ellos la emperatriz con su familia y la corte. Goethe, al verlos, se hizo a un lado y se quitó el sombrero. En cambio, el compositor se lo caló todavía más y siguió su camino sin reducir el paso, haciendo que los nobles se hicieran a un lado para saludar. Cuando estuvieron a cierta distancia se detuvo para esperar a Goethe y decirle lo que pensaba de su comportamiento "de lacayo".<br /><br /> <br />El encuentro en Teplitz.Según Elisabeth von Armin, el mismo Beethoven le habría contado esta anécdota. Sin embargo, su veracidad es muy controvertida y hoy existe un cierto acuerdo en considerarla, si no por completo, al menos en buena parte invento de Elisabeth. En su carta a von Pückler-Muskau, le pregunta si le gusta la historia, "Kannst Du sie Brauchen?" ("¿Puedes utilizarla?"). Von Armin, sin embargo, decide utilizarla ella misma y en 1839 publicó, en la revista Athenaum una carta, supuestamente de Beethoven, en la que éste contaba la anécdota. El original de esta carta no apareció nunca, sólo la copia; y algunos detalles (como la fecha) indican que Beethoven no la escribió nunca, o al menos no tal como fue transcrita.<br /><br />Independientemente de su autenticidad, el incidente encantó a la sociedad vienesa, que lo creyó verdadero durante mucho tiempo.<br /><br /><br /> Últimos años en Viena (1824-1827) [editar] <br />Beethoven maduroBeethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los "cuadernos de conversación", que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena Sinfonía, ejecutada en 1824. En los tres años finales se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la grandiosa Missa Solemnis.<br /><br />La salud del maestro decayó inexorablemente durante su estancia en Gneixendorf, a pesar de los cuidados de su familia. Su hermano Nikolaus recordaba: "Al almuerzo comía únicamente huevos pasados por agua, pero después bebía más vino, y así a menudo padecía diarrea, de modo que se le agrandó cada vez más el vientre, y durante mucho tiempo lo llevó vendado". Tenía edemas en los pies y se quejaba continuamente de sed, dolores de vientre y pérdida de apetito.<br /><br />El 1 de diciembre de 1826 Beethoven y Karl parten para Viena. La premura de la decisión determinó que carecieran de un transporte adecuado y solamente pueden conseguir un viejo carromato descubierto. El viaje resulta catastrófico para una persona en el estado en que se encontraba: Beethoven lleva ropa de verano y se ve obligado a pasar la noche en una taberna de su mejor amigo de la aldea donde la habitación no tenía calefacción ni persianas que lo protegieran del frío. Hacia la medianoche sufre un escalofrío febril y comienza una tos seca acompañada de sed intensa y fuertes dolores en los costados. Estando así, el maestro bebe grandes cantidades de agua helada que sólo agravan su condición. Sin embargo, logra recuperarse de su crisis gracias a la atención del doctor Wawruch y llegar a la capital.<br /><br />El 20 de diciembre se le extrajeron fluidos abdominales. Karl permaneció durante todo el mes a su lado hasta su incorporación, en enero, a su regimiento. El joven se había reconciliado totalmente con su tío tras el lamentable episodio del suicidio: "Mi querido padre: Vivo satisfecho y sólo me pesa verme separado de ti".<br /><br />Casi en la miseria, a pesar de tener una gran fortuna en acciones de banco —que se negaba a gastar por ser para la herencia de Karl—, escribió a sus amigos en Londres para pedir algún dinero. La respuesta llegó de inmediato, junto con doscientas libras esterlinas prestadas incondicionalmente. Cuando se difundió en Viena el estado terminal de Beethoven, todos sus antiguos amigos que aún vivían acudieron a su domicilio de la Schwarzspanierhaus para expresarle sus deseos de una pronta recuperación, aunque en realidad su propósito era despedirse del envejecido genio.<br /><br />A pesar de los cuidados de su médico y el cariño de sus amigos, la salud del maestro empeora. Esos últimos días le acompaña Schubert, quien en realidad no se atrevió a visitar al maestro, pero un amigo de ambos le mostró al moribundo las partituras de sus Lieder, que Beethoven tuvo aportunidad de admirar: "La chispa divina brilla en él", dijo; recordando el comentario que sobre él hiciera Mozart y haciendo el cumplido que no hiciera a ningún otro músico. El 20 de marzo escribe: "Estoy seguro de que me iré muy pronto". Y el 23, entre los estertores del moribundo, exclama: "Aplaudid amigos, comoedia finita est ("La comedia ha terminado"). Esa misma tarde tomó la pluma para designar a su sobrino Karl legatario de todos sus bienes.<br /><br />Al día siguiente, 24 de marzo, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico. Cabe señalar que las creencias personales de Beethoven fueron muy poco ortodoxas. Esa misma tarde entra en coma para no volver a despertar hasta dos días más tarde. Nikolaus Johann, su cuñada (a quien detestaba) y su admirador incondicional Hüttenbrenner (a quien apenas conocía) le acompañaron al final: sus pocos amigos habían salido a buscar una tumba. Sus últimas palabras fueron dirigidas al vino del Rin que llegó después de mucho esperar el encargo, que se esperaba surtiera buenos efectos sobre la salud del músico renato: "Demasiado tarde, demasiado tarde..." Hüttenbrenner relata los últimos momentos del genio: "Permaneció tumbado, sin conocimiento, desde las 3 de la tarde hasta las 5 pasadas. De repente hubo un relámpago, acompañado de un violento trueno, y la habitación del moribundo quedó iluminada por una luz cegadora. Tras ese repentino fenómeno, Beethoven abrió los ojos, levantó la mano derecha, con el puño cerrado, y una expresión amenazadora, como si tratara de decir: " ¡Potencias hostiles, os desafío!" Cuando dejó caer de nuevo la mano sobre la cama, los ojos estaban ya cerrados..." Esa noche nevó.<br /><br /> <br />Funeral de BeethovenAsistieron al entierro más de 20.000 personas, entre las que se encontraba Schubert, gran admirador suyo. En su escritorio de trabajo se encontró el Testamento de Heiligenstadt, redactado en 1802, en donde explica a sus hermanos el porqué de su profunda amargura. También se encontró una desgarradora carta de amor dirigida a su “amada inmortal” a la que llama “mi ángel, mi todo, mi mismo yo”. La identidad de esta dama sigue generando discusiones hasta el día de hoy, aunque la mayoría de las tesis apuntan a la propia Antoine.<br /><br /> <br />Tumba de BeethovenRecientemente se ha desatado cierta controversia sobre las causas de la muerte. El análisis de un mechón de su cabello dio como resultado la existencia de altas concentraciones de plomo. Aparentemente Beethoven ingería agua contaminada con plomo, que se extraía de un arroyo campestre creyendo que tenía propiedades curativas. Ultimas investigaciones señalan que fue por el plomo de los vasos que usaba para beber vino, pues era alcoholico.<br /><br /><br /> Obra [editar]En su prolífica trayectoria musical, Beethoven dejó para la posteridad un importante legado: nueve sinfonías, una ópera, dos misas, tres cantatas, treinta y dos sonatas para piano, cinco conciertos para piano, un concierto para violín, un triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, dieciséis cuartetos de cuerda, una gran fuga para cuarteto de cuerdas, diez sonatas para violín y piano, cinco sonatas para violonchelo y piano e innumerables oberturas, obras de cámara, series de variaciones, arreglos de canciones populares y bagatelas para piano.<br /><br /><br /> Sinfonías [editar]Beethoven proyectó siempre la composición de sinfonías en pareja.<br /><br /><br /> Primera y Segunda sinfonías [editar]Beethoven había cumplido los 30 años de edad cuando presentó su Primera Sinfonía (Op. 21), fascinando a sus contemporáneos por su frescura y originalidad. Mucho se ha hablado de su original inicio, pues la obra arranca con un acorde distinto a la tonalidad principal de do mayor. En todo caso, ésta era una de las rúbricas del viejo Haydn. En 1803 da a conocer la Segunda Sinfonía en re mayor (Op. 36), cuya alegría contrasta con la tristeza que vivía el autor. La influencia haydniana se deja sentir en estas composiciones de juventud.<br /><br /><br /> Eroica (Tercera) y cuarta sinfonías [editar]Dos años más tarde, Beethoven rompe todos los moldes clásicos con su Tercera Sinfonía en mi bemol mayor (Op. 55). Esta sinfonía contiene una de las anécdotas más interesantes de su vida: admirador de Napoleón, el músico de Bonn le consideraba un liberador de los privilegios de las coronas europeas, por lo que fue bautizada originalmente "Bonaparte". Sin embargo, al enterarse de la coronación de Napoleón como Emperador, Beethoven tachó el encabezado y lo cambió por el nombre definitivo: Sinfonia eroica, composta per festeggiare il sovvenire d'un grand'uomo (Sinfonía Heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre). Esta sinfonía dura dos veces más que cualquier otra de la época, la orquesta es más grande y los sonidos son claramente anunciadores del Romanticismo. La obra se compone de un primer movimiento (Allegro con brío) de una duración aproximada de 20 minutos: hasta esa fecha no se había compuesto un movimiento sinfónico tan extenso. Del II movimiento, una "Marcha fúnebre" (Adagio assai), se ha dicho que al enterarse de la muerte de Napoleón, Beethoven comentó "Yo ya escribí música para este triste hecho". El III movimiento es un agitado Scherzo (Allegro vivace), en el que se recrea una escena de caza; destaca el uso de las trompas. El Finale (Allegro molto) evoca una escena de danza y es apoteósico, con una gran exigencia de virtuosismo para la orquesta.<br /><br />La siguiente sinfonía es muy diferente. La Cuarta Sinfonía en si bemol mayor (Op. 60), 1806 recupera la frescura de sus dos primeras composiciones sinfónicas. En el IV movimiento se muestra una de las características del genio de Bonn: el virtuosismo que demanda de los intérpretes. El Finale de la Cuarta es muy exigente para el fagot. Esta sinfonía ha sido, según algunos críticos, injustamente relegada al lado de sus excepcionales antecesora y sucesora: "La grácil criatura griega en medio de dos gigantes germánicos".<br /><br /><br /> Quinta y Sexta sinfonías [editar] <br />Portada de la Quinta sinfoníaEn 1808, Ludwig Van compone la colosal Quinta Sinfonía (Op. 67). Esta sinfonía en Do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico significaban "la llamada del destino". El II movimiento es un hermoso tema con variaciones. El III movimiento, Scherzo, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los metales con una forma derivada de la "llamada del destino"; un pasaje tejido por los pizzicati de las cuerdas se encadena sin pausa con el triunfal IV movimiento, Allegro. La Coda es memorable. Los románticos admiraron mucho esta obra y las tres corcheas con una negra del inicio (¿quién no las ha escuchado?) son quizá la firma más personal de Beethoven.<br /><br />Simultáneamente compuso la Sexta Sinfonía en fa mayor, conocida como Pastoral (Op. 68). Es difícil imaginar dos obras tan distintas: toda la fuerza y violencia de la Quinta se convierten en dulzura y lirismo en la Sexta, cuyos movimientos evocan escenas campestres. Es el mayor tributo dado por Beethoven a una de sus grandes fuentes de inspiración: la Naturaleza. Es también su única sinfonía en 5 movimientos (todos con subtítulos: Escena junto al arroyo, Animada reunión de campesinos, Himno de los Pastores, etc.), tres de ellos encadenados (es decir, que Beethoven elimina las habituales pausas entre segmentos sinfónicos). Como nota curiosa señalemos que Walt Disney ilustró esta obra en uno de los números de su película Fantasía. Para los puristas fue un sacrilegio añadir imágenes a la música beethoveniana.<br /><br /><br /> Séptima y Octava sinfonías La Séptima Sinfonía en La mayor (Op. 92) aparece en 1813; el sordo maestro se empecinó en dirigirla en su estreno, con tragicómicos resultados. Pero la crítica reconoció una nueva genialidad de Beethoven; aún hoy hay expertos que la consideran como la mejor de sus sinfonías. Richard Wagner, otro ferviente beethoveniano, calificaría a la Séptima como la “apoteosis de la danza” por su implacable ritmo dancístico y notable lirismo, particularmente hondo en su célebre segundo movimiento. Es una obra de gran potencia. Al año siguiente, 1814, Beethoven concluye la Octava Sinfonía en Fa mayor (Op. 93), cuya brevedad (poco más de 20 minutos) no eclipsa la compleja elaboración que a esta altura había dejado patente. Es su sinfonía más alegre y desenfadada. Alguno la ha llamado: "la Octava de Beethoven... y la última de Haydn". La Octava parece un grato adiós al mundo clásico, definitivamente superado por él. El genio dejará pasar diez años para cerrar su ciclo sinfónico con una obra maestra total.<br /><br /><br /> Novena sinfonía "Coral" En 1824, por último, Beethoven se consagra con su Novena Sinfonía “Coral” (Op. 125). Su orquestación y duración es superior a la de la Eroica. Su deslumbrante final incluye el uso de la voz humana, con 4 solistas y coro mixto que cantan en alemán los versos de Friedrich von Schiller: Alegría, hermosa chispa divina,/ hija del Eliseo,/ ebrios de entusiasmo entramos,/ ¡oh diosa! a tu santuario... Esta obra, mundialmente famosa y objeto de un sinfín de arreglos y versiones, ha sido declarada recientemente Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO. El último movimiento de esta sinfonía fue adoptado en 1972 por el Consejo de Europa como su himno y en 1985 fue adoptado por los jefes de Estado y de Gobierno europeos como himno oficial de la Unión Europea.<br /><br /><br /> Oberturas Las 10 oberturas de Beethoven son piezas cortas que, posteriormente, serían ampliadas y trabajadas para su incorporación en obras mayores. En el fondo es música compuesta para musicalizar ballets (Las criaturas de Prometeo) y obras de teatro: Coriolano de Shakespeare, Egmont de Goethe, etc. Se trata de composiciones cerradas y uniformes que expresan emociones e ideas llenas de heroísmo. El tema de la libertad está muy presente en este apartado de la producción del músico de Bonn. Por ejemplo, la obertura “Coriolano” (Op. 62) ilustra musicalmente el drama homónimo de Shakespeare basado en el héroe que tiene que escoger entre la libertad de conciencia y su lealtad a las leyes romanas;, “Leonora Nº 3” (Op. 72a), por su parte, es la mejor de las cuatro oberturas escritas para la ópera “Fidelio”. De idéntica valía son “Las Criaturas de Prometeo” (Op. 43) y “Egmont” (Op. 84), siendo esta última un buen ejemplo de la típica composición “beethoveniana”, que se puede definir como “música vigorosa que empieza de forma fragmentaria, cobra un componente épico a medida que avanza y finaliza en apoteosis”.<br /><br /><br /> Conciertos Cada concierto de Beethoven es distinto, y en ello radica gran parte de su encanto y atractivo para los intérpretes y público. Beethoven desarrolla una escritura pianística de gran virtuosismo (recordemos que él mismo fue un gran virtuoso en su juventud). Quizá el más famoso sea el Concierto para piano no. 5 “Emperador”, de 1809, en donde el virtuosismo y el sinfonismo se combinan a la perfección. Es una composición épica ("sinfonía con piano" la han llamado algunos) que tiene un originalísimo arranque y soberbias cadencias. El origen del sobrenombre del Concierto Nº 5 (Emperador) se debe a que durante una de sus interpretaciones más tempranas, un soldado francés que se encontraba en el público, maravillado por el virtuosismo del concierto, se habría levantado gritando "es el emperador", en alusión a Napoleón.<br /><br />El Primer y Segundo Conciertos para piano destacan por su concepción alegre, mientras que el Concierto para piano Nº 3, de 1801, de tono serio, es de una amplitud y calidad incomparables. Por su parte, el Concierto para piano nº 4 , Op. 58, de 1808, apuesta por la profundidad lírica y ha sido considerado, por Emil Ludwig, como el "mejor concierto para solo instrumento jamás compuesto". En cuanto a los conciertos en los que participan más instrumentos, hay que señalar el Concierto para violín y el Triple Concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta, en donde Beethoven sustituye el sinfonismo por un entretenimiento muy del gusto de la época, dado a resonancias algo exóticas: Rondó alla polacca es su rítmico tercer movimiento.<br /><br />Beethoven también compuso una Fantasía para piano, orquesta y coro, Op. 80, que se trata sin duda de una de las obras más asombrosas del repertorio de la música clásica, siendo una triple fantasía: comienza el piano solo, se le une la orquesta y, cerca del final, hace su entrada el coro —un esquema similar al de la Novena Sinfonía—.<br /><br />El único Concierto para violín, Op. 61 (que cuenta además con una transcripción para piano, obra del mismo Beethoven, Op.61b, que cuenta con unas sonoridades y riqueza extraordinarias) fue en su tiempo una obra controvertida que atrajo poca atención en su estreno, con el violinista Franz Clement en la parte solista. Fue solo en 1850, de la mano del violinista Joseph Joachim, amigo de Brahms, que el Concierto alcanzó notoriedad. La explicación de esta demora en imponerse es lo complejo de su interpretación, que hizo que pocos violinistas se atreviesen a tocarlo por años, argumentando que la participación del violín a la par con la orquesta les restaba protagonismo, lo que se unía a la fuerte exigencia de Beethoven. Hoy por hoy es una de las obras cumbre del repertorio violinístico, consideradas como los hitos que señalan la madurez que requiere un violinista para hacer carrera internacional. Dentro de esta categoría de obras para violín y orquesta deben incluirse además dos breves Romanzas para violín y orquesta.<br /><br /><br /> Sonatas para piano <br />Sonata para piano Op. 109, HammerklavierSus 32 sonatas conforman el ciclo más extenso, complejo y difícil de la historia del pianismo universal. En ellas se manifiesta la personalidad revolucionaria y de transición de Beethoven, y el compositor se sitúa como el más destacado de la forma sonata del periodo comprendido entre Clasicismo y Romanticismo. Fiel a la forma sonata, el gran maestro se permite más de una innovación: sonata de dos (Op. 111), cuatro (Op. 109) o cinco movimientos, temas con variaciones, fugas, scherzos, etc.<br /><br />Estas sonatas presentan nuevas sonoridades, audaces experimentos, y queda encerrado el mundo interior del compositor y también el recién llegado lenguaje expresivo de la revolución romántica. En la temprana Patética, en la tempestuosa Appassionata, en la brusca y laberíntica Hammerklavier, en las últimas sonatas Op. 110 y 111, el compositor llega a las fronteras de la exposición pianística, que serán alcanzadas en el op.120. Beethoven fue uno de los compositores que más exigió a los constructores de piano a mejorar la sonoridad y resistencia de los pianofortes decimonónicos.<br /><br />El inadecuado entrenamiento que tuvo Beethoven en sus primeros años de estudios musicales se refleja en las tres sonatas para piano escritas en 1783. El piano súbito, los repentinos arranques, las figuras de arpegios (ejecutadas a altas velocidades en varias octavas de forma ascendente o descendente) conocidas como los "cohetes de Mannheim", son características de la personalidad musical y sentimental de Beethoven. Él es el primero en usar el acorde de novena sin preparar, y que se puede observar en el primer movimiento de su sonata op. 27 N° 2 "Claro de Luna", dedicada a otro de los grandes amores de su vida, la Condesa Giulietta Guicciardi.<br /><br />Las sonatas para piano de Beethoven transportaron la música a un nuevo orden. En las del op. 2, se advierte un aliento y un dominio estructural que rompían con la elegancia dieciochesca. Después de 1800, Beethoven empezó a desarrollar el género con proyecciones románticas. La Sonata op. 22, en Si bemol mayor, es la última sonata del primer período de composición, la cual Beethoven declaró como su sonata preferida. La op. 26 en La bemol, Hammerklavier (la primera que compuso desde el comienzo del nuevo siglo), se abre con un tema lento con variaciones, sigue con un scherzo temerario y vertiginoso, una marcha fúnebre "a la muerte de un héroe" y concluye en un final que es un torbellino. A ésta le siguieron las dos sonatas Quasi una fantasía op. 27 (a la segunda se la suele llamar Claro de Luna) que formalmente son cualquier cosa, menos convencionales. Los siguientes hitos de su composición pianística coincidieron con la gran crisis que le produjo el agravamiento de su sordera. La brillante Waldstein (el apellido del conde dedicatorio, más conocida por Aurora en los países hispanófonos) y la arrolladora Appasionata fueron de concepción tan revolucionaria, que hasta el propio Beethoven se abstuvo de escribir para piano solo, durante algunos años. Pero la cima de su pianismo son las cuatro últimas de las treinta y dos sonatas, desde la Op. 106, Hammerklavier —que es frecuentemente referida como "sinfónica", por sus cuatro movimientos y—, hasta la op. 111 en Do menor, la tonalidad de la que se valía para su música "Sturm und Drang", como por ejemplo, su Quinta Sinfonía. Las sonatas exigían un virtuosismo pianístico sin precedentes hasta entonces y eran prácticamente intocables en la época. Liszt fue quien demostró que era "tocable".<br /><br /><br /> Sonatas para piano y violín Destacan también las diez sonatas para violín y piano, en especial la Nº 9, Kreutzer, Op. 47, conocida por las exigencias que presenta para la parte del violín. Está dedicada a Rodolphe Kreutzer, conocido violinista de la época. Así mismo, la sonata Nº 5, conocida como Frühling (Primavera) y la Nº 10 gozan de gran popularidad.<br /><br /><br /> Ópera y música vocal El genio de Beethoven se centró sobre todo en la música orquestal, compaginándola con la música de cámara y para piano. También intentó desarrollar obras vocales, aunque con suerte muy diversa. Por ejemplo, su única ópera escrita, “Fidelio”, revisada desde 1805 hasta 1814, fue un fracaso el día de su estreno. El genial músico tuvo que esperar hasta la primavera de 1814 (23 de mayo) para ser aclamado entusiásticamente por un público enfervorizado. La nueva versión representaba para el público más que la recreación de los principios del Iluminismo, como fue su primer objetivo en 1805, la celebración de las victorias sobre Napoleón y como una alegoría de la liberación de Europa. Fue entonces cuando, ruborizado ante tales muestras de apoyo y cariño del público, escribió en su libro de conversaciones: "Es evidente que uno compone más bellamente cuando lo hace para el gran público." Se trataba, sin duda, del mismo compositor que había gritado al editor, tras el desastre de su primer Fidelio: "No compongo para la galería, que se vayan todos al infierno", nueve años antes.<br /><br />Lo cierto es que Beethoven no mostraría particular interés en escribir óperas. Un proyecto largamente conversado con Goethe para transformar en ópera el Fausto no llegaría jamás a concretarse por razones desconocidas hasta hoy. Sin embargo, algunos autores, basados principalmente en anotaciones del propio Beethoven, han descrito algunas de sus sinfonías como "óperas encubiertas"; tal carácter ha sido asignado tanto a la "Sexta Sinfonía" como a la "Tercera Sinfonía".<br /><br />La celebrada Missa solemnis, escrita en 1818, su segunda obra para la iglesia católica, es un canto de fe a Dios y a la naturaleza del hombre. Es una de sus obras más famosas, compuesta por encargo de su alumno, el archiduque Rodolfo, nombrado en esa época arzobispo de Olomouc.<br /><br />La Missa solemnis provocó no pocos problemas a Beethoven. La obra fue estrenada parcialmente junto con la Novena sinfonía. La versión definitiva sólo sería conocida por completo después de su muerte.<br /><br />Otras obras corales de Beethoven son la Fantasía para piano, coro y orquesta (Op. 80), la Misa en Do mayor, Latina, (Op. 86), así como numerosos lieder, arias, coros y cánones, un ciclo de melodías, una cantata y el oratorio Cristo en el monte de los Olivos, en 1803, así como el famoso Presto de la Novena sinfonía.<br /><br /><br /> Cuartetos de cuerda <br />Portada del Cuarteto Op. 130, Nº 13Hablar del ciclo de los 17 cuartetos de cuerda beethovenianos, es hablar posiblemente del ciclo camerístico más trascendente de la historia musical. Hay algunos críticos musicales que incluso opinan que este género desarrollado por Beethoven es más representativo que el de las sonatas para piano y el de las sinfonías. Ciertamente, Beethoven murió componiendo cuartetos... (eterno perfeccionista, los seguía revisando en el lecho de muerte).<br /><br />En los cuartetos hallamos, una vez más, el desarrollo de Beethoven a través de sus "tres estilos": los primeros cuartetos, fieles a Haydn, el segundo período dominado por los llamados "Cuartetos Rusos", compuestos por encargo del aristócrata Razumovski; pero los más significativos son los seis finales, compuestos entre 1824 y 1827, es decir, correspondientes a la última etapa, la algunas veces llamada "esotérica". La importancia del género en Beethoven rebasa los límites del Romanticismo, al grado de que sus últimas obras son una genial anticipación estilística y técnica que habrá de influir en Dmitri Shostakovich, Bela Bartók y en la Segunda Escuela de Viena de inicios del siglo XX; los cuartetos nos muestran al Beethoven más profundo y original. Es obligado un estudio a fondo de dicho ciclo para comprender al Beethoven más revolucionario.<br /><br /><br /> Cuartetos del primer período [editar]El op. 18 constituye el primer esfuerzo importante de Beethoven en este complejo género musical y engloba 6 obras dedicadas a su maestro, Joseph Haydn: Aunque evidentemente aquí encontramos todavía evidencias de los trabajos anteriores de Mozart y Haydn, ya hay un deseo de mostrar la originalidad que se verá plasmada en sus trabajos posteriores, como el movimiento final del cuarteto no. 6 en Si bemol Mayor, “La malinconia”, el cual es una introducción lenta que casi rebasa los limites tonales para luego dar paso al rondo concluyente.<br /><br /><br /> Cuartetos del período intermedio [editar]En el periodo medio ya contemplamos a un Beethoven maduro, plenamente consciente de su poderío como creador y artista, pero sumido en la lucha contra la sordera.<br /><br />La primera parte de este período medio se constituye con el poderoso opus 59 "Razumovski", constituido por tres cuartetos. Varios críticos musicales han tratado de ver un ciclo en este grupo de piezas dedicadas al conde Razumovski, el cual le proporcionó a Beethoven acceso a diversas melodías rusas como motivo de inspiración, aunque esto no condujo a una influencia definitiva. Hay varios motivos para creer que el punto de vista cíclico es cercano a la realidad, tomando en cuenta que el primer movimiento del primer cuarteto es una especie de síntesis de la forma sonata y que justamente el último del tercero es una compleja fuga, la cual tiene bastantes elementos de herencia con respecto al movimiento final de la Sinfonía Júpiter de Mozart, aunque el desarrollo estilístico del cuarteto está, como es natural, mucho más desarrollado que el de dicha sinfonía.<br /><br /><br /> Cuartetos tardíos [editar] <br />Sello postal de la República Federal Alemana conmemorando 200 años de su natalicioLos últimos cuartetos y la Grosse fugue (Gran fuga) trascienden el romanticismo; son considerados, por muchos, como el verdadero legado musical de Beethoven por su complejidad melódica, armónica y de ejecución. En la época de su estreno no fueron bien recibidos, pero cuando le comentaron al compositor que la Grosse fugue había causado el rechazo general, éste respondió "No importa, no la compuse para ellos, sino para el futuro". Sin embargo, Beethoven consintió a quitarla del cuarteto Op. 130, del que inicialmente formaba parte (ahora la pieza lleva por número de opus el 133) y compuso un nuevo final para este cuarteto.<br /><br />Llaman especialmente la atención el Allegro del cuarteto Nº 12 y la Canzona di ringraziamento, del Nº 13, que Beethoven compuso después de una convalecencia que casi le costó la vida, a modo de himno, como dice su nombre, de "agradecimiento".<br /><br />Hasta el día de hoy, la Grosse fugue es raramente interpretada, por la dificultad que entraña tanto para los músicos como para los oyentes.<br /><br />Sin embargo, los cuartetos tardíos ejercieron una enorme influencia en las generaciones posteriores de músicos, al punto que el ciclo de los seis cuartetos de Béla Bartók es considerado, a menudo, como un gran tributo a la obra tardía beethoveniana. Hoy son profundamente valorados como parte del repertorio de las más complejas y grandiosas obras musicales jamás compuestas.<br /><br /><br /> Algunos comentarios a Beethoven [editar]"Este sordo escuchaba al infinito" (Víctor Hugo). <br />"Hizo estallar una carga tan profunda de pensamiento y pasión que el mundo vibra todavía con la explosión" (Schlaffer). <br /><br /> Véase también [editar]Composiciones de Beethoven <br />Catálogo completo de las obras de Beethoven <br />La carta a la Amada Inmortal <br /><br /> Bibliografía [editar]Beethoven, Emil Ludwig, ISBN 84-261-1830-5. <br />Vida de Beethoven, Romain Rolland. <br />Enciclopedia Salvat de los Grandes Compositores, Tomo 2: Beethoven. <br />George Grove, Beethoven and his Nine Symphonies. <br /><br /> Películas sobre Beethoven [editar]La amada inmortal (1994) <br />Copying Beethoven (2006)Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-13721546429107491282007-12-19T12:08:00.000-08:002007-12-19T12:10:39.190-08:00KARL THOMAS MOZARTKarl Thomas Mozart<br /><br /><br />Karl Thomas Mozart (21 de septiembre, 1784 - Milán, 31 de octubre, 1858), fue un compositor de música clásica alemán, el mayor de los dos hijos que sobrevivieron a su padre, el músico austríaco Wolfgang Amadeus Mozart.<br /><br />Después de la muerte de su padre (1791) Niemeczek se ocupó del niño, de siete años, le instruyó en música e hizo que cursara estudios de enseñanza media. Sin embargo, su madre Constanze insistió en que iniciara el aprendizaje mercantil, lo que hizo en Liorna.<br /><br />Gracias a la mediación de Joseph Haydn, Karl Thomas pudo dedicarse a la música en Milán.<br /><br />En 1808 abandonó de nuevo el estudio, inició una carrera como funcionario y murió en 1858 en Milán; nunca se casó ni tuvo descendencia. Sin embargo algunos investigadores consideran hija suya una chiquilla, llamada Constance, fallecida en 1838 siendo una niña.<br /><br />Sobrevivió a su hermano Franx Xaver Wolfgang Mozart, más joven que él pero fallecido en 1844.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-79728732324939754512007-12-19T12:01:00.000-08:002007-12-19T12:02:11.571-08:00CHRISTIAAN HUYGENSAstronomía<br /><br />Aficionado a la astronomía desde pequeño, pronto aprendió a tallar lentes (especialidad de Holanda desde la invención del telescopio, hacia el año 1608) y junto a su hermano Constantin llegó a construir varios telescopios de gran calidad. Por el método de ensayo y error comprobaron que los objetivos de gran longitud focal proporcionaban mejores imágenes, de manera que se dedicó a construir instrumentos de focales cada vez mayores: elaboró un sistema especial para tallar este tipo de lentes, siendo ayudado por su amigo el filósofo Spinoza, pulidor de lentes de profesión. El éxito obtenido animó a Johannes Hevelius a fabricarse él mismo sus telescopios.<br /><br />En 1655 terminó un telescopio de gran calidad: apenas tenía 5 cm de diámetro aunque medía más de tres metros y medio de longitud, lo que le permitía obtener unos cincuenta aumentos: con este aparato descubrió que en torno al planeta Saturno existía un anillo (visto por otros astrónomos anteriores pero no identificado claramente) y la existencia de un satélite, Titán, el 25 de marzo de ese año. Después de seguirlo durante varios meses, para estar seguro de su período y órbita, dio a conocer la noticia en 1656.<br /><br />Realizó importantes descubrimientos en el campo de la astronomía gracias a la invención de una nueva lente ocular para el telescopio. Estudió la Nebulosa de Orión (conocida también como M42), descubriendo que en su interior existían estrellas diminutas. En 1658 diseñó un micrómetro para medir pequeñas distancias angulares, con el cual pudo determinar el tamaño aparente de los planetas o la separación de los satélites planetarios.<br /><br />Continuó con la fabricación y pulido de lentes con focales cada vez mayores: después de obtener objetivos de cinco, diez y veinte metros de focal (que probó en telescopios aéreos, sin tubo) terminó un telescopio con una focal de 37 metros. Instalado sobre largos postes, sostenido por cuerdas para evitar el alabeo de la madera, con él llegó a obtener una imagen muy clara de los anillos de Saturno, llegando a divisar la sombra que arrojaban sobre el planeta. También estudió el cambio en la forma e iluminación de los anillos a medida que el planeta giraba alrededor del Sol.<br /><br />Física<br /><br />Como físico formuló la primera teoría ondulatoria de la luz, partiendo del concepto de que cada punto luminoso de un frente de ondas puede considerarse una nueva fuente de ondas. También estudió detalladamente el movimiento del péndulo y la fuerza centrífuga y, en el terreno de las matemáticas, esbozó conceptos acerca de la derivada segunda.<br /><br />En honor suyo, la sonda de exploración de Titán —la mayor luna de Saturno— construida por la ESA lleva su nombre (sonda Huygens).Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-43553693326386281342007-12-19T10:37:00.001-08:002007-12-19T10:37:46.824-08:00ALEJANDRO SANZAlejandro Sánchez Pizarro nació en Madrid el 18 de Diciembre de 1968.Tiene por nombre artístico Alejandro Sanz. <br /><br />Sus padres Jesús Sánchez Madero y María Pizarro Medina, naturales, respectivamente, de las localidades gaditanas de Algeciras y Alcalá de los Gazules. Llevaban ya una temporada instalados en el madrileño barrio de Pueblo Nuevo, y luego se mudan a Mortalaz.<br /><br /><br /><br />Su afición viene de herencia, ya que su padre; Jesús Sánchez Madero formo parte de dos grupos musicales.<br /><br />A temprana edad empezo su pasión por la música ya que con siete años comienza a tocar la guitarra, tenía tanto afán por aprender a tocarla, que los sábados, aunque no iba al colegio, se levantaba muy temprano para practicar. Un día, su madre, que estaba cansada de que el pequeño Ale no les dejara dormir, se levantó y le rompió la guitarra.<br /><br />Como Alejandro no iba a renunciar a su vocación de artista, ni a dejar de ir a clases de guitarra, le pegó un anuncio de periódico en el lugar donde estaba rota. Dicho anuncio era de una cámara de fotos y salía un pajarito. A partir de entonces sus compañeros, de broma, le llamaban "el niño del pajarito".<br /><br />Sus vivencias más intensas fueron ya desde niño en la tierra de sus padres, Andalucía, donde iba cada verano<br /><br />"No se que edad tenía, pues era un crío, pero mi recuerdo más antiguo lo tengo de Alcalá de Gazules, estábamos allí en la plaza del pueblo, jugando al escondite con mi hermano y algunos amigos cuando me di cuenta que todo el mundo empezaba a meterse con una niña, no se por que, pero la pobre estaba pasándolo muy mal. No me lo pensé dos veces y fui a defenderla y a enfrentarme con quien hiciera falta.Me sentí entonces como el príncipe valiente, no cabía dentro de mí, por que la gente se retiró y la dejaron en paz. Desde aquel momento nos hicimos muy amigos"<br /><br />A los trece o catorce años, recuerda su primera salida nocturna en Nochevieja, se fue con sus amigos a un local de su barrio a ligar con las chavalitas y a jugar a "eso de los besos" .<br /><br />Sus mejores Navidades siempre las ha pasado en Sevilla. Una Nochevieja, se metieron en el granero de la finca de su tío Pepe Luis (en Carmona), sus primos y él armaron una fiesta allí y, cuando se terminó todo, salieron apaciblemente por la noche al campo y se pusieron a contemplar estrellas. Aunque sus amigos decían que él no ligaba ni a tiros, Alejandro llevaba ya a sus espaldas alguna que otra conquista amorosa.<br /><br />Desde siempre Alejandro ha sentido devoción por su familia. Lleva en la cartera las fotos de su padre, madre y hermano (Jesús Sánchez Pizarro) . A la primera que pudo le compró a su padre un Mercedes y le montó a su madre una peluquería . "La pena", dice Alejandro con su marcado acento, "es que mi madre desde que le puse la peluquería ya no cocina".<br /><br />AMORES<br />Le gustan las chicas desde que "tiene uso de razón', como él mismo dice.<br /><br />La primera chica en la que se fijo fue Isabel, una compañera de sexto de EGB. En el momento en que se armó de valor, le escribió una carta declarándole su amor, pero cuando Isabel la recibió, empezó a reírse de él. Pero ahí no quedó la cosa, porque la profesora, al ver que la niña se reía tanto, cogió la carta y la leyó en voz alta.... Alejandro pasó una vergüenza horrible, pero ahora lo recuerda con cariño.<br /><br />Marta fue su gran amor. A ella le escribía poemas de amor y se le declaró delante de toda la pandilla, a los trece años. Pero su primer beso, se lo dió a la hermana de Marta, Olga con la que estuvo en una pequeña ruptura que tuvieron Marta y el, ya que ella creía que no estaba preparada para una relación todavía, aunque después volvieron. Fue un compromiso en "toda regla", se compraron el uno al otro dos anillos de plata que se intercambiaron. En esta época, Alejandro era muy tímido, pero una vez que se lanzaba se tiraba de cabeza .. La relación de Alejandro y Marta fue muy turbulenta y estuvieron cortando y volviendo hasta los 18 años, que decidieron dejarlo definitivamente. Ella ha sido el amor que ha marcado su vida, alguien de quien guarda el más maravilloso de sus recuerdos<br /><br />INGRID <br />Una presentadora de la televisión sudamericana. Ingrid, venezolana ella que por aquel entonces contaba con 17 años cuando tuvo su roce con el artista en plena promoción del primer disco.<br /><br />Alejandro conoció a Jaydy Mitchel en abril de 1995 <br />El 31 de diciembre de 1998 alejandro se caso con la modelo mexicana Jaydy Mitchell<br /><br />La boda se celebro en Bali y no es valida legalmente para ninguno de los dos en sus respectivos países y como él dice: " No lo hemos notificado ni al Estado ni a la Iglesia, que ya tienen bastantes problemas".Alejandro decidió junto con Jaydy que la boda se celebrase en Bali.<br /><br />"Nos casamos en Bali porque nos gusta mucho la espiritualidad que tienen. Lo hice para poder estar solos, mi familia y la de ella y ser lo más discretos posibles y no tener que formar el taco. Desgraciadamente se montó, pero lo hice así porque era nuestra forma de verlo".<br /><br />Nace su primera hija a la que llamaron Manuela el sábado 28 de julio de 2001 a las dos y media de la tarde, pesó 3,310 kilos y midió 49 centímetro. Jaydy Ingresó a las nueve y media.<br /><br />Contó Alejandro que Jaydy le avisó y luego se vino rápidamente; la niña nació a la tarde y yo estuve presente. Me pusieron la ropa de médico, es difícil expresar con palabras esos momentos vividos.<br /><br />Alejandro se encontraba entonces en Pamplona, donde actuaba esa misma noche, pero se trasladó a Madrid para vivir el nacimiento de su hija y por la tarde regresó para cumplir con sus compromisos profesionales.<br /><br />SU CARRERA<br /><br />Su auténtico despegue se da en 1991, cuando firma con el sello Warner y graba el disco "Viviendo deprisa", con 10 canciones de su autoría y bajo la producción de Nacho Maño y Miguel Angel Arenas. De esta producción destacarían "Los dos cogidos de la mano" y sobre todo "Pisando fuerte". Su estilo comenzó siendo de cantante de baladas de voz rota, dirigido principalmente al público femenino. Para su segunda producción repetiría la dupla en la producción y se confirmaría como autor en composiciones como "Si tú me miras" y "Cómo te echo de menos". Tras el éxito que supuso esta producción, en 1994 grabaría un especial acústico con 5 canciones de ambos discos; esta producción en compañía de Los 40 principales se llamaría "Básico". En 1995, el single La Fuerza del Corazón hizo de este madrileño una figura conocida en varios países. A raíz de su álbum Más y principalmente del éxito de su canción Corazón partío, su consideración popular cambió radicalmente y su público se amplió a personas de todas las edades y de ambos sexos, y pasó a ser uno de los artistas más conocidos de España.<br /><br />En sus últimos discos su sonido se ha ido alejando más y más del sonido pop original, acercándose poco a poco al flamenco y otros sonidos más mediterráneos.<br /><br />En 2001, en su creciente popularidad internacional, realiza colaboraciones con artistas extranjeros como The Corrs, grupo con el que graba una versión en inglés de su tema Me iré titulada The hardest day y una versión en español del tema de The Corrs One Night llamada Una noche. Ese mismo año se convirtió en el primer español en grabar un Unplugged para la cadena televisiva MTV. En el 2005 hizo un tema con Shakira, La Tortura, que tuvo éxito en países como España, México y Estados Unidos; cantando esta canción con la colombiana se convirtió en el primer artista español que abrió una gala de los MTV Music Awards.<br /><br />Alejandro Sanz comenzó su carrera artística en 1991 con la grabación del álbum Viviendo deprisa. Trece años más tarde, 20 millones de copias vendidas en todo el mundo, 1 Premio Grammy al Mejor Álbum Latino del año por No es lo mismo (2004), 12 Premios Grammy Latino por El alma al aire (2000), Unplugged (2001) y No es lo mismo (2004). Ha realizado una super producción con las voces más reconocidas de la música flamenca: Joaquín Sabina, Shakira, Lena, Malú, etcUnknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-74715143572034826872007-12-19T10:36:00.002-08:002007-12-19T10:37:12.569-08:00PICHU CUELLAREl portero extremeño del Atlético de Madrid, Iván Cuéllar, 'Pichu', que ayer encajó seis goles ante el FC Barcelona, ha lamentado la lamentable imagen dada ante el cuadro culé y ha asumido los errores cometidos en ese encuentro. "Estoy aquí para dar la cara, aunque perdamos, pero bueno, soy el último hombre y siempre te queda que se pudo hacer algo, pero es jodido ser portero y de ahí que seamos especiales. Es jodido que te metan seis, estoy aquí para dar la cara y trabajo para eso, me encanta tener esta responsabilidad. He nacido para ser futbolista a pesar de recibir muchas ostias y de los obstáculos", ha afirmado 'Pichu', visiblemente tocado.<br /><br /><br /><br />El guardameta, sin embargo, no se arrepiente de su actuación. "En la vida hay que tomar decisiones, algunas acertadas y otras no, yo soy el último hombre y seguramente no hay mucha gente que me respalde, pero para eso tengo esa responsabilidad". Lo que sí tiene claro es que el equipo tiene que olvidar cuanto antes lo ocurrido en el Calderón para afrontar con moral los tres encuentros que restan que serán "finales". "Lo peor que podemos hacer hoy en día, y tal y como está la Liga y el equipo, es seguir pensando en el partido de ayer. Pedir perdón a la afición, más que nada, por la imagen que dimos porque esta institución no lo merece", ha destacado.<br /><br />"Nosotros somos los que tenemos que levantar esto, intentaremos estar unidos, trabajar más que nunca y serios porque depende de nosotros todavía y quedan tres finales para reivindicar ese pequeño bache, que para mí ha sido significativo, no por perder, sino por la forma", ha comentado. Por eso, 'Pichu' prefiere ser optimista y reitera que "una cosa negativa te ayuda más a crecer". "Me ayuda más la derrota de ayer que la victoria ante el Getafe. Una derrota así es jodida y parece que te tienes que involucrar más, ahora no se pueden tener esos errores y es cuando hay que dar la cara porque quedan tres finales y somos los que en teoría tenemos mejores rivales para conseguir el objetivo. Dependemos de nosotros". El guardameta colchonero, que salió en defensa de su afición, no dudó en criticar las declaraciones vertidas por un sector que preferían la derrota para no beneficiar al Real Madrid. "A la afición no se le puede decir nada porque si hay que achacar algo es a nosotros. Lo único que sí te incomoda es que tu afición, que es la que te apoya y siempre ha estado con nosotros, el escuchar ese tipo de comentarios que estaban en contra de que ganáramos".<br /><br />Cuestionado por la prensa sobre cómo se encontraba el vestuario al final del encuentro, fue sincero: "Tú me ves la cara a mí, no creo que sea de mucha satisfacción. Estamos jodidos, es lo único que puedo decir, y no sabíamos lo que había pasado. Estábamos impotentes de querer y no poder, de intentar hacer las cosas bien y que no te salían. Fue una noche para olvidar, un partido menos que hay que olvidar porque hay que levantar la cabeza". Por último, el extremeño ha señalado que el quedarse con un hombre menos, la segunda parte fue un paseo para los blaugrana. "El Barcelona con esa velocidad y un hombre menos te mata. Luego la afición actúa como cree conveniente. Intentamos hacer lo que pudimos, y sólo nos queda pedir disculpas por la imagen que dimos. Esto es fútbol y ayer éramos los mejores y ahora somos los peores, pero no es así... si ganamos la semana que viene se olvidará. El fútbol es así de ingrato", ha concluido.Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8209093224496340767.post-21170788636944402002007-12-19T10:36:00.001-08:002007-12-19T10:36:31.788-08:00JAIRO VARELAEl maestro Jairo Varela Martínez nació el 9 de diciembre de 1949 en Quibdó, departamento del Chocó (Colombia), en el hogar formado por el comerciante antioqueño Pedro Antonio Varela Restrepo y la escritora y poetisa chocoana Teresa de Jesús Martínez Arce, quien falleció hace poco, sumiéndolo en la más inmensa pena, pero también recordándola como una mujer de mucha fortaleza que le imprimió carácter a su vida.<br /><br />Su primer contacto con la música se produce a los ocho años de edad, en el barrio Roma de Quibdó en donde conformó la agrupación "La Timba", que en esencia era una dulzaina, un bongó, unas maracas y un guiro.<br /><br />Su dualidad, talento artístico y habilidad comercial, la hereda de su abuelo Eladio Martínez Vélez, considerado por los historiadores como uno de los primeros industriales, de raza negra, en nuestro país. De su abuelo aprendió también mecánica, ebanistería y guitarra. Su recuerdo lo persigue desde que era un niño hasta nuestros días. En conversaciones con amigos, Varela ha confesado que su abuelo se le ha aparecido en hoteles y escenarios de todo el mundo, como negándose a dejar de ser su guía espiritual.<br /><br />Su padre y su madre se separaron cuando Marta, su hermana menor, tenía tres años de edad. Jairo lo conoció a los 9 años y lo recuerda como un hombre callado, taciturno, reservado y muy trabajador.<br />Su madre, doña Teresa Martínez de Varela, fue una gran escritora y nunca se opuso a su vocación musical, más bien le abonó el terreno desde niño para cuando creciera se lanzara al difícil arte de hacer canciones. "Desde el comienzo ella vio mis aptitudes. A los ocho años me regaló una guitarra con el poco dinero que había. Imagínense, hizo el esfuerzo de su vida para hacerme ese regalo", recuerda Varela.<br /><br />La infancia, la pubertad, la adolescencia y parte de su vida adulta, transcurrieron en Quibdó, su pueblo natal, al que le ha cantado en tantas oportunidades. Hacia la década de los 70, con su madre y su familia, Varela decide cambiar su ambiente y se traslada a Bogotá, en busca de nuevos y más sólidos rumbos. Sus primeras composiciones fueron "Difícil" y "Atrato Viajero", ésta última la grabó en el tercer disco de Niche en New York bajo el nombre de "Atrateño", con relativo éxito.Unknownnoreply@blogger.com0