Trayectoria
UD Los Palacios La carrera futbolística de Jesús Navas comenzó en su pueblo, en el equipo local, la Unión Deportiva Los Palacios donde se curtió como jugador driblando charcos y regateando rivales que le superaban en tamaño y edad.
Jesús consiguió llamar la atención de Pablo Blanco, técnico del Sevilla FC. Cuentan que los aficionados que rodeaban a Blanco al verle tan interesado por Jesús dijeron: "Si hoy se dribla hasta los charcos, en seco hasta le dribla a usted" [sin referencias]. Tanto es así que el técnico sevillista no dudó en contratarle para que se curtiera y se formara en la cantera sevillana.
Sevilla Atlético Jesús Navas llegó al Sevilla Atlético con 16 años. Jugó 10 partidos con el filial sin marcar en la temporada 2002/03. Al año siguiente obtuvo la confianza del entrenador y llegó a disputar 22 partidos en liga, marcando en tres ocasiones. Navas prometía, y como resultado de su gran juego a tan joven edad llegó el ascenso al primer equipo, el Sevilla Fútbol Club, en el que jugó en 5 ocasiones antes de que terminara la temporada.
Sevilla Fútbol Club [editar]En la temporada 2004/05, Jesús Navas continuó en el filial para ganar más experiencia. Pero tras 4 partidos el entrenador requirió sus servicios para el primer equipo. Jugó 23 partidos en liga y marcó en dos ocasiones.
El 4 de mayo firmó una renovación de su contrato al alza motivada por su buen juego que le liga al club hasta el 2010.
Jesús Navas debutó en la temporada 2003 en un partido con derrota frente al RCD Espanyol de Barcelona. A pesar del mal resultado, la afición empezó a apreciar a Jesús, no solo por ser de la cantera, si no por su arte driblador y su electricidad en el terreno de juego.
Navas se consolidó como futbolista, en el partido que enfrentó al Athletic Club de Bilbao y al Sevilla FC en la temporada 2004 - 2005. El chaval encajó un partidazo, y cuando todo el mundo se recreaba con su juego y sus regates, hizo la jugada de su vida. Cogió el balón en el medio campo a pase de Júlio Baptista, con toda la fé del mundo se plantó delante de Asier Del Horno y le driblo como un auténtico profesional, sobrepasando a tres defensas más y colocandose en una perfecta posición al borde del area, para colocar una pelota imposible, pegado al palo, al que nada pudo hacer el portero del Bilbao. Una jornada más tarde Jesús encajó otro más que increible partidazo frente al Deportivo de la Coruña, marcando también en carrera desde su favorita banda derecha. Otro golazo que hizo corear su nombre a todo el Ramón Sánchez Pizjuán.
Selección nacional [editar]Durante su etapa en el Sevilla FC el jugador ha sido requerido por Luis Aragonés para formar parte de la Selección española absoluta. La ansiedad le ha impedido incorporarse a algunas concentraciones pero gracias a la ayuda de los psicologos del club, parece que ya no vuelve a producirse [1] .
Ha sido internacional sub-21 con la selección de fútbol de España.
Selección Andaluza [editar]Ha sido convocado en numerosas ocasiones por la Selección de Andalucía, donde incluso llegó a marcar un gol desde el medio del campo ante la Selección China.
sábado, 22 de diciembre de 2007
jueves, 20 de diciembre de 2007
ZIDANE
Zinedine Yazid Zidane nació en Marsella, Francia el 23 de junio de 1972, sus padres son argelinos (Smail y Malika) y tiene cuatro hermanos, Djamel, Farid, Nourredine y Lila.
Desde muy pequeño sintió afición por el deporte, a los cuatro años ya montaba en bicicleta y a los seis empezó a practicar el judo. Pocos años después acudía al estadio de Marsella y se enamoró del que considera un jugador maravilloso, Enzo Francescoli, que por entonces jugaba en el Olympique y al que aún admira por su juego en el River Plate.
Empezó su carrera futbolística en el equipo de La Castellane, del barrio marsellés del mismo nombre, donde nació. Jugó en modestos equipos de la periferia de Marsella, como el US Saint Henri y el Septemes. Cuando tenía 14 años fichó por las categorías inferiores del Cannes.
A partir de entonces, su ascensión fue sistemática. Con 17 años debutó en la Primera división francesa frente al Nantes. Su siguiente equipo fue Burdeos, donde rindió considerablemente durante 4 años.
En 1996, Zidane fichó por la Juventus de Turín, club con el que engrosó considerablemente sus palmarés, y a su vez jugó por la selección francesa. El equipo francés tuvo en Zidane a su eje principal para convertirse en la mejor selección francesa de la historia. Fue elegido como el mejor jugador del Campeonato Mundial de Fútbol de 1998, en el que ganó la final ante Brasil anotando dos goles de cabeza. También se coronó campeón en la Eurocopa Holanda 2000.
A nivel de clubes ganó casi todos los títulos posibles (Liga, Copa, Supercopa de Italia, y la Copa Intercontinental). Sólo le faltaba un título la Copa de Europa (Liga de Campeones), pues había perdido dos finales, una de ellas contra el Real Madrid, el que sería su siguiente equipo, y con el que conseguiría el trofeo que le faltaba.
El 9 de junio de 2001 fue presentado como jugador del equipoo español Real Madrid. El traspaso supuso unos 78 millones de euros, lo que le convirtió en el jugador más caro en la historia del fútbol. Aunque al principio le costó acomodarse a un equipo plagado de estrellas (los periodistas bautizaron al equipo como "Los Galácticos"), culminó la temporada anotando el gol que daba la victoria por 2-1 al Real Madrid ante el equipo alemán Bayer Leverkusen en la final de la Liga de Campeones de 2001-2002.
Las lesiones impidieron que repitiese su actuación de 1998 con la selección de su país en el Mundial de 2002, donde, defendiendo el trofeo, su equipo tuvo una actuación mucho menor a la esperada y fue eliminado en la primera ronda sin anotar un solo gol.
Zidane se retiró de la selección francesa tras culminar una mala Eurocopa de fútbol 2004, en la que Francia cayó derrotada en cuartos de final por 0-1 contra Grecia a pesar de que tuvo una buena actuación anotando 3 goles. En el año 2005 volvió a la selección con la meta de la Copa Mundial de Fútbol de 2006, siendo un jugador clave para su selección durante la fase de clasificación.
Fue Balón de Oro en 1998, mejor jugador del mundo según la FIFA en 1998 y 2000, campeón del Mundo y de Europa con la selección francesa, pieza clave en la todopoderosa Juventus de los últimos años 90. Medio centro ofensivo a la antigua usanza, con gol, llegada, visión de juego, generoso con los delanteros y un enorme despliegue físico.
Destaca principalmente en su manejo del balón, controles de todo tipo, regates, fintas, lanzamientos de falta y asistencias de gol. Su ídolo futbolístico fue el uruguayo Enzo Francescoli. En honor a él, bautizó a su primogénito con el nombre de Enzo.
Además de su faceta futbolística Zidane es embajador de la ONU en la lucha contra el hambre.
El 25 de abril de 2006 confirmó que se retirará del fútbol profesional al término del Mundial de Alemania en una entrevista televisada por la emisora francesa "Canal Plus". Según el diario deportivo español AS, "sus continuas lesiones y los problemas internos del Real Madrid le llevaron a adoptar la decisión". En una rueda de prensa ante 150 periodistas dejó en claro su interés de seguir vinculado al Real Madrid trabajando con niños. Destacó la gran satisfacción que le dieron sus logros como futbolista profesional, consiguiendo los máximos trofeos con su selección y con los grandes de Europa, Juventus y Real Madrid.
Mundial Alemania 2006
Elegido Mejor Jugador del Mundial (en votación realizada por la prensa a partir de una lista de nominados escogida por el Grupo de Estudios Técnicos de la FIFA) y a pesar de su anuncio de retirarse tras el campeonato, Zidane resultó un jugador clave en la trayectoria de su selección hasta la final.
Con un gol suyo de penalti Francia venció a Portugal en las semifinales y se clasificó para disputar la final del campeonato frente a Italia.
En la final marcó un gol de penalti en una ejecución al estilo panenka. . A los 5 minutos del segundo tiempo suplementario, tras ser insultado por el jugador italiano Marco Materazzi, Zidane le propinó un cabezazo en el pecho lo que le valió su expulsión por tarjeta roja directa.
Selección nacional
Ha sido internacional con la Selección nacional de fútbol de Francia: (agosto 1994 - agosto 2004, agosto 2005 - junio 2006)
Desde muy pequeño sintió afición por el deporte, a los cuatro años ya montaba en bicicleta y a los seis empezó a practicar el judo. Pocos años después acudía al estadio de Marsella y se enamoró del que considera un jugador maravilloso, Enzo Francescoli, que por entonces jugaba en el Olympique y al que aún admira por su juego en el River Plate.
Empezó su carrera futbolística en el equipo de La Castellane, del barrio marsellés del mismo nombre, donde nació. Jugó en modestos equipos de la periferia de Marsella, como el US Saint Henri y el Septemes. Cuando tenía 14 años fichó por las categorías inferiores del Cannes.
A partir de entonces, su ascensión fue sistemática. Con 17 años debutó en la Primera división francesa frente al Nantes. Su siguiente equipo fue Burdeos, donde rindió considerablemente durante 4 años.
En 1996, Zidane fichó por la Juventus de Turín, club con el que engrosó considerablemente sus palmarés, y a su vez jugó por la selección francesa. El equipo francés tuvo en Zidane a su eje principal para convertirse en la mejor selección francesa de la historia. Fue elegido como el mejor jugador del Campeonato Mundial de Fútbol de 1998, en el que ganó la final ante Brasil anotando dos goles de cabeza. También se coronó campeón en la Eurocopa Holanda 2000.
A nivel de clubes ganó casi todos los títulos posibles (Liga, Copa, Supercopa de Italia, y la Copa Intercontinental). Sólo le faltaba un título la Copa de Europa (Liga de Campeones), pues había perdido dos finales, una de ellas contra el Real Madrid, el que sería su siguiente equipo, y con el que conseguiría el trofeo que le faltaba.
El 9 de junio de 2001 fue presentado como jugador del equipoo español Real Madrid. El traspaso supuso unos 78 millones de euros, lo que le convirtió en el jugador más caro en la historia del fútbol. Aunque al principio le costó acomodarse a un equipo plagado de estrellas (los periodistas bautizaron al equipo como "Los Galácticos"), culminó la temporada anotando el gol que daba la victoria por 2-1 al Real Madrid ante el equipo alemán Bayer Leverkusen en la final de la Liga de Campeones de 2001-2002.
Las lesiones impidieron que repitiese su actuación de 1998 con la selección de su país en el Mundial de 2002, donde, defendiendo el trofeo, su equipo tuvo una actuación mucho menor a la esperada y fue eliminado en la primera ronda sin anotar un solo gol.
Zidane se retiró de la selección francesa tras culminar una mala Eurocopa de fútbol 2004, en la que Francia cayó derrotada en cuartos de final por 0-1 contra Grecia a pesar de que tuvo una buena actuación anotando 3 goles. En el año 2005 volvió a la selección con la meta de la Copa Mundial de Fútbol de 2006, siendo un jugador clave para su selección durante la fase de clasificación.
Fue Balón de Oro en 1998, mejor jugador del mundo según la FIFA en 1998 y 2000, campeón del Mundo y de Europa con la selección francesa, pieza clave en la todopoderosa Juventus de los últimos años 90. Medio centro ofensivo a la antigua usanza, con gol, llegada, visión de juego, generoso con los delanteros y un enorme despliegue físico.
Destaca principalmente en su manejo del balón, controles de todo tipo, regates, fintas, lanzamientos de falta y asistencias de gol. Su ídolo futbolístico fue el uruguayo Enzo Francescoli. En honor a él, bautizó a su primogénito con el nombre de Enzo.
Además de su faceta futbolística Zidane es embajador de la ONU en la lucha contra el hambre.
El 25 de abril de 2006 confirmó que se retirará del fútbol profesional al término del Mundial de Alemania en una entrevista televisada por la emisora francesa "Canal Plus". Según el diario deportivo español AS, "sus continuas lesiones y los problemas internos del Real Madrid le llevaron a adoptar la decisión". En una rueda de prensa ante 150 periodistas dejó en claro su interés de seguir vinculado al Real Madrid trabajando con niños. Destacó la gran satisfacción que le dieron sus logros como futbolista profesional, consiguiendo los máximos trofeos con su selección y con los grandes de Europa, Juventus y Real Madrid.
Mundial Alemania 2006
Elegido Mejor Jugador del Mundial (en votación realizada por la prensa a partir de una lista de nominados escogida por el Grupo de Estudios Técnicos de la FIFA) y a pesar de su anuncio de retirarse tras el campeonato, Zidane resultó un jugador clave en la trayectoria de su selección hasta la final.
Con un gol suyo de penalti Francia venció a Portugal en las semifinales y se clasificó para disputar la final del campeonato frente a Italia.
En la final marcó un gol de penalti en una ejecución al estilo panenka. . A los 5 minutos del segundo tiempo suplementario, tras ser insultado por el jugador italiano Marco Materazzi, Zidane le propinó un cabezazo en el pecho lo que le valió su expulsión por tarjeta roja directa.
Selección nacional
Ha sido internacional con la Selección nacional de fútbol de Francia: (agosto 1994 - agosto 2004, agosto 2005 - junio 2006)
FLEMING
Fleming nació en Ayrshire, Escocia y murió en Londres, Inglaterra. Trabajó como médico microbiólogo en el Hospital St. Mary de Londres hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial. En este hospital trabajó en el Departamento de Inoculaciones dedicado a la mejora y fabricación de vacunas y sueros. Almorth Edward Wright, director del Departamento, despertó el interés de Fleming por nuevos tratamientos para las infecciones. Durante la guerra fue médico militar en los frentes de Francia y quedó impresionado por la gran mortandad causada por las heridas de metralla infectadas (ej.: gangrena gaseosa) en los hospitales de campaña. Finalizada la guerra, regresó al Hospital St. Mary donde buscó intensamente un nuevo antiséptico que evitase la dura agonía provocada por las heridas infectadas.
Los dos descubrimientos de Fleming ocurrieron en los años veinte y aunque fueron accidentales demuestran la gran capacidad de observación e intuición de este médico escocés. El descubrimiento de la lisozima ocurrió después de que moco de su nariz, procedente de un estornudo, cayese sobre una placa de Petri en la que crecía un cultivo bacteriano. Unos días más tarde notó que las bacterias habían sido destruidas en el lugar donde se había depositado el fluido nasal.
El laboratorio de Fleming estaba habitualmente desordenado, lo que resultó una ventaja para su siguiente descubrimiento. En Septiembre de 1928, estaba realizando varios experimentos en su laboratorio y al inspeccionar sus cultivos antes de destruirlos notó que la colonia de un hongo había crecido espontáneamente, como un contaminante, en una de las placas Petri sembradas con Staphylococcus aureus. Fleming observó más tarde las placas y comprobó que las colonias bacterianas que se encontraban alrededor del hongo (más tarde identificado como Penicillium notatum) eran transparentes debido a una lisis bacteriana. La lisis significaba la muerte de las bacterias, y en su caso, la de las bacterias patógenas (Staphylococcus aureus) crecidas en la placa. Aunque él reconoció inmediatamente la trascendencia de este hallazgo sus colegas lo subestimaron. Fleming comunicó su descubrimiento sobre la penicilina en el British Journal of Experimental Pathology en 1929.
Fleming trabajó con el hongo durante un tiempo pero la obtención y purificación de la penicilina a partir de los cultivos de Penicillium notatum resultaron difíciles y más apropiados para los químicos. La comunidad científica creyó que la penicilina sólo sería útil para tratar infecciones banales y por ello no le prestó atención. Sin embargo, el antibiótico despertó el interés de los investigadores norteamericanos durante la Segunda Guerra Mundial, quienes intentaban emular a la medicina militar alemana la cual disponía de las sulfamidas. Los químicos norteamericanos Ernst Boris Chain y Howard Walter Florey desarrollaron un método de purificación de la penicilina que permitió su síntesis y distribución comercial para el resto de la población.
Fleming no patentó su descubrimiento creyendo que así sería más fácil la difusión de un antibiótico necesario para el tratamiento de las numerosas infecciones que azotaban a la población. Por sus descubrimientos, Fleming compartió el Premio Nobel de Fisiología y Medicina en 1945 junto a Ernst Boris Chain y Howard Walter Florey.
Fleming fue miembro del Chelsea Arts Club, un club privado para artistas fundado en 1891 por sugerencia del pintor James McNeil Whistler. Se cuenta como anécdota que Femerling fue admitido en el club después de realizar "pinturas con gérmenes", estas pinturas consistían en pincelar el lienzo con bacterias pigmentadas, las cuales eran invisibles mientras pintaba pero surgían con intensos colores una vez crecidas después de incubar el lienzo. Las especies bacterianas que utilizaba eran:
Serratia marcescens - rojo
Chromobacterium violaceum - púrpura
Micrococcus luteus - amarillo
Micrococcus varians - blanco
Micrococcus roseus - rosa
Bacillus sp. - naranja
Alexander Fleming murió en 1955 de un ataque cardíaco. Fue enterrado como héroe nacional en la cripta de la Catedral de San Pablo de Londres.
Su descubrimiento de la penicilina significó un cambio drástico para la medicina moderna iniciando la llamada "Era de los antibióticos", otros investigadores posteriores aportaron nuevos antibióticos, como la estreptomicina utilizada para el tratamiento de la tuberculosis, salvando millones de vidas. La aportación científica de Fleming es doble pues además de descubrir una molécula química (penicilina) también encontró una molécula protéica (lisozima) con actividad antibiótica. Las proteínas (ej. lisozima) y los péptidos antibióticos son componentes naturales de la inmunidad innata de los animales que podrían ser utilizados con fines terapéuticos similares a la penicilina. Por esta razón Fleming puede ser considerado como el primero en descubrir una proteína antimicrobiana
Los dos descubrimientos de Fleming ocurrieron en los años veinte y aunque fueron accidentales demuestran la gran capacidad de observación e intuición de este médico escocés. El descubrimiento de la lisozima ocurrió después de que moco de su nariz, procedente de un estornudo, cayese sobre una placa de Petri en la que crecía un cultivo bacteriano. Unos días más tarde notó que las bacterias habían sido destruidas en el lugar donde se había depositado el fluido nasal.
El laboratorio de Fleming estaba habitualmente desordenado, lo que resultó una ventaja para su siguiente descubrimiento. En Septiembre de 1928, estaba realizando varios experimentos en su laboratorio y al inspeccionar sus cultivos antes de destruirlos notó que la colonia de un hongo había crecido espontáneamente, como un contaminante, en una de las placas Petri sembradas con Staphylococcus aureus. Fleming observó más tarde las placas y comprobó que las colonias bacterianas que se encontraban alrededor del hongo (más tarde identificado como Penicillium notatum) eran transparentes debido a una lisis bacteriana. La lisis significaba la muerte de las bacterias, y en su caso, la de las bacterias patógenas (Staphylococcus aureus) crecidas en la placa. Aunque él reconoció inmediatamente la trascendencia de este hallazgo sus colegas lo subestimaron. Fleming comunicó su descubrimiento sobre la penicilina en el British Journal of Experimental Pathology en 1929.
Fleming trabajó con el hongo durante un tiempo pero la obtención y purificación de la penicilina a partir de los cultivos de Penicillium notatum resultaron difíciles y más apropiados para los químicos. La comunidad científica creyó que la penicilina sólo sería útil para tratar infecciones banales y por ello no le prestó atención. Sin embargo, el antibiótico despertó el interés de los investigadores norteamericanos durante la Segunda Guerra Mundial, quienes intentaban emular a la medicina militar alemana la cual disponía de las sulfamidas. Los químicos norteamericanos Ernst Boris Chain y Howard Walter Florey desarrollaron un método de purificación de la penicilina que permitió su síntesis y distribución comercial para el resto de la población.
Fleming no patentó su descubrimiento creyendo que así sería más fácil la difusión de un antibiótico necesario para el tratamiento de las numerosas infecciones que azotaban a la población. Por sus descubrimientos, Fleming compartió el Premio Nobel de Fisiología y Medicina en 1945 junto a Ernst Boris Chain y Howard Walter Florey.
Fleming fue miembro del Chelsea Arts Club, un club privado para artistas fundado en 1891 por sugerencia del pintor James McNeil Whistler. Se cuenta como anécdota que Femerling fue admitido en el club después de realizar "pinturas con gérmenes", estas pinturas consistían en pincelar el lienzo con bacterias pigmentadas, las cuales eran invisibles mientras pintaba pero surgían con intensos colores una vez crecidas después de incubar el lienzo. Las especies bacterianas que utilizaba eran:
Serratia marcescens - rojo
Chromobacterium violaceum - púrpura
Micrococcus luteus - amarillo
Micrococcus varians - blanco
Micrococcus roseus - rosa
Bacillus sp. - naranja
Alexander Fleming murió en 1955 de un ataque cardíaco. Fue enterrado como héroe nacional en la cripta de la Catedral de San Pablo de Londres.
Su descubrimiento de la penicilina significó un cambio drástico para la medicina moderna iniciando la llamada "Era de los antibióticos", otros investigadores posteriores aportaron nuevos antibióticos, como la estreptomicina utilizada para el tratamiento de la tuberculosis, salvando millones de vidas. La aportación científica de Fleming es doble pues además de descubrir una molécula química (penicilina) también encontró una molécula protéica (lisozima) con actividad antibiótica. Las proteínas (ej. lisozima) y los péptidos antibióticos son componentes naturales de la inmunidad innata de los animales que podrían ser utilizados con fines terapéuticos similares a la penicilina. Por esta razón Fleming puede ser considerado como el primero en descubrir una proteína antimicrobiana
JOHANN SEBASTIAN BACH
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor de música clásica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca, una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental[1] , epicentro de la musica occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal[2] , no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto[3] ,y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Toccata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Overtura francesa, las Suites para violonchello solo, las partitas y sonatas para violin solo y las suites orquestales[4] .
Tabla de contenidos [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años (1685-1703)
1.2 Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
1.3 Período en Weimar (1708–1717)
1.4 Köthen (1717–1723)
1.5 Leipzig (1723–1750)
1.6 Su muerte
1.7 Familia e hijos
2 Legado
3 Obra
3.1 Los tres periodos estilísticos de su música
3.2 La música vocal
3.3 La música instrumental
4 Instrumentación de sus obras
4.1 Teclado
4.1.1 Órgano
4.1.2 Clavecín
4.2 Cuerda
4.2.1 Violín
4.2.2 Violoncelo
5 Influencias
6 El catálogo BWV de su obra
7 Cronología de su resurgimiento póstumo
8 Citas sobre su figura
9 Bibliografía recomendada
10 Discografía recomendada[12]
11 Referencias
12 Véase también
13 Enlaces externos
Biografía
«El único propósito y razón final de toda la música debería ser la gloria de dios y el alivio del espíritu»
Bach.Hacia 1714-1716[5]Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Por más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia) en que la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban un significativo aporte para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6 000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música secular y la participación en la música eclesial. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de la corte hasta compositores. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de "músico". La familia Bach era consciente de sus logros musicales, y alrededor de 1735 Bach esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.
Primeros años (1685-1703)
Registro escolar del Liceo de Ohrdruf. J. S. Bach es el 4to. alumno de la segunda lista.Johann Sebastian nació el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Domenico Scarlatti y George Frideric Haendel). La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano, pues los alemanes aún no habían adaptado el calendario gregoriano, para el que la fecha era el 31 de marzo. Su madre, Maria Elisabetha Lämmerhirt, murió cuando él tenía 9 años de edad, y su padre —que ya le había dados las primeras lecciones de música— murió al año siguiente. El pequeño huérfano fue a vivir y estudiar con su hermano 16 años mayor, Johann Christoph Bach, organista en Ohrdruf, una ciudad cercana. Allí, aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano, y aparentemente recibió valiosas enseñanzas de su hermano. Conoció las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania como Johann Pachelbel, y de los franceses como Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand y Marin Marais. El niño probablemente presenció y asistió en el mantenimiento del órgano; éste sería el precedente de su futura actividad profesional en la construcción y restauración de órganos. El obituario de Bach indica que copiaba la música de las partituras de su hermano, pero aparentemente su hermano se lo prohibió, posiblemente debido a que las partituras eran valiosas y productos privados de la época.
A los 14 años, fue premiado con una escolaridad coral, con su amigo mayor de la escuela, Georg Erdmann, para estudiar en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg, no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo. Esto lo involucró en una larga jornada de viaje con su amigo, probablemente a pie o en parte en carroza. No hay referencias escritas de este período de su vida, pero los dos años de estadía en la Escuela aparecen como críticos en su carrera, al exponerlo a una paleta más amplia de la cultura europea, de la que pudo experimentar en Turingia. Además de cantar en el coro a capella, es probable que haya tocado el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente aprendió francés e inglés, recibiendo un bagaje en teología, latín, geografía y física. Quizás entró en contacto con los hijos de los nobles del norte de Alemania que eran enviados a esta escuela altamente selecta, para prepararse en sus carreras diplomáticas, gubernamentales y militares. Es muy probable también que tuviese un significativo contacto con los organistas en Lüneburg, en particular con Georg Böhm, y visitara varios de ellos, como a Johann Adam Reincken y a Nicolaus Bruhns. Probablemente gracias a estos músicos tuvo acceso a instrumentos más grandes para tocar. También es posible que durante su estadía se familiarizase con la música de la tradición del Norte de Alemania, especialmente con la obra de Dieterich Buxtehude, y con manuscritos musicales y tratados de teoría musical que estaban en posesión de aquellos músicos.
Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
En enero de 1703, después de su graduación, Bach logró un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. No está muy definido cual fue su función allí, pero parece haber incluído labores no musicales. Durante sus 17 meses de servicio, su reputación como tecladista se extendió y fue invitado a inspeccionar y dar el concierto inagural en el flamante órgano de la Iglesia de San Bonifacio en la cercana ciudad de Arnstadt, donde su familia formaba además una extensa red social.
En agosto de 1703 tomó el puesto de organista en dicha iglesia, relativamente bien remunerado y con el nuevo organo a su disposición, el cual, debido a su sistema más moderno, tenía un teclado más amplio. Para ese entonces, el joven organista estaba desarrollando composiciones más complejas de preludios, en la tradición musical del Norte de Alemania, que incluía el virtuosismo, la improvisación y la exploración musical. Bach desarrolló en estas composiciones, su talento en el campo de las escalas y en la técnica del contrapunto, donde dos o más melodías interactuaban simultáneamente. Se estima que fue entonces cuando compuso su conocida obra Toccata y fuga en re menor.
Sin embargo, las relaciones familiares y laborales se fueron deteriorando con los años, y durante algunos meses entre 1705 y 1706, abandonó Arnstadt para viajar a Lubeck y visitar al destacado organista Dietrich Buxtehude, considerado la principal figura de los organistas alemanes de su época. El encuentro tuvo gran impacto en la obra de Bach. De regreso en Arnstadt, decidió que su futuro debería estar fuera del ambiente familiar y comenzó a buscar otro puesto de trabajo. Una oferta con mejores perspectivas económicas le fue hecha desde la ciudad de Mühlhausen, Turingia, para ocupar el puesto de organista en la Iglesia de san Blas (Divi Vlasi). Antes de tomar el puesto, se casó el 17 de octbre de 1707 con Maria Barbara Bach, una prima suya en segundo grado, con quien tendría siete hijos, de los cuales cuatro llegaron a la edad adulta.
El concejo de la ciudad y la iglesia aceptaron los requerimientos de Bach, e invirtieron una gran suma en la renovación del órgano de la iglesia. Para la inaguración de nuevo concejo de la ciudad en 1708, el organista interpretó su obra Gott ist mein König BWV 71, escrita para tal ocasión, la cual fue muy apreciada por sus empleadores. Su estadía en la ciudad terminaría el mismo año, cuando le fue ofrecido un mejor puesto en la ciudad de Weimar.
Período en Weimar (1708–1717)
Transcurrido apenas un año, una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en Weimar. El retorno al lugar de su primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. El puesto de concertino, un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su puesto en Mühlhausen. En los siguientes años nacieron su primeros hijos, de los cuales destacan Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach.
A la muerte del principe Johann Ernst en 1707, su hermano Wilhelm Ernst había asumido el poder de facto. Por su anterior cercanía con el duque Johann Ernst, que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la música italiana, Bach había estudiado las obras de Antonio Vivaldi y Arcángelo Corelli, entre otros autores italianos, asimilando el dinamismo y la emocionalidad armónica de ellos, transcribiendo sus obras y aplicando éstas cualidades a sus propias composiciones, las que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del duque Wilhem Ernst.
Este período en la vida de Bach fue fructífero. Sus obras de este período son conocidas como fugas, de las cuales El clave bien temperado es el mayor ejemplo. En el ambiente familiar comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein para su hijo mayor Wilhelm Friedemann, obra didáctica que dejó inconclusa.
En 1717 con motivo del fallecimiento del maestro de capilla de la corte, Bach solicitó el puesto vacante, pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido maestro de capilla. Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia, lo que disgustó al duque Wilhem Ernst, que ordenó su arresto por algunas semanas en el castillo antes de aceptarla.
Köthen (1717–1723)
El palacio y los jardines de Cöthen en un grabado del Topographia (1650) de Matthäus Merian.Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus intereses musicales. El príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla o Kapellmeister. El príncipe Leopold, que también era músico, apreciaba su talento, le pagaba bien, y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en sus misas; por esa razón, la mayoría de obras de Bach de este período fueron seculares. Como ejemplo están las Suites orquestales, las seis suites para violonchelo solo y las Sonatas y partitas para violín solo.
La fotografía de la página inicial de la Sonata para violín nº 1 en sol menor muestra la escritura del compositor —rápida y eficiente—, pero tan adornada visualmente como la música que contiene. Los muy conocidos Conciertos de Brandeburgo datan de este período.
Sonata para violín nº 1 en sol menor (BWV 1001), primera página del autógrafoEn 1717 en Dresde, ocurre el anecdótico intento de duelo musical contra Louis Marchand (Se dice que Marchand abandonó la ciudad luego de que a escondidas, previamente, había escuchado a Bach).
El 7 de julio de 1720 mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold, la tragedia llegó a su vida: su esposa, Maria Barbara Bach, murió repentinamente. Algunos especialistas señalan que en memoria de su esposa compuso la partita para violín solo nº 2, BWV 1004, en especial, su última sección.
Al año siguiente, el viudo conoció a Anna Magdalena Wilcke (una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de Köthen). Se casaron el 3 de diciembre de 1721. Pese a la diferencia de edad —ella tenía 17 años menos— tuvieron un matrimonio estable. Juntos tuvieron 13 hijos.
Leipzig (1723–1750)
En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás (Thomaskirche ) en Leipzig, un prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt y Mühlhausen, éste fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado estrechamente ligada al servicio a la aristocracia.
Este puesto final, que mantuvo por 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su empleador: El Ayuntamiento de Leipzig. En el Ayuntamiento habían dos facciones: los absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde, Augusto II de Polonia llamado el Fuerte, y la facción de la ciudad-estado, que representaba los intereses de la clase mercantil, los gremios y los aristócratas menores.
Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el alcalde de aquella época, Gottlieb Lange, un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Coincidiendo con el nombramiento de Bach, a la facción de la ciudad-estado se le otorgó el control de la Escuela de Santo Tomás, siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a sus condiciones de trabajo.
Si bien está claro que nadie en el Ayuntamiento dudaba del genio de Bach, hubo una constante tensión entre el Cantor, que se consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad, y la facción de la ciudad-estado, que lo veía como un maestro de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de música tanto para la Iglesia como para la Escuela.
El Ayuntamiento nunca cumplió la promesa de Lange en la entrevista inicial, de ofrecer un salario de 1.000 táleros anuales, si bien se ofreció a Bach y a su familia, una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la escuela, el que fue renovado con gran gasto en 1732.
Estatua de Bach en LeipzigEl trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de Santo Tomás, y proveer de música semanalmente a las dos iglesias de Leipzig, Santo Tomás y San Nicolás. En un sorprendente arranque de creatividad, escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente se han perdido). Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano; muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, tales como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como inspiración.
Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de Santo Tomás, Bach probablemente se sentaba al clave o se paraba en frente del coro en la baja galería en la parte izquierda del fondo, de espaldas a la congregación y el altar al lado derecho de la salida. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían los maderas, metales y timbales; a la izquierda estaban los instrumentos de cuerda pulsada.
El Ayuntamiento solo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, fuente de constante fricción con el Cantor, que tuvo que reclutar el resto de los 20 o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes, de la Universidad, la Escuela y el público. El órgano o el clave fue probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus hijos, Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel.
Bach seleccionaba los coristas, sopranos y contraltos y los tenores y bajos de la Escuela y de cualquier lugar de Leipzig. Las presentaciones en bodas y funerales daban un ingreso extra a estos grupos; es probable que para este propósito, y para el entrenamiento escolar, escribiese al menos seis motetes, la mayoría para doble coro. Como parte de su trabajo regular en la Iglesia, dirigía motetes de la Escuela Veneciana y de alemanes como Heinrich Schütz, que servirían como modelos formales para sus propios motetes.
En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci, donde uno de de sus hijos, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del monarca como clavecinista de la corte.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, siendo conocido con el sobrenombre "príncipe del teclado", con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.
Su muerte
Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado Taylor, que años después operaría a Haendel, con resultados iguales. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.
Familia e hijos
Bach encabezó una familia numerosa con un total de 20 hijos. Tuvo 7 hijos de su primer matrimonio, de los cuales sobrevivieron 4, y 13 del segundo, de los cuales sobrevivieron solo 5.
Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron :
Catharina Dorothea (*1708 † 1774), Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle (*1710 † 1784), Johann Christoph (*1713 † 1713), Maria Sophia (*1713 † 1713), Carl Philipp Emanuel, el Bach de Berlín y Hamburgo (*1714 † 1788), Johann Gottfried Bernhard (*1715 † 1739) y Leopold Augustus (*1718 † 1719).
Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron :
Christiana Sophia Henrietta (*1723 † 1726), Gottfried Heinrich Bach (*1724 † 1763), Christian Gottlieb Bach (*1725 † 1728), Elisabeth Juliana Friederica Bach, llamada «Liesgen» (*1726 † 1781), Ernestus Andreas Bach (*1727 † 1727), Regina Johanna Bach (*1728 † 1733), Christiana Benedicta Bach (*1729 † 1730), Christiana Dorothea Bach (*1731 † 1732), Johann Christoph Friedrich Bach, llamado el Bach de Bückeburgo (*1732 † 1795), Johann August Abraham Bach (*1733 † 1733), Johann Christian Bach, llamado el Bach de Milán y Bach de Londres (*1735 † 1782), Johanna Carolina Bach (*1737 † 1781) y Regina Susanna Bach (*1742 † 1809).
Cuatro de los hijos se convirtieron en compositores e intérpretes respetados por derecho propio, Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quien Wolfgang Amadeus Mozart tenía una muy buena opinión, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782).
Sin embargo, la confianza que Bach puso en su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, tuvo tristes consecuencias después de su fallecimiento. El hijo perdió para siempre varias Pasiones compuestas por su padre (que quizá ahora serían tan apreciadas como la Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan). Si no hubiese sido por el cuidado que tuvo su otro hijo, Carl Phillip Emanuel, en conservar los manuscritos del padre, el mundo podría haberse visto privado de una buena parte de las obras maestras de Bach.
Wilhelm Friedemann Bach (1710 - 1784)
Carl Philipp Emanuel Bach (1714 - 1788)
Johann Christoph Friedrich Bach (1732 - 1795)
Johann Christian Bach (1735 - 1782)
Legado
Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida: según el estudioso Hans Löffler, más de ochenta. Entre ellos se cuenta a Johann Friedrich Agricola, yerno suyo, que en los últimos años del maestro fue copista de sus obras, además de ayudarle en la redacción de sus últimas composiciones, como en el caso de una de sus últimas corales para órgano, el BWV 668, la última coral del ciclo de Leipzig BWV 651-668.
Ya en su vejez, cuando la gente se refería al nombre Bach lo hacía pensando en su famoso hijo Carl Phillip. En las generaciones posteriores a Bach, sólo algunos compositores y músicos conocían su obra. Básicamente eran sus hijos y sus alumnos, gracias a ellos se conservó y no se perdió en el olvido la producción del Cantor de Santo Tomás, mientras que el resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarle después de su muerte, en plena mitad del siglo XVIII.
Músicos célebres como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Frédéric Chopin, tuvieron un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach, generalmente obras para teclado, pues el resto de su producción estuvo sumida en el olvido. Beethoven, sin conocer la totalidad de su obra, lo definió con un hermoso juego de palabras en alemán: "Nicht Bach, sondern Meer sollte er heissen", cuya traducción es "No debiera llamarse "Bach" ('arroyo', en alemán), sino "Meer" ('mar')".
Obra
Género Ejemplos
Concierto Concierto para clavecín BWV 1052
Preludio/fantasía/toccata y fuga Preludio y fuga BWV 894
Toccata Toccata BWV 916
Pasacalle Passacaglia y fuga BWV 582
Sonata Sonata BWV 527
Suite Suite inglesa BWV 806
Fantasía Fantasía BWV 542
Preludio Preludio BWV 846
Fuga Fuga BWV 1025
Canon Canon BWV 1074
Coral Coral BWV 688
Cantata Cantata sacra BWV 122
Oratorio Oratorio de navidad BWV 248
Misa Misa luterana BWV 234
Magnificat Magnificat BWV 243
Pasión Pasión de san Mateo BWV 244
Partita Partita BWV 828
Sinfonía Sinfonía de la cantata BWV 35
Lied Lied BWV 508
Aria Aria de la cantata BWV 3
Recitativo Recitativo de Fantasía cromática y fuga BWV 903
Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: uno es la música vocal, que comprende cantatas, pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es la música instrumental, desde conciertos (varios para un único solista y otros con hasta incluso cuatro solistas), sonatas, suites, oberturas, preludios, fugas, fantasías, cánones, ricercares, variaciones, pasacalles, etc. para una amplísima gama de instrumentos (prácticamente todos los de la orquesta) de su época (la primera mitad del siglo XVIII), desde los más modernos, flauta traversa, hasta los que estaban en su cenit (laúd, viola da gamba, clavecín...), incluso con instrumentos que quedaron como una curiosidad y nada más, como el clavecín-laúd, un híbrido de clavecín y laúd.
En su música se sintetiza toda la tradición de la música occidental precedente (la polifonía que iniciaron Perotin y Leonin, el Ars nova, la música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1524-1594), Girolamo Frescobaldi (1585-1645), Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Antonio Vivaldi (1675-1741), que aprendió, copió y adoptó desde su juventud, como lo hizo en Weimar (1708-1717), cuando, por gracia del duque, pudo mejorar algunas de sus obras y adaptarlas en sus Conciertos BWV 592-597 y BWV 972-987,conociendo perfectamente todos los estilos de su época.
Durante los últimos años de su vida su obra fue considerada anticuada, árida, difícil, rebuscada y muy llena de adornos, incluso para sus contemporáneos. Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, las nuevas generaciones de músicos componían de forma muy diferente a Bach, era el llamado estilo pre-clásico o galante, en el que la música era más bien homofónica, y el cargado contrapunto que Bach usó apenas asomaba.
Por esa razón, en 1737 Johann Adolph Scheibe (crítico musical de la nueva mentalidad Ilustrada) criticó muy duramente la música de Bach, comentando: "Espera que instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín".
Por ello, después de su muerte, la música tomará una dirección en la que su obra no tendrá cabida; él es el punto final respecto a entender la música que se remontaba a la Edad Media, cuando tenían más importancia las voces que el timbre, la codificación, etc.
Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del futuro. Él creó el concierto para teclado en el 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050 (1719), en el cual el teclado adquiere un papel solista que hasta entonces nunca había tenido.
Después, G. F. Haendel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus Conciertos para órgano. opus 4 (1735) y Concierto para clavecín. RTV 780 respectivamente, fundándose así un nuevo género que adquiriría bastante importancia en los siglos posteriores, como los conciertos para piano de Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin y Liszt testifican.
Bach fue el primer gran maestro del "concierto para teclado", siendo la serie de conciertos BWV 1052-1065 (1735) su máximo logro en el género, naciente entonces.
Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite francesa, donde el contrapunto alemán del norte, muy complejo y rebuscado, tiene un papel muy importante, y todo lo junta haciendo un estilo moderno-arcaico, a la vez que es inconfundible y fácilmente reconocible.
Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano (toccatas, preludios, fugas, corales), franceses del clave (suites, oberturas) y los italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías). Su estilo es fácilmente adaptable en todos los géneros de su época, quizás excepto la ópera, género en el cuál no escribió ni una sola nota, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal.
Especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios, se plasma notablemente la influencia de la ópera, donde la Cantata del Café BWV 211 (1735) es prácticamente como una pequeña ópera sin representación escénica, y la Pasión según san Mateo BWV 244 (1727), una gran ópera religiosa sin representación. Aquí Bach muestra interés en un género que nunca le tentó ni siquiera a componer, aunque sí a escuchar, como en 1735 cuando acompañado de uno de sus hijos vio una ópera de Jean Christophe Geiser.
Bach prácticamente compuso para todos los géneros, en multitud de combinaciones instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos los géneros[6] , abarcando todos los aspectos, aparte de mejorar el género, elevarlo a un nivel superior e incluso crear géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento.
En algunos géneros es el gran maestro de todos los tiempos. Sus Pasiones son las mejores obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras[7] , las tocatas y fugas, los preludios y fugas, pasacalles, y otros géneros, donde sus obras son el apogeo y máximo esplendor del mismo.
Después de Bach, algunos géneros (que él tanto cultivó y elevó a su máximo esplendor) fueron cayendo en el olvido para los grandes compositores.
Los tres periodos estilísticos de su música
La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcado por las influencias y asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740 son capitales para la evolución de su estilo.[8]
El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas sacras; asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII.
El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y se influencia con la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII, en que, cogiendo y sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán(sobriedad, contrapunto complejo y textura interna) logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera. En Leipzig y Kothen, ya forjado su estilo personal, adquiere un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.
El último período de su música, va desde la publicación del Clavier-Uburg III, en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante Beethoven, en que su estilo personal se vuelve mas contraputístico, con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos.
La música vocal
La música vocal de Bach que ha llegado intacta, se manifiesta en 525 obras, aunque solo se han conservado 482 completas. La componen:
Cafetería Zimermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741. Aquí compuso y interpretó la famosa Cantata del café BWV 211 (1735).224 cantatas
10 misas
7 motetes
2 Pasiones completas (de la BWV 247, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la BWV 246, la de San Lucas, es apócrifa)
3 oratorios
188 corales
4 lieder
1 quodlibet
58 cantos espirituales
Toda su música vocal es semireligiosa —sólo 24 cantatas, 4 lieds y 1 quod líbet son profanos— y está compuesta en el seno de la Iglesia luterana alemana, donde era una tradición muy fuerte.
La gran mayoría de su música vocal está compuesta en Leipzig, entre los años 1723 y 1741, siendo Bach, Cantor, y teniendo entre otras obligaciones, el componer cantatas, Pasiones y motetes para las cinco iglesias más grandes de la ciudad, además de los actos civiles y religiosos, como por ejemplo funerales.
Entre la música coral de Bach hay que destacar también sus preludios corales, unos 170 aproximadamente, que compuso para órgano. La antología Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano), que el mismo recopiló en Weimar y en Cöthen, comprende breves preludios corales, que muchas veces destinaba a fines educativos. Esto queda reflejado tras el título de la Orgelbüchlein, donde dice que este “pequeño libro para órgano, en el que se imparte al organista principalmente enseñanza sobre toda suerte de maneras de desarrollar una coral y también para mejorar su técnica del pedal, puesto que en estos corales el pedal está tratado por completo en obbligato (es decir, esencial, no optativo)”.
Además escribió y recopiló libros de pequeñas piezas para clave que sirven, además, de enseñanza para técnica y música al mismo tiempo. Un ejemplo de estas obras didácticas son las Invenciones a dos voces y las Sinfonías a tres voces, al igual que el primer libro de El clave bien temperado.
Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ya que según él, ambos estaban dirigidos a ensalzar “la gloria de Dios”. Un ejemplo de ello es la utilización de los mismos textos para la música sacra y la profana, como sucede con la música del Hosanna de la Misa en si menor, que antes había utilizado en una cantata en homenaje a Augusto II el Grande, rey de Polonia, con motivo de una de sus visitas oficiales a Leipzig. Durante su estancia en esta ciudad, compiló tres antologías corales para órgano: las seis corales Schüber, que son transcripciones de movimientos de cantata, dieciocho corales, que revisó entre 1747 y 1749 y que fueron compuestas en épocas anteriores. Todos ellas incluyen composiciones para órgano como variaciones, fugas, fantasías, tríos y diversos preludios corales. Todos los corales que son posteriores a Bach están concebidos con proporciones mayores que los del Orgelbüchlein y son menos íntimos y subjetivos.
La música instrumental
De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavicémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especulativas. En total son 494 las obras instrumentales completas, que se reparten en:
Ciudades donde Bach habitó.7 cánon para diversos instrumentos
2 sinfonías orquestales
4 suites orquestales
24 conciertos para teclado, violín, flauta solistas y orquesta
16 sonatas para violín, flauta y viola da gamba solistas y teclado o bajo continuo
17 suites y partitas para violín, laúd, violoncello y flauta a solo
1 fuga para laúd
2 obras teóricas especulativas para diversos instrumentos (El arte de la fuga (BWV 1080) y la Ofrenda musical (BWV 1079))
9 sonatas en trío para órgano
26 preludios, toccatas, fantasías y fugas para órgano
10 fugas, fantasías y preludios sueltos para órgano
1 ejercicio para pedal para órgano
1 pasacalle y fuga para órgano
1 canzone, allabreve, aria y pastoral para órgano
6 conciertos para órgano solo
corales para órgano
3 partitas-corales para órgano
1 variación canónica para órgano
30 invenciones y sinfonías para clavecín
4 dúos para clavecín
27 suites y partita para clavecín
3 minuetti para clavecín
56 preludios, fantasías y fuga o fughettas para clavecín
34 tocatta, preludios y fugas sueltas para clavecín
4 sonatas para clavecín
18 conciertos para clavecín solo
3 arias con variaciones
2 caprichos para clavecín
1 applicatio para clavecín
Su música instrumental, a la vez, se divide en tres grandes familias según las formaciones de los instrumentos que intervengan, en el puesto profesional que ocupaba en aquel momento y las características musicales de cada genero y/o obra.
La música para órgano, en su gran mayoría, fue compuesta entre 1700 y 1717, cuando trabajaba como organista en Mühlhausen y Weimar. La música de cámara y orquestal, mayormente entre 1717 y 1723 cuando residía en Kothen, y después entre 1735 y 1747 cuando era director de música del Café Zimmerman en Leipzig. La música para clave y clavicordio, entre 1722 y 1744, cuando era Cantor en Leipzig.
Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana, y mucha de ella, especialmente la destinada al teclado, de carácter didáctico, como El clave bien temperado BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas-partitas de dicha serie que fue compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.
Instrumentación de sus obras
La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII, incluyendo instrumentos modernos para su época, o antiguos, que después de 1750 caerían en desuso.
Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas, violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instrumentos que tienen menor importancia en aparición, como la trompeta, el laúd, el fagot, el corno, el timbal o el oboe y otros, son testimoniales, estando destinados únicamente a un número muy reducido de obras.
Teclado
El órgano ocupa, junto con el clavecín, el primer puesto en las obras de un instrumento solista y un papel central en la obra bachiana con las más de 400 obras destinadas a ellos, aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras orquestales, las cantatas, las misas, las pasiones y algunas obras de cámara. También estos dos instrumentos adquieren un papel importante como solistas o acompañantes en las sinfonías y arias de las cantatas, las sonatas para teclado y un instrumento solista monódico, y los conciertos para cuerdas y uno, dos, tres o cuatro teclados.
Como todo compositor del barroco, dirigía sus obras desde el clavecín u órgano cuando interpretaban sus piezas más de un instrumento solista, y componía basado en ellos todas sus obras, de manera que la importancia de estos dos instrumentos se acentuó todavía más en la producción bachiana. También solía dirigir la orquesta tocando simultáneamente la viola.
Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos dos instrumentos fue capital, explotando al límite sus capacidades, haciendo sonidos y efectos nunca vistos, investigando y mejorando los recursos, la ejecución, haciendo una demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado 846-893, llevando al cenit las posibilidades que podían ofrecer estos dos instrumentos hasta entonces.
Órgano
órgano de Weimar en 1660. En este instrumento, Bach compuso entre 1708 y 1717 gran parte de su obra organísticaDesde sus primeros años hasta su muerte destinó un gran número de obras a este instrumento y quizá sea el más ligado y el más representativo de la figura del genio.
Su estilo procede de la escuela alemana, en la que de su maestro Dietrich Buxtehude coge los rasgos de la escuela del norte de Alemania, y de Johann Pachelbel los de la del sur, que él fusiona sacando la máxima expresión, siendo la cumbre de la escuela. Él es el último representante importante.
Su aportación al órgano fue tan numerosa y capital en calidad y cantidad que se considera que es el mejor compositor de música organística de todos los tiempos. Anton Bruckner (1824-1896) y Cesar Franck, grandes organistas y compositores del instrumento, lo afirmaron al oír sus obras para órgano.
Órgano como solista a solo: El órgano tiene su papel principal en el corpus de obras BWV 525-771, donde tiene pasajes bastante memorables. Se divide en dos grandes bloques, la de temática libre, que incluye las toccatas, preludios, fugas y sonatas, y la de la temática religiosa, que incluye los corales instrumentales y las variaciones-partitas y los preludios corales.
Aquí desde sus primeros años hay obras que ya denotan la madurez del autor como la Toccata y fuga (BWV 565), 1708, y la Toccata, adagio y fuga (BWV 564), llegando hasta sublimes obras que explotaban todos los recursos con una maestría y calidad sobresalientes en la etapa de Leipzig, como las Variaciones canónicas (BWV 769), 1746.
Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista con más de un instrumento, el papel de éste instrumento se encuentra en las cantatas sacras, generalmente en las correspondientes a los años 1726-1727.
En esas cantatas, el órgano tiene su papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías, como si fuera un concierto para órgano y orquesta, como en los conciertos para órgano de su contemporáneo G.F. Haendel. Esos movimientos abrían la cantata y servían como introducción de la obra y como lucimiento del autor sobre el instrumento. Todas las cantatas sólo tienen una pieza de introducción que Bach llamó sinfonía, menos la BWV 35, que tiene dos. De esas sinfonías después saldrían algunos conciertos para clavecín y cuerda de la serie BWV 1052-1065 del año 1735.
Después del papel de solista en las sinfonías, el órgano acompaña a la voz en arias de algunas cantatas solo o con cuerda o bajo continuo. Aquí generalmente acompaña y juega a la voz de manera bastante notable, como el aria de la BWV 35.
Clavecín
En su época era el instrumento de teclado por excelencia, con mucho prestigio en Alemania y en Francia.[9] Sus obras destinadas al instrumento así lo testifican[9] , formando el corpus BWV 772-994, con más de 245 obras en su haber.
Clavecín solo: Destinó para el clavecín solo, una gran cantidad de obras, entre las cuales hay algunas de gran importancia en la historia del instrumento y de su autor. Es obligatorio citar las Variaciones Goldberg (BWV 988), que el autor lleva a la cima el antiguo arte de las variaciones[9] y es la obra de clave mas difícil de interpretar del barroco, El clave bien temperado (BWV 846-893), las partitas BWV 825-830 y el Concierto italiano (BWV 971), obras de máxima madurez y cumbre de la literatura tecladística desde el nacimiento de los instrumentos de teclado hasta entonces.
Clavecín como solista y acompañante obligado: El clavecín, como acompañante y solista, tiene bastante importancia en las sonatas y los conciertos de Bach, que le dio un papel novedoso como nunca antes se había hecho.
En los conciertos, el clavecín adquiere la función de solista y adquiere un rol que nunca había tenido antes. En el famoso 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050, por primera vez, el clavecín alterna el papel de bajo continuo con el de solista, uniéndose a los dos solistas restantes para acabar en una genial y virtuosísima cadencia que explota todas las posibilidades del instrumento. Lo mismo ocurre en la BWV 1044, aunque éste es una transcripción del Preludio y fuga BWV 944. La BWV 1050 trazó un camino, que desembocaría en 1735 en la serie de conciertos BWV 1052-1065, donde el clave juega el papel de solista.
En las trío-sonatas, el clave tiene una función novedosa que anticipa la sonata de finales del siglo XVIII, aparte de la función tradicional de bajo continuo. Esta novedad se advierte en tres series de sonatas que superan el modelo tradicional de la sonata en trío para formar un dúo de instrumentos solistas más clave solo. Hay en estas piezas trozos en los que el clave acompaña a los solistas realizando el bajo continuo con la ayuda en la mano izquierda de la viola de gamba o el violoncello. Las sonatas que tienen ese papel tan novedoso son las BWV 1014-1019, 1027-1029 y 1030-1035, para violín, flauta y viola da gamba respectivamente.
Cuerda
La familia de las cuerdas, compuesta en la primera mitad del siglo XVIII por el violín, violín 'piccolo', viola, viola da gamba, viola d'amore, violoncello y contrabajo, son el sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Los instrumentos más graves cumplen la función de bajo continuo junto con el omnipresente teclado.
Bach, como todo músico del Barroco usaba cuerdas en toda su obra, siempre violoncellos y violones (el miembro más grave de la viola de gamba) o contrabajos, el miembro más grave de la familia de los violines, con la función de interpretar el bajo.
Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista, y violista. No tocó la viola de gamba, pero era amigo de factores de esos instrumentos, por lo que conocía con exactitud las caraterísticas, las virtudes, los defectos y las limitaciones de esta familia, sacando el máximo rendimiento y explotación en sus obras, donde la dificultad técnica y la belleza brillan en todo su esplendor.
Como en la música para teclado, su aportación en este campo supuso un antes y un después en la historia de esta familia, especialmente para el violín y el cello.
Violín
Uno de los instrumentos nacidos en el Barroco, tuvo ya en la segunda mitad del siglo XVII italiano, geniales obras de manos de Corelli y Torelli, los primeros maestros de este recién nacido instrumento. Después vendría Vivaldi, que lo elevaría y mejoraría a otro nivel, haciendo del instrumento el rey de la época barroca.
Violín solo: Las obras son las tres Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006. Escritas en Köthen en 1720, estas obras son uno de las ejemplos cumbres de este instrumento, donde una polifonía muy refinada, técnica y virtuosismo componen pasajes muy memorables, como la célebre chacona de la partita 2.
Violín solista y obligado: El violín como solista está presente en muchos conciertos, donde se le confiere un papel muy virtuoso al estilo italiano cogiendo el ejemplo de Vivaldi. Los conciertos que tiene como solista son los dos Conciertos para un violín y cuerda BWV 1041 y BWV 1042, y para 2 violines y cuerda BWV 1043, todos escritos en Kothen hacia 1720, superando el modelo vivaldiano del concierto. Además, el violín tiene una función como solista junto con otros instrumentos solistas en el Concierto BWV 1044, junto con el clave y la flauta, y en los Conciertos de Branderburgo BWV 1047, BWV 1048, BWV 1049 y BWV 1050, donde juega y complementa con la trompeta, el oboe, la flauta dulce, el clave y la cuerda entera. En algunas sinfonías de las cantatas, como ejemplo el BWV 1045, también otorga al violín el rango de solista, aunque no tiene el protagonismo ni la importancia del órgano.
El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara, en la especulativa, en la vocal religiosa y en la vocal profana. En la música de cámara, el violín, al igual que en el caso del clave, hace un papel novedoso en las 6 Sonatas para clave y violín BWV 1014-1019, una de las cimas de la música de cámara del siglo XVIII y una de las obras más queridas, e interpretada por su propio autor e hijos.
Violoncelo
El instrumento más grave antes del contrabajo de la familia de las cuerdas, que nació hacia 1530 en Italia, en la segunda mitad del siglo XVII sufrirá un gran auge entre los compositores, como faceta de acompañante de bajo continuo junto al clave y órgano, relegando a principios del siguiente a la obsoleta Viola da gamba. Gran parte del éxito en aquella época se debe a compositores como Vivaldi, y Bach, que quedaron entusiasmados por las nuevas características técnicas y el potente sonido que superaba los límites de la viola da gamba, de ejecución más difícil que el violoncello.
La primera pagina del manuscrito de Anna Magdalena Bach de la Suite No. 1 para violonchelo solo,BWV 1007
Bach fue uno de los primeros compositores que compusieron para el nuevo instrumento, con apenas precedentes que las obras de Vivaldi, entre otros, incluso investigó a fondo las características sonoras y técnicas e hizo fabricar especialmente para sus obras, tipos de violoncellos especiales como el "de amore", cuyo ejemplar está conservado en el Museo de Leipzig.
El violoncello abarca muchas facetas de la su obra, como solista y acompañante, cuya única aportación a solo, y la más destacada, son las seis Suites para violonchelo solo BWV 1007-BWV 1012, la más sobresaliente de Bach para este instrumento y una de las cumbres de la composición para cello, escritas en Köthen en 1722.
Como el órgano, el violoncello como función de solista está fundamentalmente en las cantatas, especialmente en las arias, donde es notable su participación en la aria para bajo de la BWV 132, además de la Pasión de San Juan y Pasión de San Mateo.
Como acompañante, su presencia es junto al órgano y el clave, un miembro básico para ejecutar el bajo continuo, omnipresente prácticamente en la música vocal y la música orquestal y de cámara.
En gran parte de las 200 cantatas, misas y Pasiones, un violoncelo hace de acompañante junto al clave/órgano en las arias que solo requieren bajo continuo y el interprete cantor, como ejemplo la primera aria de la Cantata BWV 149.
Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e ingeniosos contrapuntos. Llevó a su culminación el género de la fuga en su obra El clave bien temperado, que consiste en 48 preludios y fugas, un preludio y una fuga para cada tonalidad mayor y menor. Otro trabajo importante es El arte de la fuga, que quedó inconcluso, al morir mientras lo componía. Compuesto con la idea de que fuese un conjunto de ejemplos de las técnicas del contrapunto, El arte de la fuga consta de 14 fugas con diferentes formas, pero todas con el mismo tema básico.
También revisten gran interés sus conciertos, que compuso basándose en la forma de los conciertos de Antonio Vivaldi. Así, por ejemplo, los Conciertos de Brandeburgo se caracterizan por estar dedicados cada uno de ellos a un grupo diferente de instrumentos solistas.
Bach escribió mucha de su música para la Iglesia luterana. En particular sus cantatas fueron compuestas para las misas dominicales, y sus Pasiones para las ceremonias de Viernes Santo.
Además de las ya citadas, otras de sus obras célebres son las Suites para orquesta, las Suites para violonchelo, los Conciertos para violín y la Misa in si menor.
El reestreno de la Pasión según san Mateo el 11 de marzo de 1829 por Felix Mendelssohn dio un gran impulso a la divulgación de la música de Johann Sebastian Bach. Este hecho destaca de sobremanera, ya que se trataba de música muy antigua para su época. En la actualidad se acostumbra a interpretar obras de otros siglos, en el período romántico no era así.
Influencias
La música del Cantor tiene múltiples influencias, directas e importantes, que proceden de compositores alemanes, franceses e italianos del siglo XVII y principios del XVIII. Los compositores que son influencia central en la música del Cantor, se pueden dividir en 5 grandes bloques y regiones nacionales. Estos son:
Buxtehude,una de los compositores que mas influyeron en la música de Bach,especialmente en la de órgano.Músicos de Alemania central:
Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel, Johann Kuhnau, Johann Ludwig Bach, Johann Gottfried Walther, Johann Georg Pisendel, Silvius Leopold Weiss, Johann Friedrich Fasch
Músicos de Alemania del norte:
Johann Adam Reincken, Dietrich Buxtehude, Nicolaus Bruhns, Georg Böhm
Músicos de Alemania del sur:
Johann Jakob Froberger, Johann Caspar Kerll, Johann Caspar Ferdinand Fischer, Johann Joseph Fux
Músicos italianos:
Giovanni Pierluigi da Palestrina, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Giovanni Legrenzi, Giovanni Bassani, Giuseppe Torelli, Alessandro Marcello, Tomaso Giovanni Albinoni, Antonio Vivaldi, Benedetto Marcello, Nicola Antonio Porpora, Francesco Durante, Giovanni Alberto Ristori, Giovanni Battista Pergolesi
Músicos franceses:
André Raison, François Dieupart, François Couperin, Louis Marchand, Nicolas de Grigny
Bach se interesaba, estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos, teniendo con muchos de ellos relación personal directa. Entre ellos, cabe mencionar a Jan Dismas Zelenka, Johann Mattheson, Georg Philipp Telemann, Reinhard Keiser y Georg Friedrich Händel.
El catálogo BWV de su obra
Artículo principal: Anexo:Catalogo BWV de Johann Sebastian Bach
Artículo principal: BWV
El registro o catálogo de sus obras, que abarca en total 1 127 obras, fue elaborado por Wolfgang Schmieder en 1950, después de la Segunda Guerra Mundial. Se conoce por las siglas "BWV", que significan Bach Werke Verzeichnis, o 'Catálogo de obras de Bach'.
El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann Sebastian Bach. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el de Schmieder está clasificado por tipo de obra de la siguiente forma:
1-200: Cantatas religiosas
201-215: Cantatas profanas
216-224: Otras cantatas
225-231: Motetes
232-242: Misas
243: El Magnificat
244-247: Pasiones
248-249: Oratorios
250-438: Composiciones corales
439-524: Lieder y arias
525-771: Obras para órgano
772-994: Obras para clavecín
995-1000: Obras para laúd
1001-1013: Obras para solistas instrumentales
1014-1040: Música de cámara
1041-1071: Conciertos
1072-1080: Obras de contrapunto (es decir, cánones y otros)
1081-1127: Obras encontradas después de 1950
Por esta razón un número BWV menor no indica una obra cronológicamente temprana.
También existe el catálogo elaborado por Christoff Wolff, de menor difusión
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca, una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental[1] , epicentro de la musica occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal[2] , no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto[3] ,y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Toccata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Overtura francesa, las Suites para violonchello solo, las partitas y sonatas para violin solo y las suites orquestales[4] .
Tabla de contenidos [ocultar]
1 Biografía
1.1 Primeros años (1685-1703)
1.2 Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
1.3 Período en Weimar (1708–1717)
1.4 Köthen (1717–1723)
1.5 Leipzig (1723–1750)
1.6 Su muerte
1.7 Familia e hijos
2 Legado
3 Obra
3.1 Los tres periodos estilísticos de su música
3.2 La música vocal
3.3 La música instrumental
4 Instrumentación de sus obras
4.1 Teclado
4.1.1 Órgano
4.1.2 Clavecín
4.2 Cuerda
4.2.1 Violín
4.2.2 Violoncelo
5 Influencias
6 El catálogo BWV de su obra
7 Cronología de su resurgimiento póstumo
8 Citas sobre su figura
9 Bibliografía recomendada
10 Discografía recomendada[12]
11 Referencias
12 Véase también
13 Enlaces externos
Biografía
«El único propósito y razón final de toda la música debería ser la gloria de dios y el alivio del espíritu»
Bach.Hacia 1714-1716[5]Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Por más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia) en que la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban un significativo aporte para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6 000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música secular y la participación en la música eclesial. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de la corte hasta compositores. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de "músico". La familia Bach era consciente de sus logros musicales, y alrededor de 1735 Bach esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.
Primeros años (1685-1703)
Registro escolar del Liceo de Ohrdruf. J. S. Bach es el 4to. alumno de la segunda lista.Johann Sebastian nació el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Domenico Scarlatti y George Frideric Haendel). La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano, pues los alemanes aún no habían adaptado el calendario gregoriano, para el que la fecha era el 31 de marzo. Su madre, Maria Elisabetha Lämmerhirt, murió cuando él tenía 9 años de edad, y su padre —que ya le había dados las primeras lecciones de música— murió al año siguiente. El pequeño huérfano fue a vivir y estudiar con su hermano 16 años mayor, Johann Christoph Bach, organista en Ohrdruf, una ciudad cercana. Allí, aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano, y aparentemente recibió valiosas enseñanzas de su hermano. Conoció las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania como Johann Pachelbel, y de los franceses como Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand y Marin Marais. El niño probablemente presenció y asistió en el mantenimiento del órgano; éste sería el precedente de su futura actividad profesional en la construcción y restauración de órganos. El obituario de Bach indica que copiaba la música de las partituras de su hermano, pero aparentemente su hermano se lo prohibió, posiblemente debido a que las partituras eran valiosas y productos privados de la época.
A los 14 años, fue premiado con una escolaridad coral, con su amigo mayor de la escuela, Georg Erdmann, para estudiar en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg, no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo. Esto lo involucró en una larga jornada de viaje con su amigo, probablemente a pie o en parte en carroza. No hay referencias escritas de este período de su vida, pero los dos años de estadía en la Escuela aparecen como críticos en su carrera, al exponerlo a una paleta más amplia de la cultura europea, de la que pudo experimentar en Turingia. Además de cantar en el coro a capella, es probable que haya tocado el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente aprendió francés e inglés, recibiendo un bagaje en teología, latín, geografía y física. Quizás entró en contacto con los hijos de los nobles del norte de Alemania que eran enviados a esta escuela altamente selecta, para prepararse en sus carreras diplomáticas, gubernamentales y militares. Es muy probable también que tuviese un significativo contacto con los organistas en Lüneburg, en particular con Georg Böhm, y visitara varios de ellos, como a Johann Adam Reincken y a Nicolaus Bruhns. Probablemente gracias a estos músicos tuvo acceso a instrumentos más grandes para tocar. También es posible que durante su estadía se familiarizase con la música de la tradición del Norte de Alemania, especialmente con la obra de Dieterich Buxtehude, y con manuscritos musicales y tratados de teoría musical que estaban en posesión de aquellos músicos.
Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
En enero de 1703, después de su graduación, Bach logró un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. No está muy definido cual fue su función allí, pero parece haber incluído labores no musicales. Durante sus 17 meses de servicio, su reputación como tecladista se extendió y fue invitado a inspeccionar y dar el concierto inagural en el flamante órgano de la Iglesia de San Bonifacio en la cercana ciudad de Arnstadt, donde su familia formaba además una extensa red social.
En agosto de 1703 tomó el puesto de organista en dicha iglesia, relativamente bien remunerado y con el nuevo organo a su disposición, el cual, debido a su sistema más moderno, tenía un teclado más amplio. Para ese entonces, el joven organista estaba desarrollando composiciones más complejas de preludios, en la tradición musical del Norte de Alemania, que incluía el virtuosismo, la improvisación y la exploración musical. Bach desarrolló en estas composiciones, su talento en el campo de las escalas y en la técnica del contrapunto, donde dos o más melodías interactuaban simultáneamente. Se estima que fue entonces cuando compuso su conocida obra Toccata y fuga en re menor.
Sin embargo, las relaciones familiares y laborales se fueron deteriorando con los años, y durante algunos meses entre 1705 y 1706, abandonó Arnstadt para viajar a Lubeck y visitar al destacado organista Dietrich Buxtehude, considerado la principal figura de los organistas alemanes de su época. El encuentro tuvo gran impacto en la obra de Bach. De regreso en Arnstadt, decidió que su futuro debería estar fuera del ambiente familiar y comenzó a buscar otro puesto de trabajo. Una oferta con mejores perspectivas económicas le fue hecha desde la ciudad de Mühlhausen, Turingia, para ocupar el puesto de organista en la Iglesia de san Blas (Divi Vlasi). Antes de tomar el puesto, se casó el 17 de octbre de 1707 con Maria Barbara Bach, una prima suya en segundo grado, con quien tendría siete hijos, de los cuales cuatro llegaron a la edad adulta.
El concejo de la ciudad y la iglesia aceptaron los requerimientos de Bach, e invirtieron una gran suma en la renovación del órgano de la iglesia. Para la inaguración de nuevo concejo de la ciudad en 1708, el organista interpretó su obra Gott ist mein König BWV 71, escrita para tal ocasión, la cual fue muy apreciada por sus empleadores. Su estadía en la ciudad terminaría el mismo año, cuando le fue ofrecido un mejor puesto en la ciudad de Weimar.
Período en Weimar (1708–1717)
Transcurrido apenas un año, una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en Weimar. El retorno al lugar de su primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. El puesto de concertino, un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su puesto en Mühlhausen. En los siguientes años nacieron su primeros hijos, de los cuales destacan Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach.
A la muerte del principe Johann Ernst en 1707, su hermano Wilhelm Ernst había asumido el poder de facto. Por su anterior cercanía con el duque Johann Ernst, que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la música italiana, Bach había estudiado las obras de Antonio Vivaldi y Arcángelo Corelli, entre otros autores italianos, asimilando el dinamismo y la emocionalidad armónica de ellos, transcribiendo sus obras y aplicando éstas cualidades a sus propias composiciones, las que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del duque Wilhem Ernst.
Este período en la vida de Bach fue fructífero. Sus obras de este período son conocidas como fugas, de las cuales El clave bien temperado es el mayor ejemplo. En el ambiente familiar comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein para su hijo mayor Wilhelm Friedemann, obra didáctica que dejó inconclusa.
En 1717 con motivo del fallecimiento del maestro de capilla de la corte, Bach solicitó el puesto vacante, pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido maestro de capilla. Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia, lo que disgustó al duque Wilhem Ernst, que ordenó su arresto por algunas semanas en el castillo antes de aceptarla.
Köthen (1717–1723)
El palacio y los jardines de Cöthen en un grabado del Topographia (1650) de Matthäus Merian.Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus intereses musicales. El príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla o Kapellmeister. El príncipe Leopold, que también era músico, apreciaba su talento, le pagaba bien, y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en sus misas; por esa razón, la mayoría de obras de Bach de este período fueron seculares. Como ejemplo están las Suites orquestales, las seis suites para violonchelo solo y las Sonatas y partitas para violín solo.
La fotografía de la página inicial de la Sonata para violín nº 1 en sol menor muestra la escritura del compositor —rápida y eficiente—, pero tan adornada visualmente como la música que contiene. Los muy conocidos Conciertos de Brandeburgo datan de este período.
Sonata para violín nº 1 en sol menor (BWV 1001), primera página del autógrafoEn 1717 en Dresde, ocurre el anecdótico intento de duelo musical contra Louis Marchand (Se dice que Marchand abandonó la ciudad luego de que a escondidas, previamente, había escuchado a Bach).
El 7 de julio de 1720 mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold, la tragedia llegó a su vida: su esposa, Maria Barbara Bach, murió repentinamente. Algunos especialistas señalan que en memoria de su esposa compuso la partita para violín solo nº 2, BWV 1004, en especial, su última sección.
Al año siguiente, el viudo conoció a Anna Magdalena Wilcke (una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de Köthen). Se casaron el 3 de diciembre de 1721. Pese a la diferencia de edad —ella tenía 17 años menos— tuvieron un matrimonio estable. Juntos tuvieron 13 hijos.
Leipzig (1723–1750)
En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás (Thomaskirche ) en Leipzig, un prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt y Mühlhausen, éste fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado estrechamente ligada al servicio a la aristocracia.
Este puesto final, que mantuvo por 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su empleador: El Ayuntamiento de Leipzig. En el Ayuntamiento habían dos facciones: los absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde, Augusto II de Polonia llamado el Fuerte, y la facción de la ciudad-estado, que representaba los intereses de la clase mercantil, los gremios y los aristócratas menores.
Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el alcalde de aquella época, Gottlieb Lange, un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Coincidiendo con el nombramiento de Bach, a la facción de la ciudad-estado se le otorgó el control de la Escuela de Santo Tomás, siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a sus condiciones de trabajo.
Si bien está claro que nadie en el Ayuntamiento dudaba del genio de Bach, hubo una constante tensión entre el Cantor, que se consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad, y la facción de la ciudad-estado, que lo veía como un maestro de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de música tanto para la Iglesia como para la Escuela.
El Ayuntamiento nunca cumplió la promesa de Lange en la entrevista inicial, de ofrecer un salario de 1.000 táleros anuales, si bien se ofreció a Bach y a su familia, una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la escuela, el que fue renovado con gran gasto en 1732.
Estatua de Bach en LeipzigEl trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de Santo Tomás, y proveer de música semanalmente a las dos iglesias de Leipzig, Santo Tomás y San Nicolás. En un sorprendente arranque de creatividad, escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente se han perdido). Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano; muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, tales como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como inspiración.
Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de Santo Tomás, Bach probablemente se sentaba al clave o se paraba en frente del coro en la baja galería en la parte izquierda del fondo, de espaldas a la congregación y el altar al lado derecho de la salida. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían los maderas, metales y timbales; a la izquierda estaban los instrumentos de cuerda pulsada.
El Ayuntamiento solo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, fuente de constante fricción con el Cantor, que tuvo que reclutar el resto de los 20 o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes, de la Universidad, la Escuela y el público. El órgano o el clave fue probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus hijos, Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel.
Bach seleccionaba los coristas, sopranos y contraltos y los tenores y bajos de la Escuela y de cualquier lugar de Leipzig. Las presentaciones en bodas y funerales daban un ingreso extra a estos grupos; es probable que para este propósito, y para el entrenamiento escolar, escribiese al menos seis motetes, la mayoría para doble coro. Como parte de su trabajo regular en la Iglesia, dirigía motetes de la Escuela Veneciana y de alemanes como Heinrich Schütz, que servirían como modelos formales para sus propios motetes.
En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci, donde uno de de sus hijos, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del monarca como clavecinista de la corte.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, siendo conocido con el sobrenombre "príncipe del teclado", con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.
Su muerte
Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado Taylor, que años después operaría a Haendel, con resultados iguales. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.
Familia e hijos
Bach encabezó una familia numerosa con un total de 20 hijos. Tuvo 7 hijos de su primer matrimonio, de los cuales sobrevivieron 4, y 13 del segundo, de los cuales sobrevivieron solo 5.
Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron :
Catharina Dorothea (*1708 † 1774), Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle (*1710 † 1784), Johann Christoph (*1713 † 1713), Maria Sophia (*1713 † 1713), Carl Philipp Emanuel, el Bach de Berlín y Hamburgo (*1714 † 1788), Johann Gottfried Bernhard (*1715 † 1739) y Leopold Augustus (*1718 † 1719).
Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron :
Christiana Sophia Henrietta (*1723 † 1726), Gottfried Heinrich Bach (*1724 † 1763), Christian Gottlieb Bach (*1725 † 1728), Elisabeth Juliana Friederica Bach, llamada «Liesgen» (*1726 † 1781), Ernestus Andreas Bach (*1727 † 1727), Regina Johanna Bach (*1728 † 1733), Christiana Benedicta Bach (*1729 † 1730), Christiana Dorothea Bach (*1731 † 1732), Johann Christoph Friedrich Bach, llamado el Bach de Bückeburgo (*1732 † 1795), Johann August Abraham Bach (*1733 † 1733), Johann Christian Bach, llamado el Bach de Milán y Bach de Londres (*1735 † 1782), Johanna Carolina Bach (*1737 † 1781) y Regina Susanna Bach (*1742 † 1809).
Cuatro de los hijos se convirtieron en compositores e intérpretes respetados por derecho propio, Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quien Wolfgang Amadeus Mozart tenía una muy buena opinión, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782).
Sin embargo, la confianza que Bach puso en su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, tuvo tristes consecuencias después de su fallecimiento. El hijo perdió para siempre varias Pasiones compuestas por su padre (que quizá ahora serían tan apreciadas como la Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan). Si no hubiese sido por el cuidado que tuvo su otro hijo, Carl Phillip Emanuel, en conservar los manuscritos del padre, el mundo podría haberse visto privado de una buena parte de las obras maestras de Bach.
Wilhelm Friedemann Bach (1710 - 1784)
Carl Philipp Emanuel Bach (1714 - 1788)
Johann Christoph Friedrich Bach (1732 - 1795)
Johann Christian Bach (1735 - 1782)
Legado
Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida: según el estudioso Hans Löffler, más de ochenta. Entre ellos se cuenta a Johann Friedrich Agricola, yerno suyo, que en los últimos años del maestro fue copista de sus obras, además de ayudarle en la redacción de sus últimas composiciones, como en el caso de una de sus últimas corales para órgano, el BWV 668, la última coral del ciclo de Leipzig BWV 651-668.
Ya en su vejez, cuando la gente se refería al nombre Bach lo hacía pensando en su famoso hijo Carl Phillip. En las generaciones posteriores a Bach, sólo algunos compositores y músicos conocían su obra. Básicamente eran sus hijos y sus alumnos, gracias a ellos se conservó y no se perdió en el olvido la producción del Cantor de Santo Tomás, mientras que el resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarle después de su muerte, en plena mitad del siglo XVIII.
Músicos célebres como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Frédéric Chopin, tuvieron un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach, generalmente obras para teclado, pues el resto de su producción estuvo sumida en el olvido. Beethoven, sin conocer la totalidad de su obra, lo definió con un hermoso juego de palabras en alemán: "Nicht Bach, sondern Meer sollte er heissen", cuya traducción es "No debiera llamarse "Bach" ('arroyo', en alemán), sino "Meer" ('mar')".
Obra
Género Ejemplos
Concierto Concierto para clavecín BWV 1052
Preludio/fantasía/toccata y fuga Preludio y fuga BWV 894
Toccata Toccata BWV 916
Pasacalle Passacaglia y fuga BWV 582
Sonata Sonata BWV 527
Suite Suite inglesa BWV 806
Fantasía Fantasía BWV 542
Preludio Preludio BWV 846
Fuga Fuga BWV 1025
Canon Canon BWV 1074
Coral Coral BWV 688
Cantata Cantata sacra BWV 122
Oratorio Oratorio de navidad BWV 248
Misa Misa luterana BWV 234
Magnificat Magnificat BWV 243
Pasión Pasión de san Mateo BWV 244
Partita Partita BWV 828
Sinfonía Sinfonía de la cantata BWV 35
Lied Lied BWV 508
Aria Aria de la cantata BWV 3
Recitativo Recitativo de Fantasía cromática y fuga BWV 903
Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: uno es la música vocal, que comprende cantatas, pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es la música instrumental, desde conciertos (varios para un único solista y otros con hasta incluso cuatro solistas), sonatas, suites, oberturas, preludios, fugas, fantasías, cánones, ricercares, variaciones, pasacalles, etc. para una amplísima gama de instrumentos (prácticamente todos los de la orquesta) de su época (la primera mitad del siglo XVIII), desde los más modernos, flauta traversa, hasta los que estaban en su cenit (laúd, viola da gamba, clavecín...), incluso con instrumentos que quedaron como una curiosidad y nada más, como el clavecín-laúd, un híbrido de clavecín y laúd.
En su música se sintetiza toda la tradición de la música occidental precedente (la polifonía que iniciaron Perotin y Leonin, el Ars nova, la música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1524-1594), Girolamo Frescobaldi (1585-1645), Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Antonio Vivaldi (1675-1741), que aprendió, copió y adoptó desde su juventud, como lo hizo en Weimar (1708-1717), cuando, por gracia del duque, pudo mejorar algunas de sus obras y adaptarlas en sus Conciertos BWV 592-597 y BWV 972-987,conociendo perfectamente todos los estilos de su época.
Durante los últimos años de su vida su obra fue considerada anticuada, árida, difícil, rebuscada y muy llena de adornos, incluso para sus contemporáneos. Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, las nuevas generaciones de músicos componían de forma muy diferente a Bach, era el llamado estilo pre-clásico o galante, en el que la música era más bien homofónica, y el cargado contrapunto que Bach usó apenas asomaba.
Por esa razón, en 1737 Johann Adolph Scheibe (crítico musical de la nueva mentalidad Ilustrada) criticó muy duramente la música de Bach, comentando: "Espera que instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín".
Por ello, después de su muerte, la música tomará una dirección en la que su obra no tendrá cabida; él es el punto final respecto a entender la música que se remontaba a la Edad Media, cuando tenían más importancia las voces que el timbre, la codificación, etc.
Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del futuro. Él creó el concierto para teclado en el 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050 (1719), en el cual el teclado adquiere un papel solista que hasta entonces nunca había tenido.
Después, G. F. Haendel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus Conciertos para órgano. opus 4 (1735) y Concierto para clavecín. RTV 780 respectivamente, fundándose así un nuevo género que adquiriría bastante importancia en los siglos posteriores, como los conciertos para piano de Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin y Liszt testifican.
Bach fue el primer gran maestro del "concierto para teclado", siendo la serie de conciertos BWV 1052-1065 (1735) su máximo logro en el género, naciente entonces.
Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite francesa, donde el contrapunto alemán del norte, muy complejo y rebuscado, tiene un papel muy importante, y todo lo junta haciendo un estilo moderno-arcaico, a la vez que es inconfundible y fácilmente reconocible.
Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano (toccatas, preludios, fugas, corales), franceses del clave (suites, oberturas) y los italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías). Su estilo es fácilmente adaptable en todos los géneros de su época, quizás excepto la ópera, género en el cuál no escribió ni una sola nota, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal.
Especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios, se plasma notablemente la influencia de la ópera, donde la Cantata del Café BWV 211 (1735) es prácticamente como una pequeña ópera sin representación escénica, y la Pasión según san Mateo BWV 244 (1727), una gran ópera religiosa sin representación. Aquí Bach muestra interés en un género que nunca le tentó ni siquiera a componer, aunque sí a escuchar, como en 1735 cuando acompañado de uno de sus hijos vio una ópera de Jean Christophe Geiser.
Bach prácticamente compuso para todos los géneros, en multitud de combinaciones instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos los géneros[6] , abarcando todos los aspectos, aparte de mejorar el género, elevarlo a un nivel superior e incluso crear géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento.
En algunos géneros es el gran maestro de todos los tiempos. Sus Pasiones son las mejores obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras[7] , las tocatas y fugas, los preludios y fugas, pasacalles, y otros géneros, donde sus obras son el apogeo y máximo esplendor del mismo.
Después de Bach, algunos géneros (que él tanto cultivó y elevó a su máximo esplendor) fueron cayendo en el olvido para los grandes compositores.
Los tres periodos estilísticos de su música
La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcado por las influencias y asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740 son capitales para la evolución de su estilo.[8]
El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas sacras; asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII.
El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y se influencia con la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII, en que, cogiendo y sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán(sobriedad, contrapunto complejo y textura interna) logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera. En Leipzig y Kothen, ya forjado su estilo personal, adquiere un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.
El último período de su música, va desde la publicación del Clavier-Uburg III, en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante Beethoven, en que su estilo personal se vuelve mas contraputístico, con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos.
La música vocal
La música vocal de Bach que ha llegado intacta, se manifiesta en 525 obras, aunque solo se han conservado 482 completas. La componen:
Cafetería Zimermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741. Aquí compuso y interpretó la famosa Cantata del café BWV 211 (1735).224 cantatas
10 misas
7 motetes
2 Pasiones completas (de la BWV 247, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la BWV 246, la de San Lucas, es apócrifa)
3 oratorios
188 corales
4 lieder
1 quodlibet
58 cantos espirituales
Toda su música vocal es semireligiosa —sólo 24 cantatas, 4 lieds y 1 quod líbet son profanos— y está compuesta en el seno de la Iglesia luterana alemana, donde era una tradición muy fuerte.
La gran mayoría de su música vocal está compuesta en Leipzig, entre los años 1723 y 1741, siendo Bach, Cantor, y teniendo entre otras obligaciones, el componer cantatas, Pasiones y motetes para las cinco iglesias más grandes de la ciudad, además de los actos civiles y religiosos, como por ejemplo funerales.
Entre la música coral de Bach hay que destacar también sus preludios corales, unos 170 aproximadamente, que compuso para órgano. La antología Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano), que el mismo recopiló en Weimar y en Cöthen, comprende breves preludios corales, que muchas veces destinaba a fines educativos. Esto queda reflejado tras el título de la Orgelbüchlein, donde dice que este “pequeño libro para órgano, en el que se imparte al organista principalmente enseñanza sobre toda suerte de maneras de desarrollar una coral y también para mejorar su técnica del pedal, puesto que en estos corales el pedal está tratado por completo en obbligato (es decir, esencial, no optativo)”.
Además escribió y recopiló libros de pequeñas piezas para clave que sirven, además, de enseñanza para técnica y música al mismo tiempo. Un ejemplo de estas obras didácticas son las Invenciones a dos voces y las Sinfonías a tres voces, al igual que el primer libro de El clave bien temperado.
Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ya que según él, ambos estaban dirigidos a ensalzar “la gloria de Dios”. Un ejemplo de ello es la utilización de los mismos textos para la música sacra y la profana, como sucede con la música del Hosanna de la Misa en si menor, que antes había utilizado en una cantata en homenaje a Augusto II el Grande, rey de Polonia, con motivo de una de sus visitas oficiales a Leipzig. Durante su estancia en esta ciudad, compiló tres antologías corales para órgano: las seis corales Schüber, que son transcripciones de movimientos de cantata, dieciocho corales, que revisó entre 1747 y 1749 y que fueron compuestas en épocas anteriores. Todos ellas incluyen composiciones para órgano como variaciones, fugas, fantasías, tríos y diversos preludios corales. Todos los corales que son posteriores a Bach están concebidos con proporciones mayores que los del Orgelbüchlein y son menos íntimos y subjetivos.
La música instrumental
De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavicémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especulativas. En total son 494 las obras instrumentales completas, que se reparten en:
Ciudades donde Bach habitó.7 cánon para diversos instrumentos
2 sinfonías orquestales
4 suites orquestales
24 conciertos para teclado, violín, flauta solistas y orquesta
16 sonatas para violín, flauta y viola da gamba solistas y teclado o bajo continuo
17 suites y partitas para violín, laúd, violoncello y flauta a solo
1 fuga para laúd
2 obras teóricas especulativas para diversos instrumentos (El arte de la fuga (BWV 1080) y la Ofrenda musical (BWV 1079))
9 sonatas en trío para órgano
26 preludios, toccatas, fantasías y fugas para órgano
10 fugas, fantasías y preludios sueltos para órgano
1 ejercicio para pedal para órgano
1 pasacalle y fuga para órgano
1 canzone, allabreve, aria y pastoral para órgano
6 conciertos para órgano solo
corales para órgano
3 partitas-corales para órgano
1 variación canónica para órgano
30 invenciones y sinfonías para clavecín
4 dúos para clavecín
27 suites y partita para clavecín
3 minuetti para clavecín
56 preludios, fantasías y fuga o fughettas para clavecín
34 tocatta, preludios y fugas sueltas para clavecín
4 sonatas para clavecín
18 conciertos para clavecín solo
3 arias con variaciones
2 caprichos para clavecín
1 applicatio para clavecín
Su música instrumental, a la vez, se divide en tres grandes familias según las formaciones de los instrumentos que intervengan, en el puesto profesional que ocupaba en aquel momento y las características musicales de cada genero y/o obra.
La música para órgano, en su gran mayoría, fue compuesta entre 1700 y 1717, cuando trabajaba como organista en Mühlhausen y Weimar. La música de cámara y orquestal, mayormente entre 1717 y 1723 cuando residía en Kothen, y después entre 1735 y 1747 cuando era director de música del Café Zimmerman en Leipzig. La música para clave y clavicordio, entre 1722 y 1744, cuando era Cantor en Leipzig.
Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana, y mucha de ella, especialmente la destinada al teclado, de carácter didáctico, como El clave bien temperado BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas-partitas de dicha serie que fue compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.
Instrumentación de sus obras
La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII, incluyendo instrumentos modernos para su época, o antiguos, que después de 1750 caerían en desuso.
Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas, violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instrumentos que tienen menor importancia en aparición, como la trompeta, el laúd, el fagot, el corno, el timbal o el oboe y otros, son testimoniales, estando destinados únicamente a un número muy reducido de obras.
Teclado
El órgano ocupa, junto con el clavecín, el primer puesto en las obras de un instrumento solista y un papel central en la obra bachiana con las más de 400 obras destinadas a ellos, aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras orquestales, las cantatas, las misas, las pasiones y algunas obras de cámara. También estos dos instrumentos adquieren un papel importante como solistas o acompañantes en las sinfonías y arias de las cantatas, las sonatas para teclado y un instrumento solista monódico, y los conciertos para cuerdas y uno, dos, tres o cuatro teclados.
Como todo compositor del barroco, dirigía sus obras desde el clavecín u órgano cuando interpretaban sus piezas más de un instrumento solista, y componía basado en ellos todas sus obras, de manera que la importancia de estos dos instrumentos se acentuó todavía más en la producción bachiana. También solía dirigir la orquesta tocando simultáneamente la viola.
Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos dos instrumentos fue capital, explotando al límite sus capacidades, haciendo sonidos y efectos nunca vistos, investigando y mejorando los recursos, la ejecución, haciendo una demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado 846-893, llevando al cenit las posibilidades que podían ofrecer estos dos instrumentos hasta entonces.
Órgano
órgano de Weimar en 1660. En este instrumento, Bach compuso entre 1708 y 1717 gran parte de su obra organísticaDesde sus primeros años hasta su muerte destinó un gran número de obras a este instrumento y quizá sea el más ligado y el más representativo de la figura del genio.
Su estilo procede de la escuela alemana, en la que de su maestro Dietrich Buxtehude coge los rasgos de la escuela del norte de Alemania, y de Johann Pachelbel los de la del sur, que él fusiona sacando la máxima expresión, siendo la cumbre de la escuela. Él es el último representante importante.
Su aportación al órgano fue tan numerosa y capital en calidad y cantidad que se considera que es el mejor compositor de música organística de todos los tiempos. Anton Bruckner (1824-1896) y Cesar Franck, grandes organistas y compositores del instrumento, lo afirmaron al oír sus obras para órgano.
Órgano como solista a solo: El órgano tiene su papel principal en el corpus de obras BWV 525-771, donde tiene pasajes bastante memorables. Se divide en dos grandes bloques, la de temática libre, que incluye las toccatas, preludios, fugas y sonatas, y la de la temática religiosa, que incluye los corales instrumentales y las variaciones-partitas y los preludios corales.
Aquí desde sus primeros años hay obras que ya denotan la madurez del autor como la Toccata y fuga (BWV 565), 1708, y la Toccata, adagio y fuga (BWV 564), llegando hasta sublimes obras que explotaban todos los recursos con una maestría y calidad sobresalientes en la etapa de Leipzig, como las Variaciones canónicas (BWV 769), 1746.
Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista con más de un instrumento, el papel de éste instrumento se encuentra en las cantatas sacras, generalmente en las correspondientes a los años 1726-1727.
En esas cantatas, el órgano tiene su papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías, como si fuera un concierto para órgano y orquesta, como en los conciertos para órgano de su contemporáneo G.F. Haendel. Esos movimientos abrían la cantata y servían como introducción de la obra y como lucimiento del autor sobre el instrumento. Todas las cantatas sólo tienen una pieza de introducción que Bach llamó sinfonía, menos la BWV 35, que tiene dos. De esas sinfonías después saldrían algunos conciertos para clavecín y cuerda de la serie BWV 1052-1065 del año 1735.
Después del papel de solista en las sinfonías, el órgano acompaña a la voz en arias de algunas cantatas solo o con cuerda o bajo continuo. Aquí generalmente acompaña y juega a la voz de manera bastante notable, como el aria de la BWV 35.
Clavecín
En su época era el instrumento de teclado por excelencia, con mucho prestigio en Alemania y en Francia.[9] Sus obras destinadas al instrumento así lo testifican[9] , formando el corpus BWV 772-994, con más de 245 obras en su haber.
Clavecín solo: Destinó para el clavecín solo, una gran cantidad de obras, entre las cuales hay algunas de gran importancia en la historia del instrumento y de su autor. Es obligatorio citar las Variaciones Goldberg (BWV 988), que el autor lleva a la cima el antiguo arte de las variaciones[9] y es la obra de clave mas difícil de interpretar del barroco, El clave bien temperado (BWV 846-893), las partitas BWV 825-830 y el Concierto italiano (BWV 971), obras de máxima madurez y cumbre de la literatura tecladística desde el nacimiento de los instrumentos de teclado hasta entonces.
Clavecín como solista y acompañante obligado: El clavecín, como acompañante y solista, tiene bastante importancia en las sonatas y los conciertos de Bach, que le dio un papel novedoso como nunca antes se había hecho.
En los conciertos, el clavecín adquiere la función de solista y adquiere un rol que nunca había tenido antes. En el famoso 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050, por primera vez, el clavecín alterna el papel de bajo continuo con el de solista, uniéndose a los dos solistas restantes para acabar en una genial y virtuosísima cadencia que explota todas las posibilidades del instrumento. Lo mismo ocurre en la BWV 1044, aunque éste es una transcripción del Preludio y fuga BWV 944. La BWV 1050 trazó un camino, que desembocaría en 1735 en la serie de conciertos BWV 1052-1065, donde el clave juega el papel de solista.
En las trío-sonatas, el clave tiene una función novedosa que anticipa la sonata de finales del siglo XVIII, aparte de la función tradicional de bajo continuo. Esta novedad se advierte en tres series de sonatas que superan el modelo tradicional de la sonata en trío para formar un dúo de instrumentos solistas más clave solo. Hay en estas piezas trozos en los que el clave acompaña a los solistas realizando el bajo continuo con la ayuda en la mano izquierda de la viola de gamba o el violoncello. Las sonatas que tienen ese papel tan novedoso son las BWV 1014-1019, 1027-1029 y 1030-1035, para violín, flauta y viola da gamba respectivamente.
Cuerda
La familia de las cuerdas, compuesta en la primera mitad del siglo XVIII por el violín, violín 'piccolo', viola, viola da gamba, viola d'amore, violoncello y contrabajo, son el sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Los instrumentos más graves cumplen la función de bajo continuo junto con el omnipresente teclado.
Bach, como todo músico del Barroco usaba cuerdas en toda su obra, siempre violoncellos y violones (el miembro más grave de la viola de gamba) o contrabajos, el miembro más grave de la familia de los violines, con la función de interpretar el bajo.
Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista, y violista. No tocó la viola de gamba, pero era amigo de factores de esos instrumentos, por lo que conocía con exactitud las caraterísticas, las virtudes, los defectos y las limitaciones de esta familia, sacando el máximo rendimiento y explotación en sus obras, donde la dificultad técnica y la belleza brillan en todo su esplendor.
Como en la música para teclado, su aportación en este campo supuso un antes y un después en la historia de esta familia, especialmente para el violín y el cello.
Violín
Uno de los instrumentos nacidos en el Barroco, tuvo ya en la segunda mitad del siglo XVII italiano, geniales obras de manos de Corelli y Torelli, los primeros maestros de este recién nacido instrumento. Después vendría Vivaldi, que lo elevaría y mejoraría a otro nivel, haciendo del instrumento el rey de la época barroca.
Violín solo: Las obras son las tres Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006. Escritas en Köthen en 1720, estas obras son uno de las ejemplos cumbres de este instrumento, donde una polifonía muy refinada, técnica y virtuosismo componen pasajes muy memorables, como la célebre chacona de la partita 2.
Violín solista y obligado: El violín como solista está presente en muchos conciertos, donde se le confiere un papel muy virtuoso al estilo italiano cogiendo el ejemplo de Vivaldi. Los conciertos que tiene como solista son los dos Conciertos para un violín y cuerda BWV 1041 y BWV 1042, y para 2 violines y cuerda BWV 1043, todos escritos en Kothen hacia 1720, superando el modelo vivaldiano del concierto. Además, el violín tiene una función como solista junto con otros instrumentos solistas en el Concierto BWV 1044, junto con el clave y la flauta, y en los Conciertos de Branderburgo BWV 1047, BWV 1048, BWV 1049 y BWV 1050, donde juega y complementa con la trompeta, el oboe, la flauta dulce, el clave y la cuerda entera. En algunas sinfonías de las cantatas, como ejemplo el BWV 1045, también otorga al violín el rango de solista, aunque no tiene el protagonismo ni la importancia del órgano.
El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara, en la especulativa, en la vocal religiosa y en la vocal profana. En la música de cámara, el violín, al igual que en el caso del clave, hace un papel novedoso en las 6 Sonatas para clave y violín BWV 1014-1019, una de las cimas de la música de cámara del siglo XVIII y una de las obras más queridas, e interpretada por su propio autor e hijos.
Violoncelo
El instrumento más grave antes del contrabajo de la familia de las cuerdas, que nació hacia 1530 en Italia, en la segunda mitad del siglo XVII sufrirá un gran auge entre los compositores, como faceta de acompañante de bajo continuo junto al clave y órgano, relegando a principios del siguiente a la obsoleta Viola da gamba. Gran parte del éxito en aquella época se debe a compositores como Vivaldi, y Bach, que quedaron entusiasmados por las nuevas características técnicas y el potente sonido que superaba los límites de la viola da gamba, de ejecución más difícil que el violoncello.
La primera pagina del manuscrito de Anna Magdalena Bach de la Suite No. 1 para violonchelo solo,BWV 1007
Bach fue uno de los primeros compositores que compusieron para el nuevo instrumento, con apenas precedentes que las obras de Vivaldi, entre otros, incluso investigó a fondo las características sonoras y técnicas e hizo fabricar especialmente para sus obras, tipos de violoncellos especiales como el "de amore", cuyo ejemplar está conservado en el Museo de Leipzig.
El violoncello abarca muchas facetas de la su obra, como solista y acompañante, cuya única aportación a solo, y la más destacada, son las seis Suites para violonchelo solo BWV 1007-BWV 1012, la más sobresaliente de Bach para este instrumento y una de las cumbres de la composición para cello, escritas en Köthen en 1722.
Como el órgano, el violoncello como función de solista está fundamentalmente en las cantatas, especialmente en las arias, donde es notable su participación en la aria para bajo de la BWV 132, además de la Pasión de San Juan y Pasión de San Mateo.
Como acompañante, su presencia es junto al órgano y el clave, un miembro básico para ejecutar el bajo continuo, omnipresente prácticamente en la música vocal y la música orquestal y de cámara.
En gran parte de las 200 cantatas, misas y Pasiones, un violoncelo hace de acompañante junto al clave/órgano en las arias que solo requieren bajo continuo y el interprete cantor, como ejemplo la primera aria de la Cantata BWV 149.
Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e ingeniosos contrapuntos. Llevó a su culminación el género de la fuga en su obra El clave bien temperado, que consiste en 48 preludios y fugas, un preludio y una fuga para cada tonalidad mayor y menor. Otro trabajo importante es El arte de la fuga, que quedó inconcluso, al morir mientras lo componía. Compuesto con la idea de que fuese un conjunto de ejemplos de las técnicas del contrapunto, El arte de la fuga consta de 14 fugas con diferentes formas, pero todas con el mismo tema básico.
También revisten gran interés sus conciertos, que compuso basándose en la forma de los conciertos de Antonio Vivaldi. Así, por ejemplo, los Conciertos de Brandeburgo se caracterizan por estar dedicados cada uno de ellos a un grupo diferente de instrumentos solistas.
Bach escribió mucha de su música para la Iglesia luterana. En particular sus cantatas fueron compuestas para las misas dominicales, y sus Pasiones para las ceremonias de Viernes Santo.
Además de las ya citadas, otras de sus obras célebres son las Suites para orquesta, las Suites para violonchelo, los Conciertos para violín y la Misa in si menor.
El reestreno de la Pasión según san Mateo el 11 de marzo de 1829 por Felix Mendelssohn dio un gran impulso a la divulgación de la música de Johann Sebastian Bach. Este hecho destaca de sobremanera, ya que se trataba de música muy antigua para su época. En la actualidad se acostumbra a interpretar obras de otros siglos, en el período romántico no era así.
Influencias
La música del Cantor tiene múltiples influencias, directas e importantes, que proceden de compositores alemanes, franceses e italianos del siglo XVII y principios del XVIII. Los compositores que son influencia central en la música del Cantor, se pueden dividir en 5 grandes bloques y regiones nacionales. Estos son:
Buxtehude,una de los compositores que mas influyeron en la música de Bach,especialmente en la de órgano.Músicos de Alemania central:
Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel, Johann Kuhnau, Johann Ludwig Bach, Johann Gottfried Walther, Johann Georg Pisendel, Silvius Leopold Weiss, Johann Friedrich Fasch
Músicos de Alemania del norte:
Johann Adam Reincken, Dietrich Buxtehude, Nicolaus Bruhns, Georg Böhm
Músicos de Alemania del sur:
Johann Jakob Froberger, Johann Caspar Kerll, Johann Caspar Ferdinand Fischer, Johann Joseph Fux
Músicos italianos:
Giovanni Pierluigi da Palestrina, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Giovanni Legrenzi, Giovanni Bassani, Giuseppe Torelli, Alessandro Marcello, Tomaso Giovanni Albinoni, Antonio Vivaldi, Benedetto Marcello, Nicola Antonio Porpora, Francesco Durante, Giovanni Alberto Ristori, Giovanni Battista Pergolesi
Músicos franceses:
André Raison, François Dieupart, François Couperin, Louis Marchand, Nicolas de Grigny
Bach se interesaba, estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos, teniendo con muchos de ellos relación personal directa. Entre ellos, cabe mencionar a Jan Dismas Zelenka, Johann Mattheson, Georg Philipp Telemann, Reinhard Keiser y Georg Friedrich Händel.
El catálogo BWV de su obra
Artículo principal: Anexo:Catalogo BWV de Johann Sebastian Bach
Artículo principal: BWV
El registro o catálogo de sus obras, que abarca en total 1 127 obras, fue elaborado por Wolfgang Schmieder en 1950, después de la Segunda Guerra Mundial. Se conoce por las siglas "BWV", que significan Bach Werke Verzeichnis, o 'Catálogo de obras de Bach'.
El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann Sebastian Bach. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el de Schmieder está clasificado por tipo de obra de la siguiente forma:
1-200: Cantatas religiosas
201-215: Cantatas profanas
216-224: Otras cantatas
225-231: Motetes
232-242: Misas
243: El Magnificat
244-247: Pasiones
248-249: Oratorios
250-438: Composiciones corales
439-524: Lieder y arias
525-771: Obras para órgano
772-994: Obras para clavecín
995-1000: Obras para laúd
1001-1013: Obras para solistas instrumentales
1014-1040: Música de cámara
1041-1071: Conciertos
1072-1080: Obras de contrapunto (es decir, cánones y otros)
1081-1127: Obras encontradas después de 1950
Por esta razón un número BWV menor no indica una obra cronológicamente temprana.
También existe el catálogo elaborado por Christoff Wolff, de menor difusión
JOSÉ SANTIAGO CAÑIZARES RUIZ
José Santiago Cañizares Ruiz es un futbolista español nacido el 18 de diciembre de 1969 en Madrid por consejos de los médicos que preveían un parto más seguro en dicha ciudad pero toda su vida hasta los 16 años la pasó en [Puertollano (Ciudad Real)]. Ha jugado en el Valencia la mayor parte de su carrera, pero ahora junto al cápitan del equipo ché, ha sido apartado del equipo, por decisión del entrenador Ronald Koeman. Ha sido internacional con la Selección de fútbol de España en numerosas ocasiones.
Tabla de contenidos [ocultar]
1 Biografía
2 Selección nacional
3 Parapenaltis
4 Clubes
5 Títulos
5.1 Nacionales
5.2 Internacionales
5.3 Distinciones individuales
6 Enlaces externos
Biografía [editar]Santiago Cañizares nació el 18 de diciembre de 1969 en Madrid, pero desde pequeño residió en Puertollano. Desde muy pequeño comenzó jugando en el Severo Ochoa, aunque jugaba en todas las posiciones, donde mejor se sentía era bajo los palos. Su entrenador Eduardo Caturla fue el que le animó para que ingresara en las categorías inferiores del Real Madrid con 16 años.
Más tarde fue pasando por diversos equipos: Elche (1990), Mérida (1991) y Celta de Vigo (1992); este último fue el equipo que le impulsó en su carrera profesional. El 6 de septiembre de 1992 debutaba en primera división, y en ese verano se casaba con su mujer Marina con la que tiene tres hijos: Carlota, Lucas y Olivia
En la temporada 1994-95 fue comprado por el equipo merengue, donde primero fue suplente de Francisco Buyo y después en la temporada 1996-1997 la llegada de Capello e Illgner le cerraron la puerta a la titularidad. Aún así logró la Liga de Campeones en el año 1998. Cuando llegó la oferta del Valencia CF en el verano del mismo año 1998, no supo rechazarla. Con el equipo "ché" ganó en el año 1999 la Copa del Rey, Cañizares ya era titular, y con él llegaron los triunfos. En la temporada 2001-2002, la Liga, al igual que en la temporada 2003-2004 y en esa misma temporada logra ganar una Supercopa de España, una Copa de la UEFA y una Supercopa de Europa. En diciembre de 2007 el entrenador Ronald Koeman lo aparta del equipo junto al capitán David Albelda.
Selección nacional [editar]Ha sido internacional con la selección española un total de 44 ocasiones. Su debut se produjo el 17 de noviembre de 1993 en un decisivo partido en Sevilla ante la selección de Dinamarca en el cual España se jugaba su clasificación para el Mundial de Estados Unidos 1994. El portero titular fue Andoni Zubizarreta pero debido a su expulsión, Cañizares tuvo que ingresar en el campo, siendo uno de los jugadores determinantes del partido, parando el penalti que supondria la clasificación de España para el Mundial de EE.UU.
Ha sido convocado para los mundiales de 1994, 1998 (en los que sólo disputó el primer partido del mundial de 1994 debido a la sanción de Zubizarreta) y para el de 2002 en el que se perfilaba como titular pero del que un extraño accidente doméstico con un frasco de colonia le apartó. También ha sido convocado para el reciente Mundial de Futbol de Alemania 2006, jugando el último partido de la liguilla . También ha sido convocado para las eurocopas de 1996, 2000 y 2004
Parapenaltis [editar]A nivel individual ha ganado 4 trofeos Zamoras lo que le coloca como segundo mejor portero de la historia de la liga española sólo por detras de Ramallets al que estuvo a punto de igualar en la temporada 2005/2006 pero perdió el Zamora en el último partido contra el portero del Celta, Pinto.
Santiago Cañizares además de ser el autor de algunas de las paradas mas espectaculares de la historia del fútbol se destaca por una especialidad muy particular, parar penaltis. De momento ha parado 14 penaltis en partidos oficiales, todo un récord. Entre ellos Riquelme, Urzaiz o Ronaldo.
Tabla de contenidos [ocultar]
1 Biografía
2 Selección nacional
3 Parapenaltis
4 Clubes
5 Títulos
5.1 Nacionales
5.2 Internacionales
5.3 Distinciones individuales
6 Enlaces externos
Biografía [editar]Santiago Cañizares nació el 18 de diciembre de 1969 en Madrid, pero desde pequeño residió en Puertollano. Desde muy pequeño comenzó jugando en el Severo Ochoa, aunque jugaba en todas las posiciones, donde mejor se sentía era bajo los palos. Su entrenador Eduardo Caturla fue el que le animó para que ingresara en las categorías inferiores del Real Madrid con 16 años.
Más tarde fue pasando por diversos equipos: Elche (1990), Mérida (1991) y Celta de Vigo (1992); este último fue el equipo que le impulsó en su carrera profesional. El 6 de septiembre de 1992 debutaba en primera división, y en ese verano se casaba con su mujer Marina con la que tiene tres hijos: Carlota, Lucas y Olivia
En la temporada 1994-95 fue comprado por el equipo merengue, donde primero fue suplente de Francisco Buyo y después en la temporada 1996-1997 la llegada de Capello e Illgner le cerraron la puerta a la titularidad. Aún así logró la Liga de Campeones en el año 1998. Cuando llegó la oferta del Valencia CF en el verano del mismo año 1998, no supo rechazarla. Con el equipo "ché" ganó en el año 1999 la Copa del Rey, Cañizares ya era titular, y con él llegaron los triunfos. En la temporada 2001-2002, la Liga, al igual que en la temporada 2003-2004 y en esa misma temporada logra ganar una Supercopa de España, una Copa de la UEFA y una Supercopa de Europa. En diciembre de 2007 el entrenador Ronald Koeman lo aparta del equipo junto al capitán David Albelda.
Selección nacional [editar]Ha sido internacional con la selección española un total de 44 ocasiones. Su debut se produjo el 17 de noviembre de 1993 en un decisivo partido en Sevilla ante la selección de Dinamarca en el cual España se jugaba su clasificación para el Mundial de Estados Unidos 1994. El portero titular fue Andoni Zubizarreta pero debido a su expulsión, Cañizares tuvo que ingresar en el campo, siendo uno de los jugadores determinantes del partido, parando el penalti que supondria la clasificación de España para el Mundial de EE.UU.
Ha sido convocado para los mundiales de 1994, 1998 (en los que sólo disputó el primer partido del mundial de 1994 debido a la sanción de Zubizarreta) y para el de 2002 en el que se perfilaba como titular pero del que un extraño accidente doméstico con un frasco de colonia le apartó. También ha sido convocado para el reciente Mundial de Futbol de Alemania 2006, jugando el último partido de la liguilla . También ha sido convocado para las eurocopas de 1996, 2000 y 2004
Parapenaltis [editar]A nivel individual ha ganado 4 trofeos Zamoras lo que le coloca como segundo mejor portero de la historia de la liga española sólo por detras de Ramallets al que estuvo a punto de igualar en la temporada 2005/2006 pero perdió el Zamora en el último partido contra el portero del Celta, Pinto.
Santiago Cañizares además de ser el autor de algunas de las paradas mas espectaculares de la historia del fútbol se destaca por una especialidad muy particular, parar penaltis. De momento ha parado 14 penaltis en partidos oficiales, todo un récord. Entre ellos Riquelme, Urzaiz o Ronaldo.
MARICARMEN CAÑIZARES
Maricarmen Cañizares [editar]Es una persona de treinta y tantos años, rara y divertida a la vez. Es ingenua y la más peculiar de la serie. Vive sola con su gato negro Calcetines.
Su prototipo de hombre es uno muy extraño para las demás mujeres de la serie (Sofía, Mónica, Nacha, Frida, Asun y Victoria..., y para Lorenzo, que es homosexual). Ese prototipo es Bernardo. Un hombre de más de cuarenta años de edad que vive con su madre y le hace mucho caso, pues son inseparables. Ambos no han perdido la virginidad, ninguno se atreve a dar el primer paso.
Maricarmen es la secretaria de Victoria de la Vega, Directora de marketing, una mujer de gran carácter.
En la versión italiana Maricarmen Cañizares se llama Patti, (Patrizia D'Imporzano) El gato de Cañizares, Calcetines, en la versión italiana se llama Marilyn
Su prototipo de hombre es uno muy extraño para las demás mujeres de la serie (Sofía, Mónica, Nacha, Frida, Asun y Victoria..., y para Lorenzo, que es homosexual). Ese prototipo es Bernardo. Un hombre de más de cuarenta años de edad que vive con su madre y le hace mucho caso, pues son inseparables. Ambos no han perdido la virginidad, ninguno se atreve a dar el primer paso.
Maricarmen es la secretaria de Victoria de la Vega, Directora de marketing, una mujer de gran carácter.
En la versión italiana Maricarmen Cañizares se llama Patti, (Patrizia D'Imporzano) El gato de Cañizares, Calcetines, en la versión italiana se llama Marilyn
MANOLO ESCOBAR
Manolo Escobar
Manuel García Escobar (Manolo Escobar) es un cantante y actor español, nacido en Las Norias De Daza El Ejido (Almería) el 19 de octubre de 1932.
Tabla de contenido
1 Historia
2 Comienzos
3 Éxito
4 La pequeña flor
5 Discografía
Historia
Es el quinto de una familia de diez hermanos. Su padre, Antonio García, provenía del campo, aunque tuvo que dedicarse a numerosos menesteres para sacar adelante a su numerosa familia. Tenía una casa de huéspedes; también fue comerciante, e incluso empresario cinematógrafo: montó el primer cine del pueblo. La madre, la entrañable "madrecita María del Carmen", era junto con su esposo el alma de la familia, y se dedicaba en cuerpo y alma a cuidarlos a todos.
Con grandes inquietudes culturales, Antonio García insistía siempre en que sus hijos tuvieran una formación. Su otra gran pasión era la música. Y también les facilitó a sus hijos el cultivo de este arte. Desde muy pequeños, aprendieron a tocar la guitarra o el laúd. Su hermano Baldomero se erigió en jefe de la compañía, y junto a Salvador y Manolo comenzaron a actuar en fiestas y bodas bajo el nombre artístico de "Los Niños de Antonio García". Ya entonces, el niño Manolo soñaba con ser cantante.
En estos duros años de posguerra, Antonio García conoció a un maestro de escuela que había perdido a su esposa y a su hijo durante la guerra civil. Antonio lo alojó en su casa y se convirtió en el profesor particular de toda la chiquillería. El nuevo miembro de la familia, Antonio Manzano, resultó ser también un consumado profesor de música. Así que los hermanos García, desde el mayor al más pequeño, pudieron aprender música en casa y organizar una rondalla.
Los Niños de García actuaban en el cine de su padre, en los entreactos obligados del cambio de rollo de película. Dirigidos por su maestro, hacían las delicias del público.
Pero ni el cine ni todos los recursos que el padre se esforzaba en discurrir, eran suficientes para cubrir las necesidades básicas de la numerosa familia. Los años cuarenta habían traído una sequía pertinaz a toda España, incluída la provincia de Almería, y el campo no daba para más. Los hermanos mayores, Antonio y María, ya se habían casado, pero también iban malviviendo. Así que Antonio, tras muchas peticiones de su hijo Baldomero, aceptó que diera el salto de la emigración a Barcelona, a probar fortuna. Con él irían también Salvador y Manolo, y luego ya se vería.
Con apenas 15 años, casi un niño, Manolo y sus dos hermanos se lanzan a la gran aventura en un tren que les llevará a más de 800 kilómetros de su casa y su gente. En Barcelona se instalan en una habitación alquilada en el Barrio Chino. Salvador encontró un empleo, y Baldomero no encontró otra cosa que dedicarse al estraperlo. Manolo hacía lo que podía, además de ser el cocinero del grupo. Varios meses más tarde, consiguieron un piso en Badalona, y al poco tiempo el resto de la familia, incluídos los hermanos mayores y sus consortes, emprendieron el viaje de reencuentro. Toda la familia (salvo los pequeños, que seguían en el colegio, por supuesto) se afanó por trabajar. Manolo encontró un empleo en la industria metalúrgica, pero tuvo que dejarlo por motivos de salud. Después de ser aprendiz de ebanista, se decidió por la construcción, porque el sueldo era más alto. Por último, encontraría otro empleo en la industria química, donde trabajó durante cinco años.
En aquellos tiempos, proliferaban en los barrios las verbenas callejeras, donde jóvenes y mayores se divertían tanto con los preparativos de colocar el tablado para la orquesta o colocar farolillos y bombillas, como con los bailes y los cantes de las actuaciones. En las verbenas se organizaban concursos de baile y de cante. Y Manolo no se perdía ni uno: se presentaba a todos los que podía, porque su ilusión seguía siendo cantar. Canciones de moda de aquella época, de muchos cantantes famosos, que Manolo interpretaba con un estilo propio y con una voz clara que entusiasmaba al público.
La fama en los concursos de las verbenas le facilitó a Manolo el poder introducirse en otro espectáculo de la época: el cine-variedades: dos películas y un espectáculo de variedades. En una ocasión participó en un programa que encabezaba Raquel Meller. Cuando la diva se encontró con él de camino al camerino, le dijo: "Muchacho, tú llegarás... Yo sé de esto lo suficiente y he visto mucho. Llegarás, te lo aseguro".
Comienzos [editar]A principios de los 50, Manolo tuvo que cumplir el servicio militar. Fue en Larache (Marruecos), donde gracias a su carácter y sus canciones se granjeó cientos de amigos. Uno de ellos, Eusebio, sobrino de una personalidad en el mundo de la radio, le brindó a Manolo la oportunidad que lo introdujo en este medio. En cuanto Don José María Nadal lo escuchó, lo invitó a actuar a Radio Barcelona, en un programa donde se promocionaba a artistas noveles. En estas actuaciones, fue acompañado a la guitarra por su hermano Juan Gabriel. Y con el nombre de "Manolo Escobar y su guitarrista Juanito García", llegó el examen para obtener el carné profesional, que por supuesto aprobaron.
Mientras tanto, y porque el mundo de la música no era nada seguro, los hermanos García estudiaban el bachillerato y, una vez conseguido el título, realizaron oposiciones a auxiliar de correos. La estafeta de Badalona contaba con cinco miembros de su plantilla con los apellidos García Escobar. Los cinco hermanos, siguiendo las instrucciones de Nadal, que se había convertido en su padrino artístico, llegaron a formar el grupo "Manolo Escobar y sus guitarras". Un nuevo estilo personal de música española, con un ritmo moderno. Aunque José María y Gabriel abandonaron pronto el grupo, quedando definitivamente Manolo como cantante y Baldomero, Salvador y Juan Gabriel como guitarristas.
Con el "sonido Escobar" ya elaborado, el grupo grabó su primer disco, y su fama fue en aumento. Las galas se hacían cada vez más frecuentes, y la estafeta de correos se quedaba medio vacía con demasiada frecuencia. Así que la familia se vio en la tesitura de escoger: o el trabajo seguro de ser funcionario, o la aventura de la música. Y se optó por pedir una excedencia de dos años, con lo que se cubrían las espaldas.
El año 1.958, les llegó un contrato en una sala de categoría de Playa de Aro, en la Costa Brava. Después de renovar para la temporada siguiente, consiguieron otro contrato para hacer una gira de tres meses por el sur de Francia. Una vez terminada con gran éxito, se lanzaron a la aventura de conocer París, y allí transcurrieron varios meses sin parar de trabajar y realizar actuaciones.
De vuelta a España, consiguieron otro contrato en el mismo local de Playa de Aro. Allí conoció Manolo a una alemana que se encontraba con sus padres de veraneo, y entre ellos surgió un auténtico flechazo. Ana Marx volvió a su tierra, pero consiguió a su enamorado un contrato para actuar en Alemania. Y a los pocos meses de haberse conocido, Manolo y Anita contraían matrimonio, el 10 de diciembre de 1.959, en Colonia.
Tras una breve luna de miel en Alemania, los nuevos esposos pasaron las navidades con la familia de Manolo. Más adelante, pusieron rumbo a Almería, y a pesar del refrán, Manolo sí fue profeta en su tierra, consiguiendo un éxito clamoroso en todos los lugares donde actuaba.
Al año siguiente, el inefable Juanito Valderrama llamó a Manolo para llevarlo en su espectáculo. Gracias a ello, Manolo recorrió toda España durante dos meses, en plazas de toros donde actuaba ante miles de personas. Su sueño comenzaba a hacerse realidad. Tan seguro de sí mismo se vio, que cuando Valderrama le propuso renovar el contrato, y aunque las relaciones entre ambos eran excelentes, Manolo rehusó la oferta y decidió montar su propio espectáculo.
Éxito [editar]En 1.961, Manolo debuta en Córdoba, en el teatro Duque de Rivas, con su propio espectáculo: "Canta Manolo Escobar". A partir de entonces, Manolo se convierte en pocos años en un ídolo de multitudes, paseándose triunfalmente por toda España con sus diversos espectáculos, y grabando decenas de discos que en seguida saltan a la fama.
En 1.963 se inicia su carrera cinematográfica, con la película "Los guerrilleros", carrera que continuaría hasta los años 80, a razón de una película por año. Manolo actúa con naturalidad ante las cámaras. Los personajes que interpreta son simpáticos y del pueblo llano, como él mismo, y se mueven en torno de bellas y atractivas mujeres. Y siempre hay un final feliz.
Actuaciones en el cine, espectáculos de masas, televisión, discos con ventas millonarias, jalonan la rutilante carrera de este hombre sencillo que llega al corazón del público no sólo con su forma de cantar, sino también con su carácter amable, su alegría y su hombría de bien.
Canciones como "el porompompero", "mi carro", "la minifalda", "madrecita María del Carmen" o "mujeres y vino", forman parte de la cultura popular española de los años 60 y 70.
En junio de 1.975, en un Homenaje Nacional que tuvo lugar en el Palacio de los Deportes de Barcelona, Manolo recibió 19 discos de oro cosechados hasta entonces. Concha Velasco, su inefable compañera en cinco películas, fue la encargada de presentar el homenaje, al que acudieron 10.000 personas. Su disco "Y viva España" superó los 6 millones de discos vendidos en nuestro país. También recibió la medalla de oro de la ciudad de Almería y el nombramiento de hijo adoptivo de la misma; distinciones de la Sociedad General de Autores de España, Diputación Provincial de Barcelona, Ayuntamiento de Badalona y un largo etcétera. Además, la Dirección General de Correos y Teleco--municaciones le impuso la insignia de oro de la corporación y la "capa de postas", que sólo se otorga en casos excepcionales. También Correos creó un matasellos conmemorativo del homenaje, para una sola estampación, que se realizó en el propio escenario sobre una foto gigante del cantante. Pero sin duda, el momento más emotivo fue cuando se abrazó a su madre en el escenario.
El 6 de agosto de 2007 actuó en la fiesta de la Carballeira de San jorge de Sacos en Pontevedra.
La pequeña flor [editar]En 1978 llegó a las vidas de Manolo y Anita un nuevo ser: su hija Vanessa. Esto colmó de felicidad a la pareja, y todos sus admiradores se sintieron felices por tan grato acontecimiento. Era lo único que le faltaba a Manolo para la alegría completa.
A Vanesa, la hija adoptada de Manolo Escobar, le escribió un bolero su tío Juan Gabriel, compositor de muchas de las canciones de Manolo: Mi pequeña flor. La canción se hizo muy popular, y Manolo la cantaba mientras Anita sostenía en brazos a la pequeña (que llegó incluso a cantar con su padre, algún tiempo después, una canción que decía... "Papá, papá, te quiero mucho"). Tal era la popularidad de Manolo entonces que hasta se puso de moda el nombre de Vanessa por aquella época.
Después del éxito millonario de "Y viva España" (interpretada originalmente por la belga Christiane Bervoets, más conocida como "Samantha"), que superó las expectativas del propio Manolo y de su casa discográfica, Manolo se embarcó en una tarea que quizás no haya sido suficientemente apreciada: grabó la selección antológica del cancionero español. Decenas de canciones inmortales de monstruos de la copla, pero con el sello particular de su voz y su particular forma de interpretar. "Antonio Vargas Heredia", "Suspiros de España", "Malvaloca", y un sinfín de canciones con las que también obtuvo un gran éxito.
Y no deja de renovarse. Su estilo se ha ido haciendo más moderno con los tiempos, hasta el punto de haber grabado un disco donde versiona canciones de otros cantantes y grupos de estilo bastante distinto, pero que en su boca suenan igual de frescos que cualquiera otra de sus canciones. Sigue siendo fiel a sus raíces, y siempre lleva en su repertorio pasodobles y rumbas; pero también hay lugar para baladas y rancheras.
En los años 80, Manolo abandonó su carrera cinematográfica. Pero a principios de los noventa, probó suerte como presentador de televisión, en dos programas que tuvieron gran éxito de audiencia: "Goles son amores" y "Mañana serán estrellas".
En los últimos años, Manolo ha continuado incansable con sus actuaciones y las grabaciones de sus discos. Continúa recorriendo España con sus diversos espectáculos, y de vez en cuando podemos verlo en las distintas cadenas de televisión. Su público sigue estando ahí, demostrándole su afecto y su complicidad allá donde vaya. El matrimonio García-Marx lleva una vida algo más tranquila, y su hija Vanessa ya es toda una mujer que ha estudiado periodismo y ha empezado a hacer sus pinitos en la prensa.
En 2007 recibió el Premio Familia como reconocimiento a su carrera en el marco de la III Mostra Internacional de Cinema sobre la Família, que otorga anualmente la Associació CinemaNet. El acto de entrega tuvo lugar en Badalona, ciudad en la que el artista pasó varios años de sus vida.
Discografía [editar]Espigas y Amapolas
El ángel de la guarda
Aquel hijo
Mi novia
Canciones de sus películas
Mi carro
Sevillanas de Oro
Brindis
Grandes Éxitos (1971)
Entre dos amores
Me has hecho perder el juicio
Y viva España
¡Ay, caridad!
Cada lágrima tuya
Cuando los niños vienen de Marsella
Madrecita Maria del Carmen
Por los caminos de España
Eva que hace ese hombre en tu cama
Qué guapa estás
La mujer es un buen negocio
Niña Bonita
Calor
Mis mejores canciones
Selección Antológica del cancionero Español
De las películas Préstemela esta noche y Donde hay patrón
Labrador
Alejandra Mon Amour
Mi pequeña flor
Amores
Manolo, siempre Manolo
Mi pequeña flor, Vanessa (Especial Rack)
Donde estará mi niño
Los grandes pasodobles cantados
Papá te quiero mucho
Coraje
Sevilla casi ná
Miel de Amores
Vive la vida
Suspiros de España
30 aniversario
Por pasodobles, por sevillanas
Rumba pa ti
Que bonita eres
Tango tango
Tiempo al tiempo
Con mi acento
Aromas
Contemporáneo
De puerto en puerto
Manolo Escobar
Manuel García Escobar (Manolo Escobar) es un cantante y actor español, nacido en Las Norias De Daza El Ejido (Almería) el 19 de octubre de 1932.
Tabla de contenido
1 Historia
2 Comienzos
3 Éxito
4 La pequeña flor
5 Discografía
Historia
Es el quinto de una familia de diez hermanos. Su padre, Antonio García, provenía del campo, aunque tuvo que dedicarse a numerosos menesteres para sacar adelante a su numerosa familia. Tenía una casa de huéspedes; también fue comerciante, e incluso empresario cinematógrafo: montó el primer cine del pueblo. La madre, la entrañable "madrecita María del Carmen", era junto con su esposo el alma de la familia, y se dedicaba en cuerpo y alma a cuidarlos a todos.
Con grandes inquietudes culturales, Antonio García insistía siempre en que sus hijos tuvieran una formación. Su otra gran pasión era la música. Y también les facilitó a sus hijos el cultivo de este arte. Desde muy pequeños, aprendieron a tocar la guitarra o el laúd. Su hermano Baldomero se erigió en jefe de la compañía, y junto a Salvador y Manolo comenzaron a actuar en fiestas y bodas bajo el nombre artístico de "Los Niños de Antonio García". Ya entonces, el niño Manolo soñaba con ser cantante.
En estos duros años de posguerra, Antonio García conoció a un maestro de escuela que había perdido a su esposa y a su hijo durante la guerra civil. Antonio lo alojó en su casa y se convirtió en el profesor particular de toda la chiquillería. El nuevo miembro de la familia, Antonio Manzano, resultó ser también un consumado profesor de música. Así que los hermanos García, desde el mayor al más pequeño, pudieron aprender música en casa y organizar una rondalla.
Los Niños de García actuaban en el cine de su padre, en los entreactos obligados del cambio de rollo de película. Dirigidos por su maestro, hacían las delicias del público.
Pero ni el cine ni todos los recursos que el padre se esforzaba en discurrir, eran suficientes para cubrir las necesidades básicas de la numerosa familia. Los años cuarenta habían traído una sequía pertinaz a toda España, incluída la provincia de Almería, y el campo no daba para más. Los hermanos mayores, Antonio y María, ya se habían casado, pero también iban malviviendo. Así que Antonio, tras muchas peticiones de su hijo Baldomero, aceptó que diera el salto de la emigración a Barcelona, a probar fortuna. Con él irían también Salvador y Manolo, y luego ya se vería.
Con apenas 15 años, casi un niño, Manolo y sus dos hermanos se lanzan a la gran aventura en un tren que les llevará a más de 800 kilómetros de su casa y su gente. En Barcelona se instalan en una habitación alquilada en el Barrio Chino. Salvador encontró un empleo, y Baldomero no encontró otra cosa que dedicarse al estraperlo. Manolo hacía lo que podía, además de ser el cocinero del grupo. Varios meses más tarde, consiguieron un piso en Badalona, y al poco tiempo el resto de la familia, incluídos los hermanos mayores y sus consortes, emprendieron el viaje de reencuentro. Toda la familia (salvo los pequeños, que seguían en el colegio, por supuesto) se afanó por trabajar. Manolo encontró un empleo en la industria metalúrgica, pero tuvo que dejarlo por motivos de salud. Después de ser aprendiz de ebanista, se decidió por la construcción, porque el sueldo era más alto. Por último, encontraría otro empleo en la industria química, donde trabajó durante cinco años.
En aquellos tiempos, proliferaban en los barrios las verbenas callejeras, donde jóvenes y mayores se divertían tanto con los preparativos de colocar el tablado para la orquesta o colocar farolillos y bombillas, como con los bailes y los cantes de las actuaciones. En las verbenas se organizaban concursos de baile y de cante. Y Manolo no se perdía ni uno: se presentaba a todos los que podía, porque su ilusión seguía siendo cantar. Canciones de moda de aquella época, de muchos cantantes famosos, que Manolo interpretaba con un estilo propio y con una voz clara que entusiasmaba al público.
La fama en los concursos de las verbenas le facilitó a Manolo el poder introducirse en otro espectáculo de la época: el cine-variedades: dos películas y un espectáculo de variedades. En una ocasión participó en un programa que encabezaba Raquel Meller. Cuando la diva se encontró con él de camino al camerino, le dijo: "Muchacho, tú llegarás... Yo sé de esto lo suficiente y he visto mucho. Llegarás, te lo aseguro".
Comienzos [editar]A principios de los 50, Manolo tuvo que cumplir el servicio militar. Fue en Larache (Marruecos), donde gracias a su carácter y sus canciones se granjeó cientos de amigos. Uno de ellos, Eusebio, sobrino de una personalidad en el mundo de la radio, le brindó a Manolo la oportunidad que lo introdujo en este medio. En cuanto Don José María Nadal lo escuchó, lo invitó a actuar a Radio Barcelona, en un programa donde se promocionaba a artistas noveles. En estas actuaciones, fue acompañado a la guitarra por su hermano Juan Gabriel. Y con el nombre de "Manolo Escobar y su guitarrista Juanito García", llegó el examen para obtener el carné profesional, que por supuesto aprobaron.
Mientras tanto, y porque el mundo de la música no era nada seguro, los hermanos García estudiaban el bachillerato y, una vez conseguido el título, realizaron oposiciones a auxiliar de correos. La estafeta de Badalona contaba con cinco miembros de su plantilla con los apellidos García Escobar. Los cinco hermanos, siguiendo las instrucciones de Nadal, que se había convertido en su padrino artístico, llegaron a formar el grupo "Manolo Escobar y sus guitarras". Un nuevo estilo personal de música española, con un ritmo moderno. Aunque José María y Gabriel abandonaron pronto el grupo, quedando definitivamente Manolo como cantante y Baldomero, Salvador y Juan Gabriel como guitarristas.
Con el "sonido Escobar" ya elaborado, el grupo grabó su primer disco, y su fama fue en aumento. Las galas se hacían cada vez más frecuentes, y la estafeta de correos se quedaba medio vacía con demasiada frecuencia. Así que la familia se vio en la tesitura de escoger: o el trabajo seguro de ser funcionario, o la aventura de la música. Y se optó por pedir una excedencia de dos años, con lo que se cubrían las espaldas.
El año 1.958, les llegó un contrato en una sala de categoría de Playa de Aro, en la Costa Brava. Después de renovar para la temporada siguiente, consiguieron otro contrato para hacer una gira de tres meses por el sur de Francia. Una vez terminada con gran éxito, se lanzaron a la aventura de conocer París, y allí transcurrieron varios meses sin parar de trabajar y realizar actuaciones.
De vuelta a España, consiguieron otro contrato en el mismo local de Playa de Aro. Allí conoció Manolo a una alemana que se encontraba con sus padres de veraneo, y entre ellos surgió un auténtico flechazo. Ana Marx volvió a su tierra, pero consiguió a su enamorado un contrato para actuar en Alemania. Y a los pocos meses de haberse conocido, Manolo y Anita contraían matrimonio, el 10 de diciembre de 1.959, en Colonia.
Tras una breve luna de miel en Alemania, los nuevos esposos pasaron las navidades con la familia de Manolo. Más adelante, pusieron rumbo a Almería, y a pesar del refrán, Manolo sí fue profeta en su tierra, consiguiendo un éxito clamoroso en todos los lugares donde actuaba.
Al año siguiente, el inefable Juanito Valderrama llamó a Manolo para llevarlo en su espectáculo. Gracias a ello, Manolo recorrió toda España durante dos meses, en plazas de toros donde actuaba ante miles de personas. Su sueño comenzaba a hacerse realidad. Tan seguro de sí mismo se vio, que cuando Valderrama le propuso renovar el contrato, y aunque las relaciones entre ambos eran excelentes, Manolo rehusó la oferta y decidió montar su propio espectáculo.
Éxito [editar]En 1.961, Manolo debuta en Córdoba, en el teatro Duque de Rivas, con su propio espectáculo: "Canta Manolo Escobar". A partir de entonces, Manolo se convierte en pocos años en un ídolo de multitudes, paseándose triunfalmente por toda España con sus diversos espectáculos, y grabando decenas de discos que en seguida saltan a la fama.
En 1.963 se inicia su carrera cinematográfica, con la película "Los guerrilleros", carrera que continuaría hasta los años 80, a razón de una película por año. Manolo actúa con naturalidad ante las cámaras. Los personajes que interpreta son simpáticos y del pueblo llano, como él mismo, y se mueven en torno de bellas y atractivas mujeres. Y siempre hay un final feliz.
Actuaciones en el cine, espectáculos de masas, televisión, discos con ventas millonarias, jalonan la rutilante carrera de este hombre sencillo que llega al corazón del público no sólo con su forma de cantar, sino también con su carácter amable, su alegría y su hombría de bien.
Canciones como "el porompompero", "mi carro", "la minifalda", "madrecita María del Carmen" o "mujeres y vino", forman parte de la cultura popular española de los años 60 y 70.
En junio de 1.975, en un Homenaje Nacional que tuvo lugar en el Palacio de los Deportes de Barcelona, Manolo recibió 19 discos de oro cosechados hasta entonces. Concha Velasco, su inefable compañera en cinco películas, fue la encargada de presentar el homenaje, al que acudieron 10.000 personas. Su disco "Y viva España" superó los 6 millones de discos vendidos en nuestro país. También recibió la medalla de oro de la ciudad de Almería y el nombramiento de hijo adoptivo de la misma; distinciones de la Sociedad General de Autores de España, Diputación Provincial de Barcelona, Ayuntamiento de Badalona y un largo etcétera. Además, la Dirección General de Correos y Teleco--municaciones le impuso la insignia de oro de la corporación y la "capa de postas", que sólo se otorga en casos excepcionales. También Correos creó un matasellos conmemorativo del homenaje, para una sola estampación, que se realizó en el propio escenario sobre una foto gigante del cantante. Pero sin duda, el momento más emotivo fue cuando se abrazó a su madre en el escenario.
El 6 de agosto de 2007 actuó en la fiesta de la Carballeira de San jorge de Sacos en Pontevedra.
La pequeña flor [editar]En 1978 llegó a las vidas de Manolo y Anita un nuevo ser: su hija Vanessa. Esto colmó de felicidad a la pareja, y todos sus admiradores se sintieron felices por tan grato acontecimiento. Era lo único que le faltaba a Manolo para la alegría completa.
A Vanesa, la hija adoptada de Manolo Escobar, le escribió un bolero su tío Juan Gabriel, compositor de muchas de las canciones de Manolo: Mi pequeña flor. La canción se hizo muy popular, y Manolo la cantaba mientras Anita sostenía en brazos a la pequeña (que llegó incluso a cantar con su padre, algún tiempo después, una canción que decía... "Papá, papá, te quiero mucho"). Tal era la popularidad de Manolo entonces que hasta se puso de moda el nombre de Vanessa por aquella época.
Después del éxito millonario de "Y viva España" (interpretada originalmente por la belga Christiane Bervoets, más conocida como "Samantha"), que superó las expectativas del propio Manolo y de su casa discográfica, Manolo se embarcó en una tarea que quizás no haya sido suficientemente apreciada: grabó la selección antológica del cancionero español. Decenas de canciones inmortales de monstruos de la copla, pero con el sello particular de su voz y su particular forma de interpretar. "Antonio Vargas Heredia", "Suspiros de España", "Malvaloca", y un sinfín de canciones con las que también obtuvo un gran éxito.
Y no deja de renovarse. Su estilo se ha ido haciendo más moderno con los tiempos, hasta el punto de haber grabado un disco donde versiona canciones de otros cantantes y grupos de estilo bastante distinto, pero que en su boca suenan igual de frescos que cualquiera otra de sus canciones. Sigue siendo fiel a sus raíces, y siempre lleva en su repertorio pasodobles y rumbas; pero también hay lugar para baladas y rancheras.
En los años 80, Manolo abandonó su carrera cinematográfica. Pero a principios de los noventa, probó suerte como presentador de televisión, en dos programas que tuvieron gran éxito de audiencia: "Goles son amores" y "Mañana serán estrellas".
En los últimos años, Manolo ha continuado incansable con sus actuaciones y las grabaciones de sus discos. Continúa recorriendo España con sus diversos espectáculos, y de vez en cuando podemos verlo en las distintas cadenas de televisión. Su público sigue estando ahí, demostrándole su afecto y su complicidad allá donde vaya. El matrimonio García-Marx lleva una vida algo más tranquila, y su hija Vanessa ya es toda una mujer que ha estudiado periodismo y ha empezado a hacer sus pinitos en la prensa.
En 2007 recibió el Premio Familia como reconocimiento a su carrera en el marco de la III Mostra Internacional de Cinema sobre la Família, que otorga anualmente la Associació CinemaNet. El acto de entrega tuvo lugar en Badalona, ciudad en la que el artista pasó varios años de sus vida.
Discografía [editar]Espigas y Amapolas
El ángel de la guarda
Aquel hijo
Mi novia
Canciones de sus películas
Mi carro
Sevillanas de Oro
Brindis
Grandes Éxitos (1971)
Entre dos amores
Me has hecho perder el juicio
Y viva España
¡Ay, caridad!
Cada lágrima tuya
Cuando los niños vienen de Marsella
Madrecita Maria del Carmen
Por los caminos de España
Eva que hace ese hombre en tu cama
Qué guapa estás
La mujer es un buen negocio
Niña Bonita
Calor
Mis mejores canciones
Selección Antológica del cancionero Español
De las películas Préstemela esta noche y Donde hay patrón
Labrador
Alejandra Mon Amour
Mi pequeña flor
Amores
Manolo, siempre Manolo
Mi pequeña flor, Vanessa (Especial Rack)
Donde estará mi niño
Los grandes pasodobles cantados
Papá te quiero mucho
Coraje
Sevilla casi ná
Miel de Amores
Vive la vida
Suspiros de España
30 aniversario
Por pasodobles, por sevillanas
Rumba pa ti
Que bonita eres
Tango tango
Tiempo al tiempo
Con mi acento
Aromas
Contemporáneo
De puerto en puerto
Manolo Escobar
PERET
Biografía
Peret nació en Mataró (Barcelona) en 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios.
Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce año formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil.
En 1947, de manera casual, grabó un disco que pasó desapercibido por el mercado, así que sobrevivía como vendedor ambulante. Incluso viajó a Argentina, pero no para cantar, sino para negociar con sábanas. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: "Mi Santa".
A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus canciones, como "El muerto vivo", empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo, que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: "En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret".
En 1967 grabó "Una lágrima", versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En esta época la música de Peret —potente y vertiginosa, con influencias del mambo y del rock and roll— sonaba constantemente en emisoras de radio, máquinas de discos, tabernas, casinos, discotecas, guateques, fiestas mayores...
En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como "El gitano Antón", "Don Toribio Carambola", "Saboreando", "¡Lo mato!", "Si fulano fuese mengano", "Chaví", "Canta y sé feliz" (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1974), "Qué cosas tiene el amor", "A mí las mujeres ni fu ni fa", "Castigadora", "Tracatrá"...
El bombazo internacional lo dio con "Borriquito" en 1971,con letra y música del propio cantante, que coincidió con el boom del turismo en España, lo que contribuyó a que la canción se popularizara en todo el mundo y en especial Holanda (7 semanas Nº1),y Alemania (dos semanas Nº1).
En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, reaparece en los escenarios de forma esporádica. En 1992 participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona interpretando la canción Gitana hechicera dedicada a la ciudad de Barcelona con motivo de los Juegos Olímpicos y fue uno de los éxitos de ese verano.
En 1998 fue galardonado con la Cruz de Sant Jordi.
En 2000 graba un nuevo disco Peret: Rey de la rumba, al lado de solistas y grupos de pop como Jarabe de Palo, Carlos Jean, Jabier Muguruza y David Byrne (de Talking Heads).
En 2006 participa en el disco homenaje a Joan Manuel Serrat, de título Per al meu amic Serrat (Discmedi, 2006) en el que interpreta el tema a ritmo de rumba Me´n vaig a peu.
En 2007 presenta un nuevo disco con canciones inéditas, de título Que levante el dedo y prepara el libro La Biblia de la Rumba de próxima edición. También en 2007, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina homenajean a Peret incorporando al repertorio de su gira conjunta Dos pájaros de un tiro el tema El muerto vivo. En el primer concierto de Barcelona en el Palau Sant Jordi, Peret acompaña en el escenario a los dos cantautores. Peret participa en el disco colectivo de La Marató de TV3 en su edición de 2007 con una versión en catalán del tema Live is life (Vine amb mi) del grupo austriaco Opus.
Peret y el cine [editar]Peret se dejó tentar por el cine. De pequeño, veía películas de Imperio Argentina, artista a la que admiraba y cuyas canciones interpretaba. En 1963 representó un pequeño papel en Los Tarantos de Francisco Rovira-Beleta, donde también intervenía la gran bailaora Carmen Amaya. Él mismo fue protagonista de vaios filmes bastante endebles, pero que colaboraron eficazmente a la expansión de sus canciones. Casi todos los títulos cinematográficos de Peret habían sido previamente grandes éxitos discográficos: Amor a todo gas, El mesón del gitano, Qué cosas tiene el amor, A mí las mujeres ni fu ni fa, Si fulano fuese mengano... En 1996 participa como actor en la película Alma gitana y en 2001 en Marujas Asesinas
Discografía en CD [editar]Estos son algunos de los discos de Peret aparecidos en CD
No se pué aguantar (PDI, 1991).
Gitana Hechicera (PDI, 1992).
Cómo me gusta (PDI, 1993).
Que disparen flores (PDI, 1995).
Jesús de Nazareth (PDI, 1996).
Rey de la Rumba (Virgin, 2000).
Que levante el dedo(K Industria Cultural, 2007).
Recopilatorios
Rumbas de oro (Divucsa, 1989).
La vida por delante (Sony/BMG, 1994).
Siempre Peret (PDI, 1996).
Sus grabaciones en Discophon (Blanco y Negro, 1998).
Don Toribio Carambola (Arcade, 2000).
Chica Vaiven (Sony/BMG, 2000).
Numero 1 en rumba (PDI, 2000).
La Salsa de la rumba (Sony/BMG, 2001).
Singles Collection (Divucsa, 2004).
Mano a Mano (Divucsa, 2006).
Peret nació en Mataró (Barcelona) en 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios.
Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce año formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil.
En 1947, de manera casual, grabó un disco que pasó desapercibido por el mercado, así que sobrevivía como vendedor ambulante. Incluso viajó a Argentina, pero no para cantar, sino para negociar con sábanas. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: "Mi Santa".
A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus canciones, como "El muerto vivo", empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo, que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: "En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret".
En 1967 grabó "Una lágrima", versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En esta época la música de Peret —potente y vertiginosa, con influencias del mambo y del rock and roll— sonaba constantemente en emisoras de radio, máquinas de discos, tabernas, casinos, discotecas, guateques, fiestas mayores...
En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como "El gitano Antón", "Don Toribio Carambola", "Saboreando", "¡Lo mato!", "Si fulano fuese mengano", "Chaví", "Canta y sé feliz" (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1974), "Qué cosas tiene el amor", "A mí las mujeres ni fu ni fa", "Castigadora", "Tracatrá"...
El bombazo internacional lo dio con "Borriquito" en 1971,con letra y música del propio cantante, que coincidió con el boom del turismo en España, lo que contribuyó a que la canción se popularizara en todo el mundo y en especial Holanda (7 semanas Nº1),y Alemania (dos semanas Nº1).
En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, reaparece en los escenarios de forma esporádica. En 1992 participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Barcelona interpretando la canción Gitana hechicera dedicada a la ciudad de Barcelona con motivo de los Juegos Olímpicos y fue uno de los éxitos de ese verano.
En 1998 fue galardonado con la Cruz de Sant Jordi.
En 2000 graba un nuevo disco Peret: Rey de la rumba, al lado de solistas y grupos de pop como Jarabe de Palo, Carlos Jean, Jabier Muguruza y David Byrne (de Talking Heads).
En 2006 participa en el disco homenaje a Joan Manuel Serrat, de título Per al meu amic Serrat (Discmedi, 2006) en el que interpreta el tema a ritmo de rumba Me´n vaig a peu.
En 2007 presenta un nuevo disco con canciones inéditas, de título Que levante el dedo y prepara el libro La Biblia de la Rumba de próxima edición. También en 2007, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina homenajean a Peret incorporando al repertorio de su gira conjunta Dos pájaros de un tiro el tema El muerto vivo. En el primer concierto de Barcelona en el Palau Sant Jordi, Peret acompaña en el escenario a los dos cantautores. Peret participa en el disco colectivo de La Marató de TV3 en su edición de 2007 con una versión en catalán del tema Live is life (Vine amb mi) del grupo austriaco Opus.
Peret y el cine [editar]Peret se dejó tentar por el cine. De pequeño, veía películas de Imperio Argentina, artista a la que admiraba y cuyas canciones interpretaba. En 1963 representó un pequeño papel en Los Tarantos de Francisco Rovira-Beleta, donde también intervenía la gran bailaora Carmen Amaya. Él mismo fue protagonista de vaios filmes bastante endebles, pero que colaboraron eficazmente a la expansión de sus canciones. Casi todos los títulos cinematográficos de Peret habían sido previamente grandes éxitos discográficos: Amor a todo gas, El mesón del gitano, Qué cosas tiene el amor, A mí las mujeres ni fu ni fa, Si fulano fuese mengano... En 1996 participa como actor en la película Alma gitana y en 2001 en Marujas Asesinas
Discografía en CD [editar]Estos son algunos de los discos de Peret aparecidos en CD
No se pué aguantar (PDI, 1991).
Gitana Hechicera (PDI, 1992).
Cómo me gusta (PDI, 1993).
Que disparen flores (PDI, 1995).
Jesús de Nazareth (PDI, 1996).
Rey de la Rumba (Virgin, 2000).
Que levante el dedo(K Industria Cultural, 2007).
Recopilatorios
Rumbas de oro (Divucsa, 1989).
La vida por delante (Sony/BMG, 1994).
Siempre Peret (PDI, 1996).
Sus grabaciones en Discophon (Blanco y Negro, 1998).
Don Toribio Carambola (Arcade, 2000).
Chica Vaiven (Sony/BMG, 2000).
Numero 1 en rumba (PDI, 2000).
La Salsa de la rumba (Sony/BMG, 2001).
Singles Collection (Divucsa, 2004).
Mano a Mano (Divucsa, 2006).
MARIA FACTOR X
Biografía [editar]Empezó a cantar a los 3 años, y a lo largo de su vida se ha ido presentando a concursos, como en “Bienvenidos” de Canal Sur, el verano pasado, y al cual llegó hasta semifinales. También estuvo en los castings de OT pero en la última ocasión estuvo a las puertas de entrar.
María toca el violonchelo, y de hecho en Factor le pudimos ver tocarlo cuando cantó la canción Cançao do Mar. Le encanta el chocolate y escuchar música a todas horas del día. Se define como una chica nerviosa y charlatana, y le encantaría dedicarse plenamente a la música. Quiere muchísimo a su abuela, y lo pudimos comprobar en la 3ª gala cuando vio un video que le tenían preparado en el que salía su abuela y María no pudo contener las lágrimas. Tiene una especial fobia a los payasos y le gustaría tocar la guitarra eléctrica y la batería.
Posee 4 discos, 2 anteriores a su participación en Factor X, el CD recopilatorio de las canciones que cantó en el programa y “Te Espero Aquí”, el fruto de su victoria en Factor X que salió al mercado el pasado martes 13 de noviembre. “Entre sueños” es su primer disco. El segundo, “Rompe”, está formado por 12 canciones,en la que una de ellas está compuesta por la propia María.
Paso por Factor X [editar]María se presentó en el casting de Sevilla, cantando un fragmento de la canción “Cançao do mar” y una nana y consiguiendo el voto unánime de Jorge Flo, Eva Perales y Miqui Puig. Tras la ronda final de los castings se convertiría en una de los miembros del grupo de Flo, de 16 a 24 años, junto a Angy, Ailyn y Walter.
Las canciones intrepretadas en las galas fueron:
1ª gala---> "Tu recuerdo"
2ª gala--->"Que bonito"
3ª gala--->"No me crees"
4ª gala--->"Cançao do mar"
5ª gala---> "Enamorada" y "Can't buy my love"(junto a Angy y Walter)
6ª gala--->"Eras tu" y "Otro día mas sin verte"
7ª gala(semifinal)--->"No te olvides de mí" e "Hijo de la luna"
8ª gala(final)---> 1ronda:"María se bebe las calles"---2ronda:"All Good Things"-----3ronda:"Cançao do mar"
Te Espero Aquí: su álbum-debut [editar]"Te Espero Aquí" es el álbum-debut de la cantante María Villalón. A pesar de haber grabado dos discos anteriormente, nunca fueron publicados a nivel nacional o, simplemente, nunca vieron la luz, siendo este su primer disco en solitario. El disco fue publicado por la compañía SonyBMG en España el 13 de noviembre de 2007.
El primer single del álbum es el tema "Agüita de Abril", que fue publicado dos semanas antes que el disco. Debido a la nula promoción en radios y a muy pocas intervenciones en programas de televisión, el single no entró en el Top 40 Singles de España, y el disco, sólo alcanzó el #39 en las Listas de PROMUSICAE de España, descendiendo hasta el #42 en su segunda semana, siendo un fracaso para la joven cantante andaluza.
María toca el violonchelo, y de hecho en Factor le pudimos ver tocarlo cuando cantó la canción Cançao do Mar. Le encanta el chocolate y escuchar música a todas horas del día. Se define como una chica nerviosa y charlatana, y le encantaría dedicarse plenamente a la música. Quiere muchísimo a su abuela, y lo pudimos comprobar en la 3ª gala cuando vio un video que le tenían preparado en el que salía su abuela y María no pudo contener las lágrimas. Tiene una especial fobia a los payasos y le gustaría tocar la guitarra eléctrica y la batería.
Posee 4 discos, 2 anteriores a su participación en Factor X, el CD recopilatorio de las canciones que cantó en el programa y “Te Espero Aquí”, el fruto de su victoria en Factor X que salió al mercado el pasado martes 13 de noviembre. “Entre sueños” es su primer disco. El segundo, “Rompe”, está formado por 12 canciones,en la que una de ellas está compuesta por la propia María.
Paso por Factor X [editar]María se presentó en el casting de Sevilla, cantando un fragmento de la canción “Cançao do mar” y una nana y consiguiendo el voto unánime de Jorge Flo, Eva Perales y Miqui Puig. Tras la ronda final de los castings se convertiría en una de los miembros del grupo de Flo, de 16 a 24 años, junto a Angy, Ailyn y Walter.
Las canciones intrepretadas en las galas fueron:
1ª gala---> "Tu recuerdo"
2ª gala--->"Que bonito"
3ª gala--->"No me crees"
4ª gala--->"Cançao do mar"
5ª gala---> "Enamorada" y "Can't buy my love"(junto a Angy y Walter)
6ª gala--->"Eras tu" y "Otro día mas sin verte"
7ª gala(semifinal)--->"No te olvides de mí" e "Hijo de la luna"
8ª gala(final)---> 1ronda:"María se bebe las calles"---2ronda:"All Good Things"-----3ronda:"Cançao do mar"
Te Espero Aquí: su álbum-debut [editar]"Te Espero Aquí" es el álbum-debut de la cantante María Villalón. A pesar de haber grabado dos discos anteriormente, nunca fueron publicados a nivel nacional o, simplemente, nunca vieron la luz, siendo este su primer disco en solitario. El disco fue publicado por la compañía SonyBMG en España el 13 de noviembre de 2007.
El primer single del álbum es el tema "Agüita de Abril", que fue publicado dos semanas antes que el disco. Debido a la nula promoción en radios y a muy pocas intervenciones en programas de televisión, el single no entró en el Top 40 Singles de España, y el disco, sólo alcanzó el #39 en las Listas de PROMUSICAE de España, descendiendo hasta el #42 en su segunda semana, siendo un fracaso para la joven cantante andaluza.
DAVID BRAVO
David Bravo Bueno (20 de febrero de 1978, Sevilla), abogado especializado en derecho informático y especialmente en propiedad intelectual. Conocido por su participación en debates o tertulias para defender el derecho a compartir cultura y conocimiento, divulgando en qué consiste el derecho a la copia privada o el término copyleft, gracias a Internet y las redes de pares (P2P) entre otras herramientas.
En marzo de 2005 publica una carta[1] al presidente del Gobierno de España, José Luis Rodríguez Zapatero, en relación a Ley sobre propiedad intelectual, a favor de compartir el conocimiento y no restringir aún más, en su opinión, los derechos de autor.
En junio del mismo año presentó Copia este libro[2] , publicado bajo Creative Commons que, como él mismo escribió, trata de...
..las redes P2P, los medios de comunicación y su creación de una moral artificial, el canon y la cultura del miedo.
En octubre de 2006 comenzó a colaborar en el programa "Noche sin Tregua" de Paramount Comedy.
Es creador de la asociación O.S.R. junto a Alfonso Grueso y el rapero ToteKing, del que es abogado.
Véase también [editar]Lawrence Lessig, profesor de Derecho de Estados Unidos, autor de Cultura libre.
Tote King, MC amigo de David Bravo y del cual es abogado.
SGAE
En marzo de 2005 publica una carta[1] al presidente del Gobierno de España, José Luis Rodríguez Zapatero, en relación a Ley sobre propiedad intelectual, a favor de compartir el conocimiento y no restringir aún más, en su opinión, los derechos de autor.
En junio del mismo año presentó Copia este libro[2] , publicado bajo Creative Commons que, como él mismo escribió, trata de...
..las redes P2P, los medios de comunicación y su creación de una moral artificial, el canon y la cultura del miedo.
En octubre de 2006 comenzó a colaborar en el programa "Noche sin Tregua" de Paramount Comedy.
Es creador de la asociación O.S.R. junto a Alfonso Grueso y el rapero ToteKing, del que es abogado.
Véase también [editar]Lawrence Lessig, profesor de Derecho de Estados Unidos, autor de Cultura libre.
Tote King, MC amigo de David Bravo y del cual es abogado.
SGAE
TOTE KING
Biografía
La alta escuela
Artículo principal: La Alta Escuela
Los inicios musicales de ToteKing están estrechamente relacionados al de La Alta Escuela, grupo que fundó junto con Juaninacka, Juanma y Dj Randy y el Tralla que formo parte de la formación, pero salio de ella antes de la salida del disco.. Con esta formación editó su primera referencia profesional en 1999, en un disco novedoso y fresco titulado "En pie de vuelo", con colaboraciones de Zatu, La Mala Rodríguez, La Gota que Colma
En este disco utiliza el alias de El rey del desfase', si bien ya no se siente identificado con él y lo considera una etapa pasada. El grupo se disolvió tras editar el disco porque a sus integrantes les resultaba difícil organizarse. Han existido numerosos rumores sobre una vuelta del grupo, pero es algo que a priori parece bastante difícil, pues los integrantes tienen unas consistentes carreras en solitario.
ToteKing & Shotta
ToteKing en concierto con ShottaLa carrera en solitario de ToteKing se inició con una maqueta titulada "Big King XXL", con colaboraciones de Shotta, Jefe de la M, Keyo o Zatu, de SFDK. Pronto fichó por el sello "Yo gano" para editar su primer disco en solitario. Este disco estaba planteado para tener muchas colaboraciones vocales, pero debido a la apretada agenda no pudo realizarse así y tuvo que apoyarse en su hermano Shotta, por lo que el disco salió con el nombre artístico de "Toteking y Shotta" titulándose "Tu madre es una foca".
Previo a la salida del disco se publicó un maxi adelanto titulado "Nada pa mi", con el tema que da título al maxi además de "Sé", incluido también en su LP. El estilo fresco, directo e innovador que demuestra ToteKing en este disco le sirvió para alzarse como ganador del premio Hip-hop Nation al mejor Mc revelación de 2002.
Carrera en solitario [editar]Como adelanto de su primer disco en solitario se publicó el maxi "Matemáticas" que incluía el tema del mismo nombre además de "Cheik... cheik". La portada de este maxi es una parodia del disco "No es lo mismo" de Alejandro Sanz, donde aparece ToteKing sujetando una caña de cerveza mientras mira a través de ella.
En 2004 lanzó su primer larga duración, esta vez en solitario, titulado "Música para enfermos", con colaboraciones de Falsalarma, Shotta, Solo los solo, Xhelazz, Spanish Fly (de Triple XXX) y Karvoh. Destaca el tema "Devotos" por criticar duramente la Semana Santa en Sevilla.
A comienzos de 2006, BoaCor (sello discográfico donde figuran otros MC's nacionales tan importantes como Violadores del verso, SFDK, Falsalarma o Nach) anuncia el acuerdo con Tote King para la publicación de su segundo disco en solitario, de título "Un tipo cualquiera". Este disco esta totalmente producido por Big Hozone a excepcion de dos temas producidos por Neo y Nerko respectivamente. Cuenta con la colaboración de Vast Aire, miembro del grupo Cannibal Ox.
Recientemente Tote King ha sacado un videoclip de la canción "Mentiras" de este disco en el que aparece como presentador de un telediario. Esta canción está sampleada del tema Rock & roll de Ronnie James Dio del disco "Killing the dragon".
Estuvo de gira con Solo los solo y La Mala Rodríguez en Holanda.
Por parte de críticos, su dominio del rapeo rebosa de una rima estilizada practicamente métrica, y en general sin escatimar de palabras soeces con fuerte crítica social en casi todas sus canciones.
La alta escuela
Artículo principal: La Alta Escuela
Los inicios musicales de ToteKing están estrechamente relacionados al de La Alta Escuela, grupo que fundó junto con Juaninacka, Juanma y Dj Randy y el Tralla que formo parte de la formación, pero salio de ella antes de la salida del disco.. Con esta formación editó su primera referencia profesional en 1999, en un disco novedoso y fresco titulado "En pie de vuelo", con colaboraciones de Zatu, La Mala Rodríguez, La Gota que Colma
En este disco utiliza el alias de El rey del desfase', si bien ya no se siente identificado con él y lo considera una etapa pasada. El grupo se disolvió tras editar el disco porque a sus integrantes les resultaba difícil organizarse. Han existido numerosos rumores sobre una vuelta del grupo, pero es algo que a priori parece bastante difícil, pues los integrantes tienen unas consistentes carreras en solitario.
ToteKing & Shotta
ToteKing en concierto con ShottaLa carrera en solitario de ToteKing se inició con una maqueta titulada "Big King XXL", con colaboraciones de Shotta, Jefe de la M, Keyo o Zatu, de SFDK. Pronto fichó por el sello "Yo gano" para editar su primer disco en solitario. Este disco estaba planteado para tener muchas colaboraciones vocales, pero debido a la apretada agenda no pudo realizarse así y tuvo que apoyarse en su hermano Shotta, por lo que el disco salió con el nombre artístico de "Toteking y Shotta" titulándose "Tu madre es una foca".
Previo a la salida del disco se publicó un maxi adelanto titulado "Nada pa mi", con el tema que da título al maxi además de "Sé", incluido también en su LP. El estilo fresco, directo e innovador que demuestra ToteKing en este disco le sirvió para alzarse como ganador del premio Hip-hop Nation al mejor Mc revelación de 2002.
Carrera en solitario [editar]Como adelanto de su primer disco en solitario se publicó el maxi "Matemáticas" que incluía el tema del mismo nombre además de "Cheik... cheik". La portada de este maxi es una parodia del disco "No es lo mismo" de Alejandro Sanz, donde aparece ToteKing sujetando una caña de cerveza mientras mira a través de ella.
En 2004 lanzó su primer larga duración, esta vez en solitario, titulado "Música para enfermos", con colaboraciones de Falsalarma, Shotta, Solo los solo, Xhelazz, Spanish Fly (de Triple XXX) y Karvoh. Destaca el tema "Devotos" por criticar duramente la Semana Santa en Sevilla.
A comienzos de 2006, BoaCor (sello discográfico donde figuran otros MC's nacionales tan importantes como Violadores del verso, SFDK, Falsalarma o Nach) anuncia el acuerdo con Tote King para la publicación de su segundo disco en solitario, de título "Un tipo cualquiera". Este disco esta totalmente producido por Big Hozone a excepcion de dos temas producidos por Neo y Nerko respectivamente. Cuenta con la colaboración de Vast Aire, miembro del grupo Cannibal Ox.
Recientemente Tote King ha sacado un videoclip de la canción "Mentiras" de este disco en el que aparece como presentador de un telediario. Esta canción está sampleada del tema Rock & roll de Ronnie James Dio del disco "Killing the dragon".
Estuvo de gira con Solo los solo y La Mala Rodríguez en Holanda.
Por parte de críticos, su dominio del rapeo rebosa de una rima estilizada practicamente métrica, y en general sin escatimar de palabras soeces con fuerte crítica social en casi todas sus canciones.
MARC ANTHONY
Marc Anthony
Marc Anthony en los Premios Lo Nuestro, Febrero 2007
Información general
Nombre Marco Antonio Muñiz Ruiz Rivera
Alias Marc Anthony
Nació Septiembre 16 de 1968 en Estados Unidos, New York City, New York
Origen Puerto Rico
Género(s) Música Latina, Salsa, Pop, Pop Latino
Ocupación(es) Cantante, Actor
Tiempo 1988 - Actualidad
Discográfica(s) RMM Records & Video, Sony BMG
Sitio web www.marcanthonyonline.com
Marc Anthony, nacido como Marco Antonio Muñiz el 16 de septiembre de 1969 en Manhattan, Nueva York (Estados Unidos), es un cantante y compositor estadounidense de ascendencia puertorriqueña de música salsa y más recientemente también de baladas románticas, pop y hasta tango. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor, que lo eligió entre miles de candidatos para ser el protagonista de su obra "The Capeman".
Su verdadero nombre fue elegido por sus padres, Felipe Muñiz y Guillermina, por el cantante mexicano del mismo nombre, aunque hubo de cambiárselo para que no se les confundiera profesionalmente.
En su vida privada ha habido muchos episodios, todos fruto de la pasión que destila en sus canciones: tras una relación con Debbie Rosado (una policía neoyorquina) nació su hija Arianna, un elemento fundamental en la vida de Marc y a la que le compuso una canción, My Baby You.
Después llegaría Jennifer López a su vida: en 1999 mantuvieron un tórrido romance e hicieron una colaboración en el primer disco de Jennifer Lopez, On the 6, que los marcaría para siempre: No me ames, que es la versión en español de una canción italiana de 1992.
Después se casó con la Miss Universo 1993, la puertorriqueña Dayanara Torres, con la que tuvo dos hijos: Ryan y Cristian (este segundo recibe su nombre en honor a la admiración que su padre profesa por Cristian Castro, un cantante mexicano). Entre el nacimiento de ambos hijos hubo crisis, llegándose a separar y casándose de nuevo. En el 2004 terminaron la relación.
Y llegó Jennifer: el 5 de junio de 2004 se casaron en la casa que tiene la popular artista del Bronx en Miami, confirmando así los rumores que los relacionaban de nuevo. Así, tras comprobar que Marc Anthony ha estado siempre enamorado de J. Lo, se descubre que ella es la misteriosa Lola a la que dedica varios de sus discos y canciones. En el 2006 están terminaron de rodar juntos la película sobre la vida del salsero puertorriqueño Héctor Lavoe, El Cantante.
A fecha de hoy, Marc Anthony ha participado activamente en la composición, producción y coros del primer disco de su esposa Jennifer en español, "Como Ama Una Mujer", mientras que prepara nuevo disco.
Marc Anthony en los Premios Lo Nuestro, Febrero 2007
Información general
Nombre Marco Antonio Muñiz Ruiz Rivera
Alias Marc Anthony
Nació Septiembre 16 de 1968 en Estados Unidos, New York City, New York
Origen Puerto Rico
Género(s) Música Latina, Salsa, Pop, Pop Latino
Ocupación(es) Cantante, Actor
Tiempo 1988 - Actualidad
Discográfica(s) RMM Records & Video, Sony BMG
Sitio web www.marcanthonyonline.com
Marc Anthony, nacido como Marco Antonio Muñiz el 16 de septiembre de 1969 en Manhattan, Nueva York (Estados Unidos), es un cantante y compositor estadounidense de ascendencia puertorriqueña de música salsa y más recientemente también de baladas románticas, pop y hasta tango. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor, que lo eligió entre miles de candidatos para ser el protagonista de su obra "The Capeman".
Su verdadero nombre fue elegido por sus padres, Felipe Muñiz y Guillermina, por el cantante mexicano del mismo nombre, aunque hubo de cambiárselo para que no se les confundiera profesionalmente.
En su vida privada ha habido muchos episodios, todos fruto de la pasión que destila en sus canciones: tras una relación con Debbie Rosado (una policía neoyorquina) nació su hija Arianna, un elemento fundamental en la vida de Marc y a la que le compuso una canción, My Baby You.
Después llegaría Jennifer López a su vida: en 1999 mantuvieron un tórrido romance e hicieron una colaboración en el primer disco de Jennifer Lopez, On the 6, que los marcaría para siempre: No me ames, que es la versión en español de una canción italiana de 1992.
Después se casó con la Miss Universo 1993, la puertorriqueña Dayanara Torres, con la que tuvo dos hijos: Ryan y Cristian (este segundo recibe su nombre en honor a la admiración que su padre profesa por Cristian Castro, un cantante mexicano). Entre el nacimiento de ambos hijos hubo crisis, llegándose a separar y casándose de nuevo. En el 2004 terminaron la relación.
Y llegó Jennifer: el 5 de junio de 2004 se casaron en la casa que tiene la popular artista del Bronx en Miami, confirmando así los rumores que los relacionaban de nuevo. Así, tras comprobar que Marc Anthony ha estado siempre enamorado de J. Lo, se descubre que ella es la misteriosa Lola a la que dedica varios de sus discos y canciones. En el 2006 están terminaron de rodar juntos la película sobre la vida del salsero puertorriqueño Héctor Lavoe, El Cantante.
A fecha de hoy, Marc Anthony ha participado activamente en la composición, producción y coros del primer disco de su esposa Jennifer en español, "Como Ama Una Mujer", mientras que prepara nuevo disco.
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